Tema 6-El Teatro anterior al 36.Ramón María del Valle-Inclán y Federico García Lorca

TEMA 6:EL TEATRO ESPAÑOL ANTERIOR A 1939 .R.MARÍA DEL VALLE-INCLÁN Y F. GARCÍA LORCA

1.-Generalidades:Del Teatro Realista-Positivista del XIX y XX al Teatro Modernista,
Noventayochista y Novecentista-Vanguardista
2.-El Marco Occidental Europeo y Americano en la renovación Dramática del XX
3.-Las Distintas Formas y Tendencias de nuestra Dramática en el XX anteriores al 39:
3 a.-Teatro Positivista Realista Neorromántico: J.Benavente, M.Linares, G. Martínez
3 b.-Teatro Popular-Costumbrista:C.Arniches, Hnos Alvarez Q., P.Muñoz Seca
3 c.-Teatro Modernista Poético en verso: E.Marquina,Fco Villaespesa,Hnos Machado..
3 d.-Teatro de Experimentación Modernista-Vanguardista: R.M. del VALLE-INCLÁN,
Azorín, J. Grau,R. Gómez de la Serna, R. Alberti,M. Hernández,M.Aub…
3 e.-Entre el Teatro Existencial y Experimental Vanguardista: M. de Unamuno, F.G LORCA

1.-GENERALIDADES: DEL TEATRO REALISTA-POSITIVISTA DEL XIX y XX AL TEATRO MODERNISTA-NOVENTAYOCHISTA Y AL TEATRO NOVECENTISTA-VANGUARDISTA

                    La producción teatral española en los primeros años del siglo XX no ofrece rupturas significativas con respecto al TEATRO REALISTA POSITIVISTA de la segunda mitad del XIX. (Las rupturas artísticas, la afirmación de nuevas concepciones ideológicas ligadas a esa “Crisis de fin de Siglo” que hemos señalado para la Lírica y para la Novela, no se dan en el Teatro inicialmente, sino algo más tarde y con un relieve social relativo.) En el teatro la renovación va a ser bastante más difícil y con mucha menor producción.

                   La creación dramática está muy ligada al hecho sociológico de la representación y a la aceptación del público (En España la mayoría de las Salas de Teatro pertenecían o bien a un sector privado o bien a directores que estaban muy ligados a los sectores conservadores de la Restauración, que se debían mucho a los intereses empresariales ,al éxito comercial de la taquillla. El público que asistía de un modo más continuado era así mismo de una sensibilidad conservadora al viejo estilo; eran los solventes económicamente...y en una aficción que tenía “cierta distinción o presunción de clase”). Por todo ello, la renovación artística a través de la dramática es siempre más compleja, más llena de dificultades. Sin embargo, se sabe que el teatro es el medio más eficaz en la transformación social, en la aceptación de nuevas ideas, costumbres y sensibilidades.

                  (De la parálisis y rutina de nuestro viejo teatro hablaron muchos escritores, y, en concreto, Ramón María del Valle-Inclán y Federico García Lorca, que fueron los dos extraordinarios dramaturgos de nuestro siglo XX, quienes lo llevaron de nuevo a un auge y renovación que seguramente no se conocía en nuestra dramaturgia desde los viejos tiempos de Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca. Valle-Inclán que luchó, endeudado, quijotesca y estrafalariamente contra los viejos gustos, no fue comprendido en su tiempo,y ni tan siquiera leído, y sólo muy avanzada la posguerra y gracias al empuje y relieve que le dieron los hispanistas extranjeros viene a cobrar importancia, a ser leído, a ser representado, muy avanzado el siglo XX. Federico García Lorca, considerado, leído y representado en nuestros días, vivió una experiencia similar de incomprensión en su tiempo. Sus declaraciones críticas contra el gusto del teatro anacrónico que se representaba fueron significativas.Lo llamó teatro “paralizador”, “embrutecedor”, insensible, que era un teatro que no estaba hecho con la cabeza sino con los pies; y que era necesario agudizar sentidos e inteligencia en un espectador que fuera consciente y atento a los verdaderos problemas y dramas de su tiempo)

J.Benavente / Manuel Linares R./Carlos Arniches/ Hnos A. Quintero/ R.M.Valle-Inclán-“L. de Bohemia”/F.Gcía Lorca “La C. de B. Alba”

                     Al lado del Teatro Burgués Positivista, continuador del Teatro Realista y Romántico del XIX, el llamado TEATRO DE ALTA COMEDIA, prosiguió el TEATRO POPULAR-COSTUMBRISTA en un acto, el del viejo humor, el que venía de los Sainetes Castizos de Ramón de la Cruz-que tanto denostaron los Ilustrados- y que en el XIX continuó en una fórmula romántico-realista, recogiendo las producciones, siempre a los dos más clásicos centros casticistas españoles-Madrid y Andalucía. (En el XIX se le llamaba el “Género Chico”, englobando tanto a Sainetes como a las adaptaciones en Libretos Musicales de Zarzuela que recibieron muchos con Tomás Bretón de los Herreros, Fernando Ramos Carrión,Chueca…)Señalemos ahora a Carlos Arniches-en el foco casticista de Madrid-y a los Hnos Alvarez Quintero-en el foco andaluz-,que, salvo excepciones, dieron tributo a la imagen de un viejo pueblo que se reconoce complaciente, autosatisfecho, con sus estampas costumbristas de siempre, sus tipos característicos, sus gracias, su “España hacia dentro”…inmensamente popular-que tendría, además, una larga descendencia en nuestra característica posguerra y en la actualidad.

                    (Ese Viejo Teatro del Humor fue muy denostado por los Renovadores del Humor y por las Vanguardias…como Gómez de la Serna…encontrando una Nueva Fórmula en el llamado TEATRO DEL ABSURDO de Enrique Jardiel Poncela y Miguel Mihura, quienes fracasaron, incomprendidos, en su innovación, pero en la Posguerra sí lograron-acompañados de TONO, ALVARO DE LA IGLESIA…-, rebajando, dadas las circunstancias, poner en funcionamiento la RENOVACIÓN DEL TEATRO DEL HUMOR con éxitos relativos, contendiendo con el viejo humor, y acompañados de Revistas famosas y minoritarias-que decían de humor absurdo-tales como la Ametralladora, la Codorniz…muy perseguidas por la censura)

                  Dadas estas circunstancias, la innovación dramática en el Modernismo y en la Generación del 98 se limitó a una serie de obras de VALLE-INCLÁN-hombre que se dedicó al teatro como director,, creador y actor, junto con su mujer; estudió el teatro europeo, representó en Hispanoamérica y ensayó nuevas fórmulas tanto “modernistas” como ”vanguardistas” expresionistas”.( Un Valle-Inclán intempestivo en declaraciones y en estrafalarias peleas con empresarios y dueños de salas, y que, evidentemente, no tenía éxito ni abría brecha en los monolíticos gustos de la “gente bien” que iba al teatro)

                     Con Valle-Inclán experimentaron e innovaron otros escritores ligados a la “crisis de fin de siglo” y a las filosofías finiseculares. Modernistas como E. Marquina, Fco Villaespesa, Hnos Machado-antirrealistas, pero muy diversos en los trasfondos de sus creaciones; noventayochistas como Unamuno-cuyo teatro sólo fue un complemento de sus novelas y ensayos, un teatro irrepresentable entonces, muy cargado de ideas, existencial, de realismo interior…con asuntos más universalistas y no tan ceñidos al esencialismo español de sus novelas y ensayos…, que después influyó en escritores como García Lorca; o bien, algunas creaciones del mismo Azorín-incidente en contenidos en el esencialismo español, pero bastante arte puro-vanguardia en sus técnicas.

                      Entre el Arte Puro-Vanguardismo y el Compromiso Social – que en el 30 experimentaron también nuestra novela y muchas creaciones líricas del 27…se hallarán, aparte del VALLE-INCLÁN más genuino, las aportaciones de Jacinto Grau, las de Rafael Alberti, Miguel Hdez, Max Aub…y FDCO GARCÍA LORCA, que es con Valle el otro gran renovador de nuestro teatro anterior al 39, pues su polifacetismo artístico musical, pictórico y, ante todo, lírico, encontró su síntesis en la Creación Dramática, a la que se dedicó en los últimos años de su breve vida como director, actor y creador…, todo ello acompañado de polémicas e inteligentes declaraciones. Un teatro difícil de reducir a las tendencias, porque García Lorca aúna en original fórmula el teatro clásico español, que es del que parte y conoce muy bien, con las innovaciones que traían modernistas y existencialismos noventayochistas, que compenetra con las innovaciones vanguardistas y el compromiso socio-político.

                       ( El predominio teatral anterior al 39, fue, como decimos, por un lado,el de la ALTA COMEDIA BURGUESA ,o Teatro Positivista Realista Neorromántico, es decir, un teatro continuista del Teatro Realista del XIX; y, por otro,el TEATRO POPULAR-COSTUMBRISTA, el de los Sainetes, el del humor tradicional, que , recibiendo a menudo adaptaciones de zarzuela, constituyó el “Género Chico”. Las Renovaciones en la Dramática fueron más difíciles que en la Lírica y la Narrativa, porque no hallaron el público adecuado para su lectura y menos, por muy diversas razones, para su representación y asimilación., pero fueron renovaciones que hallaron su comprensión a medida que avanzaba nuestra posguerra y que son determinantes para la evolución de nuestro teatro en la segunda mitad del XX y en la actualidad.)

2.-MARCO EUROPEO Y AMERICANO EN LA RENOVACIÓN DRAMÁTICA

                   Mientras en España se mantienen los gustos del viejo Teatro Realista Neorromántico, el de un costumbrismo melodramático de alta clase social, el que habían diseñado José de Echegaray (cuyo Nóbel nunca pudo ser más criticado por la mayoría de Noventayochistas y Modernistas, considerando el efectismo, el sensacionalismo, la falta de auténticas situaciones dramáticas), Manuel Tamayo y Baus...etc,- el teatro que ahora en el XX continuará por mucho tiempo D. Jacinto Benavente, en otros países europeos –también sal lado del viejo teatro-aparecen ya innovaciones aplaudidas por un pequeño público educado en la nuevas sensibilidades artísticas.

H.Ibsen A. Chejov B. Shaw M.Maeterlinck G.Giraudoux P.Claudel L.Pirandello F.Wedekind G. Kaiser B. Brecha E. O´Neill V.Meyerhold

                  Destaquemos en Noruega las innovaciones H.IBSEN( quien se adelanta en innovaciones en el XIX con sus críticas al papel de la mujer en la sociedad burguesa, con sus reflexiones sobre las hipocresías y convenciones tras el matrimonio burgués.;o bien sus críticas a la sociedad positivista burguesa, apegada a sus intereses, sus vacuidades, donde a menudo se ven oprimidas las auténticas personas honradas) ; en Rusia A.CHEJOV (Que inicia la renovación dramática también en el XIX, con reflexiones sobre el revanchismo social de una nueva burguesía creciente de intereses muy especulativos, y sobre cuyo arte de poco aliento ideal vuelve con sus críticas. Su tema más querido es la frustración de las aspiraciones del ser humano en un mundo de egoísmos, tras lo cual se esconde una violenta reacción contra la razón positiva)En Gran Bretaña es B.SHAW (quien crea un teatro de carácter social cuestionando el mundo especulativo burgués de la era victoriana,su moral de apariencias. Desde aquí Shaw evolucionaría al pensamiento finisecular nietzcheano y, con el tiempo, a un conservadurismo) M.MAETERLINCK,en Bélgica (Es el gran innovador , con aportaciones teatrales que cuestionan la existencia burguesa del XIX, una concepción de la existencia abocada a la nada, la presencia de la angustia que nace de esa crisis de fin de siglo ,o bien la recreación dramática de un mundo evasivo, simbolista.)En Francia es J.GIRAUDOUX.(quien nos lleva al resurgir del teatro, los nombres y símbolos de la antigüedad grecolatina,o bíblica, a los que sabe darles una lectura actual, original.Su influencia en García Lorca quizás no sea menor que la que ejerció Maeterlinck )P.CLAUDEL ( La importancia de la religiosidad cristiana en la problemática de su tiempo)En Italia.L.PIRANDELLO ( Quien lleva a cabo una importante renovación con sus reflexiones sobre los efectos de nuestra existencia alienada, infeliz, carente de sentido, insegura...dentro del moderno mundo industrial. Destaca el empleo del recurso técnico” del teatro dentro del teatro”, y buena parte de su obra ahonda en los temas dramáticos unamunianos).En Alemania F.WEDEKIND, G.KAISER, M.FRISH, B.BRECHT ( Renovadores desde el naturalismo, el expresionismo y el distanciamiento, siendo influyentes o coincidentes los primeros en el expresionismo de Valle-Inclán)En EEUU E.O´NEILL(quien incorpora no sólo el Realismo-Naturalismo, sino también las renovaciones “simbolista” y “expresionista”. Recurso habitual del alegorismo) En la URSS, V.MEYERHOLD (Quien se sirve de los grandes procedimientos de la escenificación, el expresionismo y el futurismo en el teatro soviético del periodo leninista)...

                   (Estas renovaciones del teatro se dieron también en los distintos países europeos y americanos al lado de una muy abundante producción realista-positivista. Con el tiempo en España se van conociendo, traduciendo y algunos empresarios empiezan a representarlas., siendo significativos los ensayos de MARTÍNEZ SIERRA, representante del Realismo ,en el famoso TEATRO DE LA PRINCESA madrileño , con algunos éxitos.)

3.-LAS DISTINTAS FORMAS Y TENDENCIAS DE NUESTRO TEATRO ESPAÑOL ANTERIORES AL 39

3.A.-EL TEATRO REALISTA NEORROMÁNTICO.-

                  También recibe la denominación de “Alta Comedia Costumbrista”(Alta Comedia Realista o Burguesa)Durante el siglo XIX este teatro lo habían configurado escritores como José de Echegaray, cuyo Nobel tan criticado había sido por algunos jóvenes escritores. Este teatro lo representan en el XX un autor de éxito, JACINTO BENAVENTE, y otros dramaturgos menores .En algunas obras hay atisbos de crítica social, con aportaciones nuevas en contenidos, aunque no en las formas o técnicas teatrales.

                  Era un teatro de alta clase social o clase media elegante, de enjoyados burgueses, reflejando sus inquietudes morales, las de la sociedad conservadora de la Restauración. Teatro de tonos sentimentales algo melodramáticos: entretener, hacer llorar al público o suscitar en él una justa indignación era perfectamente admisible.

                   Expresión de la filosofía positivista (la de esa razón universal confiada en el progreso ligada a un concepción providencialista y religiosa de la existencia, la que negaron los filósofos de fin de siglo..., o relativizaron a “ser una concepción o perspectiva más del mundo”(sólo una más) otros filósofos posteriores que incidieron en el Purismo y las Vanguardias.)Teatro muy criticado por modernistas, por noventayochistas y no menos por novecentistas-vanguardistas(de distintos signos políticos),que lo consideraban deplorable como otros muchos aspectos de la vida social y cultural .Sin embargo, sería este teatro el que llenaría las salas y triunfaría.

JACINTO BENAVENTE

                      Nacido en Madrid. Prosiguió en la línea de teatro decimonónico que estamos apuntando. Ligado a sectores conservadores. Colaboraciones periodísticas, traducciones de autores extranjeros. En sus primeras obras hubo intentos de adaptación de dramaturgos modernistas, tales como el belga Maeterlinck y el británico Oscar Wilde, pero no fueron significativas y desaparecieron en la producción posterior. En 1912 fue elegido Académico de la Lengua. Aparte de creador, Benavente fue empresario teatral que recorrió diversos países hispanoamericanos. Escribe más de 150 piezas teatrales. Con respecto al teatro anterior del XIX Benavente aporta una cierta renovación formal, principalmente en la elegancia y pulcritud estilística. Hay un tono de crítica social en algunas de sus obras, que era ausente en Echegaray, del que evita especialmente la grandilocuencia.

                   Sus obras se podrían clasificar de acuerdo con los escenarios o ámbitos en los que se desarrollan:

--INTERIORES BURGUESES CIUDADANOS

                    Escenario definido por la elegancia de la moda, personajes cuyo vestido y cuya palabra están siempre a tono con el ambiente desahogado y sin problemas económicos dentro del que se desenvuelven sus vidas. Dueños de los recursos y sutilidades del idioma, maestros del arte de la alusión, con un exquisito dominio de la retórica sentimental, atentos a las apariencias, aireando lo público y resguardando lo privado...Grupo social anquilosado en unos principios heredados desde los que juzga la realidad, pero con contradicciones entre sus principios y sus prácticas. Benavente ataca levemente el fariseísmo, las convenciones sociales...

                 Destaquemos “EL NIDO AJENO”(censura de la opresión de la mujer casada en la sociedad burguesa.)”GENTE CONOCIDA”,”AL FIN MUJER”,”LO CURSI”...

J.Benavente/Rep..”Int. Creados”/ “Al fin mujer”/”La malquerida”/Tertulia Teatral/M.Linares R./”La Cizaña” /G. Martínez S./ “C. de Cuna”


--INTERIORES COSMOPOLITAS

                   Es una ampliación de los escenarios anteriores, donde incluye a sectores sociales extranjeros de la alta burguesía y de cierta aristocracia. Pintoresca y elegante fauna de una Europa decadente, elegante, despreocupada, cínica, sentimental.”La NOCHE DEL SABADO”( Grupos de altas clases en una estación invernal, huyendo de sus propias vidas, prisioneros de sus sueños...)”LA MARIPOSA QUE VOLÓ SOBRE EL MAR” ( Yate de placer multimillonario),”LA ESCUELA DE LAS PRINCESAS. ...

--INTERIORERS PROVINCIANOS

                 Los ambienta en una simbólica ciudad de provincias a la que llama Moraleda, y que nos recuerda la Vetusta de la narrativa realista homónima de Clarín, o la Orbajosa de Galdós. Moraleda es una ciudad de segundo orden, con Gobernador Civil y Obispo Plaza Mayor, Teatro y Plaza de Toros. Población levítica en régimen de matriarcado, de poderosas y pacatas juntas de mujeres, de caciquismo, donde los intereses particulares inconfesables actúan disfrazados de principios de orden y decencia.”LA GOBERNADORA”,”LA INMACULADA DE LOS DOLORES”,”PEPA DONCEL”...

--INTERIORERS RURALES

               Dramas rurales que ocurren entre campesinos de su tiempo. Lugar simbólico de Aldeacabado.”SEÑORA AMA” (La mujer casada, sin hijos, a quien el marido les es constantemente infiel, pero que se siente orgullosa en el fondo de que su hombre guste a las mujeres y que al final ella sea la legítima)”LA MALQUERIDA” , “LA INFANZONA” (Drama de incesto entre hermanos, con su fondo de tremendismo y melodrama)

                       Como obra que comparte o supera los escenarios anteriores y que ha sido considerada la mejor obra de Benavente,”LOS INTERESES CREADOS” . (Repite la cínica tesis benaventina de que los seres humanos son eminentemente corruptibles e hipócritas, y que la sociedad es como un espectáculo de títeres en el que las cuerdas que hacen mover a los muñecos suelen ser las muy groseras de las ambiciones materiales. Como siempre, esta desengañada moral recibe el alivio parcial de un caso aislado de sentimientos sinceros).

        MANUEL LINARES RIVAS

                 Ofrece un teatro muy similar al de Benavente, aunque más próximo a las formas decimonónicas. Los personajes son ,a menudo, pretextos para asentar una idea, o mejor, una ideología pobre en significaciones. Tonos de melodrama tremendista.

                “LA GARRA”(Alegato en favor del divorcio, con todo el peso de la maledicencia, a la cual hace referencia el título de un modo metafórico).”LA CIZAÑA” ( para ser feliz hay que cerrar la puerta a la murmuración)”EL ABOLENGO” (Crítica superficial de la vanidad social de la ascendencia),etc.

             GREGORIO MARTÍNEZ SIERRA

                    En la misma línea de teatro benaventino y con tendencia a lo blando y ternurista, frente al carácter más bronco y duro de Linares Rivas. Dirigió varios años el “TEATRO ESLAVA” de Madrid, representando a numerosos dramaturgos extranjeros, de los que hizo traducciones.( Esta labor sería de gran importancia para promover la renovación que vendría más tarde de mano de otros dramaturgos). Como autor no aportó renovación ninguna, ni técnica ni temática.”LA SOMBRA DEL PADRE”(Consideración-lamento del hogar sin la autoridad paterna que lo dirija)”CANCIÓN DE CUNA” (Su obra de más fama .Insistencia en los frustrados sentimientos maternales de unas monjas que acogen tiernamente a un niño abandonado en su congregación .Obra de la que haría recientemente una adaptación cinematográfica José Luis Garci.).

                  (En esta misma línea de teatro hemos de situar las creaciones que el mismo Jacinto Benavente prosigue en la posguerra hasta bien avanzados los años 50,y las que realizaron hasta los años 70 Juan Ignacio Luca de Tena, José López Rubio y Joaquín Calvo Sotelo.,y que explicaremos como una de las formas del teatro en la Posguerra)

3B-EL TEATRO POPULAR-COSTUMBRISTA

                        Es el teatro que en el siglo XVIII y XIX se había venido desarrollando con Ramón de la Cruz, I. González del Castillo, T. Bretón de los Herreros....Obras teatrales en un acto que recogen jocosamente tipos populares y visiones costumbristas de una región o ciudad como espectáculo pintoresco. Principalmente ambientadas en Madrid y en Andalucía. Se advierte en ellos una España satisfecha de sí misma, satisfacción que alcanzaba a la vida y a la historia, sin mayores inquietudes ideológicas.(A ello habían contribuido especialmente los cuadros descriptivos románticos-costumbristas y conservadores de Ramón Mesonero Romanos y S.Estébanez Calderón.)

                  En el siglo XIX, principalmente avanzada la segunda mitad ,muchas de estas piezas teatrales costumbristas se fusionaron con la zarzuela, recibiendo así adaptaciones parciales a la música y al canto ,recibiendo entonces la denominación de “Género Chico”.(Federico Chueca:”La Gran Vïa”,”Agua, Azucarillos y Aguardiente”; Tomás Bretón:”La Verbena de la Paloma” ,Ruperto Chapí: “La Revoltosa”...)

CARLOS ARNICHES

                 Nacido en Alicante. Asentado en Madrid y conocedor de sus realidades y costumbres. Se convierte en un popular creador de “sainetes”(lo que en otros momentos históricos hemos llamado “entremeses” o “farsas” o “pasos”).Escribió más de un centenar, aunque muchos de ellos los crea en colaboración con otros autores. Su importancia y significación le harán dominar en este tipo de teatro en el periodo anterior al 36,aunque proseguirá en la posguerra.

                 Son significativas “EL SANTO DE LA ISIDRA” ( Tres personajes típicos: Epifanio, bravucón, pero cobarde en el fondo, y Venancio, más pacífico y trabajador, que se mueven por el amor a Isidra, adornada por cualidades positivas, quien, cegada por el malo, acaba aceptando finalmente el amor de Venancio),”LOS MILAGROS DEL JORNAL” ,”EL AMIGO MELQUIADES”, “DON QUINTIN EL AMARGAO”...

                      En una línea de superación de estas obras-sainetes que fueron las más abundantes, Arniches se adentró con algunas obras en un tipo de teatro(dentro de lo popular-costumbrista),que le alabaron mucho los críticos novecentistas y el gran crítico de teatro Ramón Pérez de Ayala. Es la “TRILOGIA DE LA TRAGICOMEDIA GROTESCA”,donde recoge aspectos críticos y de denuncia en la mejor técnica del expresionismo que Valle-Inclán desarrolla en sus esperpentos:”LA SEÑORITA DE TRÉVELEZ”,”LOS CACIQUES” y “LA HEROICA VILLA” (Se analizan los males que engendran el tedio, la ignorancia y la frivolidad estúpida en una sombría capital de provincias; hay una falta de instrucción y de responsabilidad cívicas en algunas actitudes y costumbres que llegan a lo criminal)

HNOS ALVAREZ QUINTERO

                          Los Hnos Serafín y Joaquín Alvarez Quintero nacen en Sevilla. Llevan a la escena una Andalucía superficial, tópica, de castañuela y pandereta, que elimina problemas concretos..No parece haber más problemas que los sentimentales en escenarios aristocráticos y burgueses, todo lleno de una visión buena del mundo acompañada de “salerosa gracia”.Se perpetúa así una Andalucía mítica-de cartón-piedra- de la que muchos gustaron en contraposición a los problemas de las revueltas campesinas, el anarquismo de “La mano negra”...Esta imagen también se la ofrecieron los Quintero a muchas compañías teatrales inglesas. (Este teatro también tendrá su incidencia en los primeros años de la posguerra.)

                   Señalemos “MALVALOCA”(drama sentimental y rural),”EL TRAJE DE LUCES”,”LA MEDIA NARANJA”,”MARIQUILLA TERREMOTO”,”EL OJITO DERECHO” ...(Aburrimiento y amoríos, soltería y murmuración, elogio de la alegría y astucia de las mujeres, bondad y celestineo, y triunfo final de la felicidad. Sol, alegría, euforia, relaciones patriarcales entre amos y criados....Su papel en la configuración de la “españolada” fue muy significativa.)

PEDRO MUÑOZ SECA

                Es otro representante de este teatro, quien escribe también en colaboración con otros. Hace evolucionar el sainete hacia lo que él llama “astracán”.Son comedias llenas de chistes, de retruécanos con el lenguaje, que buscan la complicidad humorística, la colaboración del espectador. Su objetivo es arrancar la carcajada, trasluciendo un humor cruel, que tiene sus antecedentes en nuestras letras.

              Podemos citar “LA OCA”,” LOS EXTREMEÑOS SE TOCAN”,”LA VENGANZA DE D.MENDO”...


C.Arniches/Madrid Castizo/”El A.Melquiades””Santo de la Isidra”/“La S.de Trévelez”/Hnos A.Quintero/El O.Derecho-Malvaloca/Muñoz Seca/La V. D. Mendo

3 C.-EL TEATRO MODERNISTA POÉTICO EN VERSO

                    Es una variedad del teatro modernista que vamos a explicar posteriormente. Hay en él una evidente ruptura con el positivismo o el teatro realista, apreciable en los temas más que en innovaciones técnicas. El teatro poético en verso se halla asociado a una ideología tradicionalista, exaltando los ideales nobiliarios, las gestas medievales o los momentos del imperio, con un cierto entronque con el Teatro del Barroco. Se trata de un teatro de nostalgia, de entronque con mitos históricos que suponen una evasión

EDUARDO MARQUINA

                    Es el escritor más representativo de este teatro. Autor de obras como “LAS HIJAS DEL CID”,”EN FLANDES SE HA PUESTO EL SOL”,”TERESA DE JESÚS”,etc.,escritas en verso grandilocuente. En prosa escribe obras relacionadas con un costumbrismo rural, tales como “LA ERMITA, LA FUENTE Y EL RÍO”,”FRUTO BENDITO”, ,etc.

(E. Marquina)           (A. y M. Machado)           (Fco Villaespesa)                   (Película “La Lola se va a los Puertos”)

FCO VILLAESPESA

                    Fue importante poeta modernista destacando en la línea más rubeniana ,de evasión hacia las exterioridades sensibles, que en el intimismo de otros poetas españoles del Modernismo. Su labor como dramaturgo y empresario teatral fue significativa, recorriendo diversos países latinoamericanos. Su teatro es también de carácter modernista, en la línea de evasión histórica y en verso, dando especial importancia al colorido de la escena, de la ambientación y de un lirismo que se intercala en un diálogo dramático de gran retoricismo y altisonancia.

Destaquemos “DOÑA MARÍA DE PADILLA”,”LA LEONA DE CASTILLA”,”ABÉN HUMEYA”....

HNOS MACHADO

                     El teatro de los Hnos Machado, escrito mayoritariamente en verso, se hallaría muy próximo a esta variedad de teatro modernista en verso. Recogen muchos temas históricos o legendarios, aunque no con la exaltación tradicionalista de los anteriores; buscan en la historia aspectos simbólicos y poéticos. Recordemos “ DESDICHAS DE FORTUNA O JULIANILLO VALCÁRCEL” ( Recreación de la vida del hijo bastardo, legitimado, del Duque de Medinasidonia...quien no sabe acomodar la conciliación de su amor a la libertad y la autenticidad y muere en escena herido de la nostalgia)”JUAN DE MAÑARA”(Una recreación del D. Juan muy característica; es la historia de su conversión y salvación ante una de las víctimas en un abismo de degradación moral. Fue la conquista de un alma quien lo apartó de la tierra.)”LA DUQUESA DE BENAMEJÍ”( Que es la historia del trágico fin de unos amores de un bandolero generoso y de noble carácter y de una duquesa que sabe saltar por encima de las convenciones sociales para unirse al hombre que ama)”LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS”(Obra que converge en la definición de los ideales e identidades andalucistas con la recreación de una cantadora ,de la que están enamorados padre e hijo y que simboliza la copla, el cante y el alma andaluza.)”Las Adelfas”,etc

                    Todo el teatro de los Hnos Machado, en realidad, gira en torno a los ideales y recreación romántica de la identidad andalucista. Ideales próximos al legendario apóstol andaluz, Blas Infante

                 (Otros autores en esta línea de teatro, aunque su significación es más importante en la posguerra que antes de ella, es la que representa José María Pemán )

E. Marquina/ En F. se ha puesto el sol””Las H. del Cid” Fco Villaespesa/”La L. de Castilla” / Hnos Machado/“La D de Banamejí/La Lola se va a los Puertos


3D.-TEATRO DE EXPERIMENTACIÓN MODERNISTA Y VANGUARDISTA

                   En este bloque-forma de teatro hemos de incluir las formas más innovadoras de nuestra dramática antes del 39.Innovaciones que se producen en lo formal- en las técnicas-y en los temas, en nuevas sensibilidades dramáticas. Este teatro no tuvo realmente éxito comercial, pues no era, en realidad, entendido por un gran sector del público. Sin embargo, será un teatro plenamente representativo de su tiempo y de una gran repercusión e influencia ya en años posteriores de nuestra posguerra.

                  Este nuevo teatro de experimentación tiene como punto de partida las traducciones y puestas en escena de autores extranjeros que realizan después de la Gran Guerra G. MARTÍNEZ SIERRA en el “TEATRO ESLAVA” de Madrid, y ADRIÀ GUAL, en el “TEATRO NOVEDADES” y en el “ROMEA” de Barcelona, prosiguiendo su labor después en el “TEATRO PRINCESA” de Madrid.).

                ((Otro punto de partida del nuevo teatro, en una dirección de preocupaciones sociales, es el de la llamada “Escuela Nueva Dramática”,que promovió principalmente CIPRIANO RIVAS CHERIF . Este teatro, ligado al “socialismo español”,recogió inicialmente muchas interpretaciones de las obras de Cervantes y del noruego Ibsen; durante la Dictadura de Primo de Rivera, se replegó en los grupos minoritarios, que actuaban en los pequeños salones, de “El Mirlo Blanco” y “El Caracol”.Ampliarían su repertorio a una serie de obras clásicas españolas con un afán divulgativo popular. Y esta iniciativa fue la que recogió la República, fomentando a través del Ministerio de Instrucción Publica dos admirables tareas culturales:”Las Misiones Pedagógicas” y “El Teatro Ambulante de la Barraca”)).

                     Se trata de un teatro que no hace concesiones a lo comercial, que no se hace para agradar con las intrigas de salón burguesas y las suaves lecciones morales, ni hace mimetismos populares de costumbres o juegos humorísticos de palabras. Es un teatro que hace cuestionamientos importantes de la organización social y económica, de la moral dominante, de los planteamientos filosóficos o formas de ver el mundo dominantes desde las filosofías y actitudes de fin de siglo que ya hemos visto traducirse artísticamente en el campo de la Lírica y la Narrativa.

RAMÓN MARIA DEL VALLE-INCLÁN

                   Ya hemos señalado su significación en la renovación narrativa-novelística. Nacido en Villanueva de Arosa. Su nombre verdadero era Ramón M. Valle Peña ,adoptando este seudónimo que recoge de sus antecedentes familiares. Estudios de Derecho en Santiago. Viaje a Méjico como periodista. Posteriormente se instaló en Madrid, dedicándose al periodismo y al teatro. Viajes a París y a Europa, visitando el mismo Frente de Guerra, destacando por su afiliación aliadófila. Nuevo viaje por Hispanoamérica como empresario y director teatral, que le pone en contacto con las realidades culturales, sociales y económicas latinoamericanas, muy importantes en su obra posterior. Dificultades con la Dictadura de Primo de Rivera, encarcelamiento. Con el advenimiento de la República fue Director de la Escuela de Bellas Artes en Roma, muriendo pocos años después en Santiago de Compostela.

                  Valle-Inclán mostró una afición y entrega a la creación y representación teatral muy importante: su matrimonio, su largo viaje hispanoamericano, sus actividades en Madrid, sus traducciones y lecturas de extranjeros estuvieron supeditadas al teatro, a un teatro que suponía la renovación de las sensibilidades culturales de un pueblo dormido. Entre las influencias importantes hemos de señalar las de los Expresionistas Alemanes (F.WEDEKIND,G.KAISER, F. KAFKA, ...) italianos (L. PIRANDELLO y “Seis personajes en busca de autor”) franceses (A. JARRY )rusos ( V. MEYERHOLD) + la influencia del primer cine vanguardista expresionista y mudo (CHARLOT, LLOYD, KEATON, C. BOW).A ello se ha de unir el conocimiento que Valle-Inclán tiene de nuestra tradición artística expresionista-Quevedo, Goya, Solana, Arniches...

                  La tarea será difícil en una sociedad anclada en los valores de la Restauración, que pretende remover con su carácter bohemio, sus provocaciones...manifestación de una inquietud y preocupación interiores. Valle-Inclán no cosecharía importantes triunfos, pero su renovación dramática en nuestra cultura es de tal magnitud que sus antecedentes de renovación no se habían vuelto a dar desde Lope de Vega y el teatro Barroco--como muy bien nos señala Antonio Buero Vallejo.( Sus frutos se recogen ya avanzada la posguerra y en la actualidad)

  G.Martínez Sierra /T. Eslava /Princesa-M.Guerrero/T.Romea-Barna/ A. Gual- Harold Lloyd/ Chaplin/G.Lorca,.M.Xirgú y C. Rivas / Valle y su Compañía

                   Las PRIMERAS CREACIONES dramáticas son “MODERNISTAS”.Dramas antirrealistas, como “CENIZAS”(o “El Yermo de las Almas”),que extrae de su colección de cuentos “Femeninas”.(Tema del adulterio, pero no desde los planteamientos morales o sicologistas de los positivistas del XIX, sino como un triunfo del sentimiento sobre las circunstancias exteriores. Se recrea una atmósfera decadente ,estética.)”EL MARQUES DE BRADOMÍN(,adaptación teatral de la “Sonata de Otoño”,recreando un ambiente estetizante, aristocrático, decadente en su Galicia natal.) Dos piezas breves “TRAGEDIA DE ENSUEÑO” y “COMEDIA DE ENSUEÑO” , (creaciones de carácter simbolista, presididas por la fatal presencia y triunfo de la muerte y por el misterio de la belleza y la crueldad, respectivamente.)

               Creaciones esteticistas, la primera actitud literaria de Valle-Inclán, que tiene su correspondencia en la novela homónima. hay influencias importantes de Maeterlinck.

                   La SEGUNDA ETAPA está representada por “LO MITICO”.Son comedias ambientadas en el pasado de un mundo galaico. Constituida por “Las Comedias Bárbaras”--“AGUILA DE BLASÓN”,”ROMANCE DE LOBOS” y “CARA DE PLATA”(Obras centradas en el ambiente rural gallego, ahora con toda su miseria, por donde se mueven personajes extraños, violentos o tarados, con pasiones de fuerza alucinante. Todo presidido por D. Juan Montenegro, hidalgo tiránico y arrebatado, inmensa figura de un hombre heroico en descomposición. Apreciamos a personajes movidos por las oscuras y bárbaras pulsiones de la carne y el espíritu; mundo de pasiones y valores absolutos ,donde no caben los términos medios entre el bien y el mal, entre la humanidad y la animalidad. Pero esos personajes desmesurados de su mundo doméstico galaico aparecen también contemplados con una extraña aureola de grandeza en la lucha que sostienen contra sus hijos y contra un pueblo miserable, alternativamente sumiso y rebelde. Tras ellos, tampoco viene nada mejor a sustituirlos. Por ello, hay en estas creaciones una doble mirada de admiración-evasión muy modernista y de crítica, de manera muy similar a lo señalado para los gerifaltes carlistas de su correspondiente ciclo narrativo.)

                    Otra obra importante de esta “etapa mítica es “EL EMBRUJADO”,que también llama “Tragedia de la Tierra de Salnés”,( Se sitúa en el mismo ámbito rural de las obras anteriores. Mundo regido por la fatalidad, de la cual son instrumentos la lujuria y la avaricia. la obra presenta las tiranteces de D.Pedro Bolaño, que reclama a su nuera, Rosa Galans, el niño de su hijo, pero ella le pide la mayor parte de la herencia ,y éste primeramente se la niega, triunfando la avaricia sobre el amor .Anxelo, el embrujado, antiguo amante de la Galans, ha matado al hijo de D. Pedro y vive dominado por la fatalidad, atenazado por la culpabilidad y por una inocencia, por una falta de libertad, que está en la atración por ella. Un criado de D. Pedro intenta robar el niño, pero una bala les atraviesa a ambos, impidiendo la última voluntad de D. Pedro, la recuperación del niño a costa de gran parte de su hacienda. La obra termina con el ladrar de unos canes, que simbolizan la presencia de la muerte dentro del mismo corazón humano.)

                 La otra obra del ciclo es “DIVINAS PALABRAS”,que se halla próxima al expresionismo posterior(Recreación de la explotación como espectáculo de feria que hacen dos hermanos, en rivalidad, por un niño, hermano menor, hidrocéfalo. El mundo de pasiones brutales en contextos de degeneración cobra un especial relieve crítico)

                   La TERCERA ETAPA está constituida por “LA FARSA”, que supone, como “LO MITICO”,una etapa dramática de evolución del Modernismo a las técnicas de distanciamiento de la Vanguardia Expresionista, la del Esperpento.

                    El ámbito de estas farsas es una realidad medieval idealizada o literaturizada. En la primera,”FARSA INFANTIL DE LA CABEZA DEL DRAGÓN”( Se escenifica un cuento o fábula infantil. El príncipe Verdemar, el más joven de los tres hermanos, hijos del rey Maguncián, después de liberar de su prisión a un Duende, huye del Palacio ...y entra disfrazado de Bufón en el palacio del rey Micomicón, se enamora de la Infantina, a la que salva con la ayuda del Duende de ser devorada por el Dragón, a quien ha sido entregada para salvar el reino de su padre. Finalmente se celebran las bodas del Príncipe y la Infantina)De trasfondo hay una crítica a la tradición, cuyas formas desustanciales y sin contenidos reales son puestas en la picota y reducidas al absurdo. Se resalta la estúpida crueldad del hombre cuando se aferra a las formas de una tradición vaciada de todo sentido de la realidad. Es la primera sátira valleinclanesca del Poder.”LA MARQUESA ROSALINDA”(,donde se entrecruzan elementos del teatro de marionetas, de la Comedia dell´Arte italiana y del entremés. Estos elementos se funden en un ambiente dieciochesco modernista irónicamente reflejado. El sueño modernista poblado de cisnes y mirtos, de rosas y de liras, se revela tan ilusorio y falso y, a la postre, grotesco en su bella sentimentalidad, como las espadas de latón que cruzan Arlequín y Pierrot. La Marquesa Rosalinda se despide de su bella mentira anterior con un “¡Por siempre, adiós”! -y sin una lágrima -de su hermoso sueño de amor.).

                    “FARSA ITALIANA DE LA ENAMORADA DEL REY”( Vuelve sobre gran parte de los ambientes anteriores, pero aquí parecen contrapuestas una corte del XVIII-con luces y comparsas de opereta,-y una venta cervantina, que encarnan los mundos simbólicos de la Realeza y el Pueblo. Se intenta liquidar el mito histórico de la unión de la realeza y el pueblo. (Se recrea el amor que Mari Justina-el pueblo ingenuo e iluso-siente por el rey Carlino, al que ha visto en una cacería y al que trasfigura en apuesto y bello Rey, que no corresponde con la realidad. Se pone de relieve así lo absurdo, mezclando lo sentimental y lo grotesco, de lo que Valle -Inclán hace consciente al mismo Rey.)

                  Valle-Inclán intenta con estas farsas liquidar un “modus mirandi”...lo cual le servirá para acometer la última farsa, la de la realidad histórica española anterior a la inmediata Restauración. Es lo que recrea en “FARSA Y LICENCIA DE LA REINA CASTIZA” (.La sátira política y moral, la valoración irónica de la realidad política española, antecedente de la Restauración, se dirige contra los Reyes, los cortesanos ,los ministros y contra los gloriosos espadones que gobernaron la España Isabelina, de la cual es símbolo y encarnación el mayor general; y no sólo ellos, sino también el pueblo, una sociedad tradicional a la que la sociedad española ha sido tan aficionada a mitificar, a totemizar)

Valle-Inclán/C-M. P.Caramiñal/M.Bradomín/El Y.Almas”/ A. Blasón/ R. Lobos/ C. Plata/ D.Palabras/ Farsa C. Dragón/Farsa R.Castiza

                         Finalmente, hemos de señalar su ULTIMA ETAPA, la del “CICLO DEL ESPERPENTO”. Esta etapa se halla relacionada también con su etapa novelística homónima, la de “El Ruedo Ibérico” y “Tirano Banderas”.

                     Etapa de vanguardia “expresionista”,la más original de Valle-Inclán, a la que llega por un proceso evolutivo de su creación dramática en la línea de la sátira social, de la farsa grotesca. Valle-Inclán ha llegado a esta “forma de expresión literaria” a “esta estética” por la asimilación de una forma de expresión crítica que se encontraba en nuestra tradición literaria,-como nos dicen algunos críticos--Quevedo, Goya, Arniches...-,pero también-como él mismo nos dice- enlazando con presupuestos decadentistas españoles del noventayocho o del novecentismo, porque la realidad española comparada con la europea no podía contemplarse más que con esta estética degradadora que nos hiciera ver la auténtica realidad, la estética de los espejos cóncavos del famoso Callejón del Gato o del cristal del fondo del vaso que Max Estrella le dice a D. Latino. (La razón principal está, sin duda, en la imitación y paralelismo de lo que están haciendo una serie de Artistas Expresionistas Europeos, que hemos señalado ,y que utilizan en un sentido crítico y social en una coyuntura europea de gran crisis del Sistema Capitalista Positivista con las consiguientes consecuencias de radicalización política que llevaron a la Segunda Guerra Mundial)

                    Los procedimientos del esperpento se hallan en lo “grotesco” mediante el juego del “contraste” y la hipérbole(“contraste entre lo dicho y lo hecho”-comportamiento,”entre lo convenido(oficial) y lo verdadero(escamoteado)”,”entre lo heroico(fantástico) y lo cotidiano(real)”,”entre las ilusiones(individuales) y la realidad(colectiva)”.Los textos abundan en “personificaciones de animales y cosas, y animalización de personas”,en “expresiones cultas” que contrastan con otras “coloquiales, vulgares, del mundo del hampa”,con “juegos de rima “ en sentido humorístico”,”con expresiones populares llenas de imágenes poéticas degradadoras”.Técnica que podemos ver bien en “Luces de Bohemia”)

                       Este ciclo se inicia con “LUCES DE BOHEMIA”(1920)(,Centrada en la España de la Restauración, donde se nos cuenta la última noche de Max Estrella, poeta miserable y ciego, figura posible del novelista Alejandro Sawa. Tras el fracaso y la muerte de este escritor-en suma, mediocre-la obra se convierte en una parábola trágica y grotesca de la imposibilidad de vivir en una España deforme, injusta, presiva y absurda. En ella no hay sitio para la pureza, la honestidad o el arte noble .No sabemos al final si muere por el frío, el alcohol, por su corazón cansado o por el dolor de lo que le rodea)

                   A ella se ha de añadir la Trilogía “Martes de Carnaval”,constituida por “LOS CUERNOS DE D. FRIOLERA”,”LAS GALAS DEL DIFUNTO” y “LA HIJA DEL CAPITÁN. En la primera se hace una reflexión crítica y deformante del primitivo machismo del código del honor en el Teniente de Carabineros D. Pascual Astete-D.Friolera-a quien le informan de la infidelidad de su mujer(Pobre hombre que tiene que hacer el papel de héroe que la sociedad el exige. Hay una parodia de los monólogos de las tragedias calderonianas del honor). En la segunda se hace esperpento del mito de D. Juan Tenorio, de sus personajes y de los lugares (Si el mundo al que D.Juan burlaba-y no sólo a las mujeres-era un mundo cuyo sistema de valores no era puesto en cuestión, sino todo lo contrario, pues constituía la norma sobre la que D. Juan era “l´enfant terrible”,pero en absoluto su víctima...Valle-Inclán lo que hace es desmitificar ese mundo, un mundo concreto, real, identificado e identificable. Por ello los dos personajes principales-Juanito Ventolera y la Daifa- no son dos héroes degradados que saltan o se salen de la norma de conducta social y moral propia de su mundo, sino dos víctimas de ese mundo, atrapadas por él y por él convertidas en deshechos. Tan importante como la esperpentización de D. Juan es la realidad histórica y literaria en la que se produce).La última, prohibida por la Dirección de Seguridad, es una denuncia violenta, grotesca, esperpéntica de la Dictadura Militar del 23 en la vida política española

“L. de Bohemia”/Repr. L. Bohemia/M. Carnaval/Cuernos D.Friolera/G. Vallisol. Quimera Plástico-G. Difunto/ H del Capitán/C.D.Valle-Inclán
ANTONIO RUIZ (“AZORÍN”)

                  Representante de la Generación del 98, Azorín, aparte de su producción de ensayo y novela noventayochista de marcado carácter conservador, escribe una serie de obras de teatro, que no tuvieron gran aceptación del público .Se trata de una creación teatral que Azorín lleva a cabo en su última etapa, la de libros-novelas en las que se fusiona actualidad y pasado histórico, que pone de relieve con esas descripciones de las “cosas pequeñas “,donde él aprecia la persistencia del pasado, su peculiar “intrahistoria”.El teatro es una creación complementaria de esta concepción de la vida y de las cosas que domina en estos libros, de esa concepción en que el progreso tiene que saber aunar pasado y cosas nuevas.

Se trata así de un teatro antirrealista, antipositivista, que ,si por una parte viene a conformar su concepción de regeneración moral española desde los presupuestos del 98,por otra, su actitud distanciada, intelectual( y hasta vanguardista)en la concepción del espectáculo teatral le ligarían a la Estética Novecentista-Generación del 14.Recibió influencias de dramaturgos extranjeros como Maeterlinck, Pirandello y del mismo Meyerhold (aunque en sentido bien distinto al de Valle-Inclán)).

                      Azorín nos hablará de que es necesario cambiar el teatro tanto temática como técnicamente; señala la importancia de las técnicas cinematográficas en el mundo teatral(enfoques, luz, panorámicas/ detalle, retrocesos) así como las aportaciones de la vanguardia “surrealista”(sueños, fijaciones, mundo subconsciente...).El diálogo ha de cargarse de ideas, reflejando la riqueza del mundo interior de los personajes...en contrapunto a las realidades exteriores. Un diálogo bien construido, de elegante dicción y estilo.

                     Destaquemos “BRANDY,MUCHO BRANDY”(La vida como deseo e ilusión aparece contrapuesta a ésta como realidad; hay un deseo de evasión, pero hay unas constantes que siempre están actuando sobre nosotros).”OLD SPAIN” (Se contraponen tradición y progreso, resultando necesarias en lo nuevo una conjunción de ambas)

                     La Trilogía de “LO INVISIBLE” (...que dice le suscitó la lectura poética de Rainer M. Rilke...)Constituida por “LA ARAÑITA EN EL ESPEJO”( Dramatiza el misterio de la muerte como premonición);”EL SEGADOR” (Viejo símbolo de esta muerte en la guadaña y el segador...);”DOCTOR DEATH,DE 3 A 5” (Escenifica el misterio del tránsito ,de ese inapresable instante en que, aislado y en radical soledad, pasa el hombre del reino de la vida al de la muerte. Del instante de rebelión ante ella al de la aceptación como fatalidad).El tema de la Muerte, en definitiva, incide en esa obsesión del tiempo, como dimensión que define lo humano, la vida como simple accidente...lo cual nos lleva a esa preocupación azoriniana por el “pasado”)

Otras obras son “Angelita”,”Cervantes o la Casa encantada”...

JACINTO GRAU

                    Representante de un teatro de innovación novecentista-vanguardista, que se opone al teatro realista benaventino. Teatro intelectual, lleno de simbolismo dramático, recurriendo a nombres y situaciones del teatro clásico grecolatino o de la misma Biblia. Teatro que prosigue en la posguerra y que tuvo más aceptación en el exterior que en España.

                   Destaquemos.”ENTRE LLAMAS”,”EL CONDE ALARCOS”,”EL HIJO PRÓDIGO”..,intentos fallidos de hacer resurgir al estilo grecolatino “la tragedia”.como dice la crítica Las pasiones, el destino y la fatalidad dominan la vida de los personajes ,no pudiendo salir de su círculo. Son tragedias más literarias que reales.

                       Como obra dramática que critica la situación política de España, dominada por una serie de mitos oficiales que no tienen operatividad y ante los que fracasa el proyecto de un hombre, que quiere hacer un cambio empezando por su propia vida se halla “EN ILDARIA”. Otra obra,”EL SEÑOR DE PIGMALIÓN” (Nos recrea el drama de Pigmalión que crea un universo de muñecos muy perfectos que reproducen todos los tipos españoles, pero como productos mecanizados, fruto de una cultura sin alma, sin libertad, llegan a matar a su propio creador, se han rebelado contra él, pues no les ha dado el sentido y misterio final de la vida.) Es una reflexión sobre las limitaciones y angustias del ser humano, el sentido de su existencia. En una línea que nos recuerda el existencialismo cristiano de Unamuno .”BIBÍ CARABÉ” (Nos presenta la angustia, el sentimiento de alienación de un obrero que siente el ganarse la vida haciendo reír más por la forma de decir las cosas que por lo que dice. Esto le llevará a un proceso de fracaso y desesperación que va destruyendo su propia vida familiar ).Es una crítica a la adopción de formas de vida inauténticas o alienantes, que se acaban volviendo contra uno mismo. Otras obras menos significativas son “Don Juan de Carillana”,”Las Gafas de D.Telesforo”,etc.

RAMON GÓMEZ DE LA SERNA

                 Nos ofrece algunas creaciones dramáticas de experimentación novecentista en la línea del “Vanguardismo Creacionista”(de la “greguería”)Son creaciones, en su mayoría, de una etapa juvenil de Gómez de la Serna, que él no valoró, aunque son importantes como intento de renovación de nuestra dramática, como documento, en este caso, de adaptación de las formas y técnicas de vanguardia en nuestras letras.

                       El nos dice que “su teatro era para quienes no querían ir al teatro”.(Se entiende claramente su actitud de teatro antirrealista, su carácter experimentador, nuevo. Se halla especialmente relacionado con el humor y el absurdo de E. Ionesco)

                 Sus temas dominantes serán “el erótico” y la “crítica de las convenciones sociales”.

                     Destaquemos “EL DRAMA DEL PALACIO DESHABITADO”,donde dialogan unos muertos en los que lo único vivo es el deseo sexual y la nostalgia del placer que no gozaron.”EL LUNÁTICO” nos presenta a un auténtico enfermo de insatisfacción sexual, que acaba extrangulando a la jovencita ”mística” que lo quiere salvar.”BEATRIZ” ,donde sobre la cabeza cortada de Juan Bautista, objeto de la pasión erótica de Beatriz, aparece ésta vendando la cabeza cercenada.

Otras obras menos significativas son “Los Medios Seres”,” Escaleras”...

Azorín-Obra Dramática J.Grau-El Señor de Pigmaliión/R. Gómez S-Teatro Vang./A.Casona-Sirena Varada/Alberti-El Adefesio/M.Hdez

ALEJANDRO CASONA

                      Desarrolla una labor teatral importante antes del 39,que prosigue más fecundamente en la posguerra, aunque las líneas generales de su teatro ya están prefiguradas en los años 30 y antes de su exilio(más bien autoexilio) en Argentina. Su nombre real era Alejandro Rodríguez, firmando con el seudónimo de “Casona”

                    Casona ,nacido en Asturias, era Maestro y ya desde sus años juveniles destacó por sus ideas liberales, su gran vocación pedagógica y afición y promoción del teatro dentro del mundo infantil y adolescente. Este es el gran punto de partida de su teatro, dominado por la fantasía, el simbolismo, el carácter fabulístico, didáctico...sin especial consideración por lo social, pero sí eminentemente liberal. En sus años de Magisterio en el Valle de Arán, recogiendo la realidad lingüística aranesa, creó una pequeña compañía de teatro infantil,”El Pájaro Pinto”,que le llevó a adaptaciones de textos clásicos para la representación estudiantil. En el periodo de la República se le encargó como parte del Proyecto de las Misiones Pedagógicas “El Teatro Ambulante” (o “Teatro del Pueblo”) que nos recuerda la labor que “La Barraca” realizaba en el ámbito universitario con García Lorca, de mayor compromiso social.(Nos dice cómo un camión les servía de transporte y cómo los chicos levantaban enseguida los escenarios con maderas toscas en las plazas, recibiendo siempre el afecto cálido de pueblos aislados sin apenas entretenimientos.)

Destaquemos antes de la posguerra, en esos años treinta, un teatro también antirrealista, pero sin importantes innovaciones en lo técnico, entre la fantasía, el símbolo y la fábula didáctica.”LA SIRENA VARADA” (Unos personajes pretenden escapar de una realidad juzgada como constitutivamente deficiente, creándose un refugio, una isla en donde inventar una vida nueva no sujeta a razón ni a disciplina, no dependiendo de nada que no sean los propios sueños. Esto no podrá mantenerse, nace de un miedo de asumir lo real. Sólo es posible vivir en la verdad, asumiendo lo real).”PROHIBIDO SUICIDARSE EN PRIMAVERA” (Nos encontramos en el Sanatorio del Doctor Roda donde se hallan unos extraños y excéntricos personajes, que se quieren suicidar. Los personajes irán descubriendo mediante unas terapias que sólo provisionalmente se puede vivir en la ilusión. Los problemas que la vida plantea, las interrogaciones con que nos acucia hay que resolverlos en la vida misma, de pie) “NUESTRA NATACHA” ( Donde se critican los métodos de enseñanza en un reformatorio, métodos rigoristas y deshumanizados, que no creen en la perfectibilidad humana ni en la libertad del individuo. Natacha es el personaje que aporta la consideración de la necesidad de amor y comprensión con los enfermos para realizar esa labor)...

                          Posteriores a la Guerra, en una inmediata posguerra que se apropió, quizás un poco indebidamente, de los mensajes teatrales de Casona, se celebraron durante un tiempo los “Festivales Casona”.De esa época posterior serán sus obras “LA DAMA DEL ALBA”(Angela, esposa de Martín de Narcés, a la que todos, menos el marido. creen ahogada y desaparecida en el río, y a cuyo recuerdo dedica un obsesivo culto la Madre, regresa a la casa de donde años antes partió con otro hombre, sin que Martín revelara la intimidad, no sólo por evitarse a sí mismo la deshonra, sino como homenaje de amor a su esposa, cuya imagen de víctima pura e inocente ha conservado así, con su silencio, en la memoria de los demás. Regresa, en busca de perdón, ignorando que todos la creen muerta, para ocupar un puesto que ya no le pertenece, pues la ha sustituido en el amor del marido, de la madre y de los hermanos, otra muchacha, Adela, salvada por Martín de perecer ahogada en el río; Adela, que ha traído la alegría y la esperanza de la felicidad a la casa en donde Angela dejara la tristeza. Su regreso hará imposible la felicidad y destruirá la imagen que de Angela perdura en la memoria colectiva. La Muerte aporta la solución. Su cuerpo aparece intacto en el río.).”LOS ARBOLES MUEREN DE PIE” ,(Irrealidad, fantasía e ilusión tienen el prestigio y el brillo de la belleza, pero es en la realidad donde sólo puede el hombre vivir la verdad)

Otras obras, en una línea similar, son “La barca sin pescador”,”Siete gritos en el mar”,etc

RAFAEL ALBERTI

                   Su labor como poeta de la Generación del 27 es más importante que como dramaturgo. Una obra teatral escasa, pero significativa, en cuanto complemento de sus distintos momentos poéticos, y principalmente una obra que es expresión de sus compromisos políticos en una línea social comunista .Teatro que innova , a veces, en las técnicas de vanguardia, en el simbolismo...y que se puede catalogar como “Teatro Político” o como “Teatro Poético”(con incidencia en el T. Político).

                  “ El HOMBRE DESHABITADO” es una pieza simbólico -alegórica, con influencias del surrealismo que marca un momento vital de Alberti, el de su crisis ,el de una etapa en que se siente abandonado de fuerzas que han marcado su vida y se adentra en una realidad española de radicalización política.”FERMIN GALAN”(Que dramatiza la revuelta en pro de la República que desde la guarnición de Jaca realizaron F. Galán y García Hdez, siendo posteriormente ejecutados).”NOCHE DE GUERRA EN EL MUSEO DEL PRADO”,(Nos sitúa en los meses de Noviembre-Diciembre de 1936 cuando, sitiada Madrid, unos milicianos intentan salvar las pinturas del bombardeo aéreo. En una sala central del mismo se proyecta una película en la que van desfilando los personajes de los cuadros importantes, de manera especial los cuadros de Goya así como la resistencia del pueblo en la Guerra de la Independencia, con la cual Alberti quiere hacer un paralelismo con la situación bélica del momento.”DE UN MOMENTO A OTRO”(Es el proceso de compromiso social de un joven andaluz, de familia hacendada, hacia una nueva realidad política y moral)

                 En clave más “poética” que “política” se han de comprender “EL ADEFESIO”,(Una especie de fábula del despotismo, el autoritarismo y la represión en juicio moral sobre una sociedad nueva que nace y se condena, no sin faltar un sentimiento de culpabilidad) Menos significativas son “El Trébol Florido”,”La Gallarda”,etc

MIGUEL HERNÁNDEZ

                   Importante principalmente como poeta, ligado al 27, pero con personalidad más propia e independiente, destacando por su poesía de “compromiso social”.Su teatro es menos significativo, pero incide en la misma línea social. Destaquemos “LOS HIJOS DE LA PIEDRA” y “EL LABRADOR DE MÁS AIRE”,piezas que se caracterizan por cierto melodramatismo en la visión de trabajadores-patronos, incidiendo en ese teatro político de radicalización republicana

MAX AUB

                  Importante escritor en el campo de la novela y de la dramática, que inicia una significativa producción en los años veinte; en principio, de más trascendencia en la dramática que en la novela, prosiguiendo su labor en la posguerra en ambos campos, de manera especial en la novela. Por ello, será un autor que hemos de estudiar nuevamente en la Posguerra en el Capítulo de la Novela.

                 Max Aub, escritor español nacido en Valencia ,donde realiza sus estudios y organiza su vida familiar, es también un intelectual de gran significación europea .(Sus padres, alemán y francesa, le aportaban ya en principio una consciencia y significación cultural de carácter internacional. Max Aub, en efecto, será un importante conocedor de las vanguardias, con análisis importantes tanto de la realidad social española, ligada a sus compromisos republicanos, como de la europea, de cuyo resquebrajamiento de las libertades, persecuciones y profunda angustia humana dejará constancia en sus obras)

En el campo de la dramática Max Aub se inició en la vanguardia formalista y, tras la Guerra y el exilio en Méjico, derivó a un teatro de mayor denuncia y compromiso sociopolítico, en la línea de Valle-Inclán y de R. Alberti.

                      La PRIMERA ETAPA, la del TEATRO VANGUARDISTA , la anterior a la Guerra Civil, está caracterizada por un “teatro deshumanizado”,en las líneas que marcaban la Generación del 14 y el Novecentismo. Obras, como él nos dice, impropias de los “usos benaventinos y muñozsequistas”.Teatro que empieza a abrir brecha en la vanguardia, anticipándose a muchos otros dramaturgos. Con estos nuevos procedimientos dramáticos Aub pretende dar luz a problemas del momento que se hallan más allá de la superficie de los fenómenos, tales como “el aislamiento humano”,”la incomunicabilidad”(Que, en absoluto, suponen un teatro evasionista).Destaquemos “CRIMEN”, que aborda el problema de la “verdad subjetiva” y la “verdad objetiva”.(Un obrero, Pablo, confiesa a su mujer ser impotente cuando ésta le anuncia que espera un hijo. Mata al primo de su esposa por creerlo su amante El espectador está convencido de la inocencia de la mujer y del error del marido. Pero el coro de vecinos, sin prueba alguna objetiva, acusa a la esposa, poniéndose de parte del marido, no por amor a la verdad, sino por amor a la maledicencia). La crueldad humana es procesada en ese breve y vociferante coro de vecinos y con ella la verdad subjetiva, cerrada en sí misma e incapaz de abrirse al amor. “EL DESCONFIADO PRODIGIOSO” , donde conciencia y mundo se oponen conflictivamente como realidades heterogéneas e irreconciliables. (D. Nicolás ,máxima estilización dramática del tipo de “desconfiado”,y su doble ejemplifican un caso-límite de absorción del mundo por la conciencia. Parten ambos de la conclusión arbitraria y gratuita, por extremadamente subjetiva, de que son engañados. Y esta conclusión se convierte en principio absoluto de interpretación de la realidad forzada a acomodarse a él. La conclusión es una negación no sólo del mundo en cuanto realidad objetiva, mas también de la propia conciencia de sí, convirtiéndose así esta farsa en una ejemplar farsa de la alienación del individuo y su mundo.)

                         “UNA BOTELLA”,que adopta el clásico diálogo de payasos de circo(Discuten acerca de una enorme botella, no porque cada uno la mire de distinta manera, sino, porque, en realidad, nadie la mira .La realidad-llámese “botella”,”revolución”,”poema”...-es sólo un pretexto para imponerse a los demás por medio de la palabra.) La palabra que los hombres usan para comunicarse y entenderse, desenraizada de la realidad, muestra así su oquedad y su sinsentido .La palabra se ha convertido en ocupación de farsantes.

Otras obras de este periodo vanguardista son “Narciso”,”Jaca del Avaro”,etc.

                     La SEGUNDA ETAPA, la de la Guerra Civil, está constuida por varias piezas, que él mismo califica como “TEATRO DE CIRCUNSTANCIAS” (Piezas que él mismo considera fruto de una circunstancia muy concreta, desvalorándolas

“PEDRO LÓPEZ GARCÍA”,una especie de entremés que se calificó “Auto” y se estrenó en plena contienda en Valencia, donde se dramatiza el proceso violento de compromiso de un pastor soldado con el bando franquista, del cual deserta para unirse al republicano en donde encuentra ,en realidad, el pleno sentido de la lucha.”.En una línea similar se hallan “El agua no es del cielo”,”Las dos hermanas”,...

                    La TERCERA ETAPA de Aub es la de la Posguerra o de “DRAMAS EUROPEOS”. Aub salió hacia Francia, donde estuvo retenido en un campo de concentración, cerca de París-Vernet. De allí pasó a un nuevo campo de concentración en Argelia-Djelfa. Conoce no sólo la realidad de los exiliados españoles, sino también las tragedias de la Segunda Guerra Mundial. Más tarde consigue instalarse en Méjico.

                  “SAN JUAN”(Pasajeros judíos de un barco , a los que no les han autorizado a desembarcar en ningún puerto. Hacinados en la bodega ,esperando la muerte, vemos desfilar la angustia, el dolor, la desesperanza, los deseos, el miedo, la cólera, la cobardía y el heroísmo....,mientras de trasfondo se oye la voz de un rabino que recita unos versículos del Libro de Job. Ellos son la representación del hombre-con su grandeza y miseria-condenado por un mundo deshumanizado, y “condenado” sin apelación y abatido sin esperanza.)”MORIR POR CERRAR LOS OJOS” ( Presenta el envilecimiento de un pueblo, el de la Francia en vísperas de entregarse a los nazis,”deshecha de traidores, vendida por avaros, destrozada de cobardes, descarnada de cuervos, abatida por ancianos putrefactos ,muerta por cerrar los ojos”-como dice el personaje de María al final. La obra es el proceso de degradación de un pueblo poseído por el miedo, el espíritu de delación, el egoísmo, la enajenación de la propia conciencia, la pérdida de lucidez, la insolidaridad ,l a codicia en pequeño)

                   “EL RAPTO DE EUROPA” ( Es un drama en el que Aub rinde homenaje al valor y humanidad del individuo, la de muchas personalidades de una gran talla humana, que en la Segunda Guerra Mundial estuvieron comprometidos ,más allá de partidos y naciones, en la salvación del perseguido, del hombre en sentido genérico.)”NO”(Nos sitúa en Altberg, en una zona divisoria de la Alemania Oriental y Occidental, donde funcionarios soviéticos y norteamericanos llevan a cabo el reparto de un grupo de gentes hacinadas hacia dos sistemas, que supone la destrucción de unas vidas humanas por un doble monstruo de dos cabezas. El resultado es la destrucción del individuo.)

                   Otras obras importantes fueron “De un tiempo a esta parte”, “Cara y cruz”...y el Ciclo de los Transterrados, conjunto de tres piezas breves, a manera de sainetes, que recogen problemáticas de vida en el exilio(“A la Deriva”,”Tránsito”,”El Puerto”.)

Max Aub /Max Aub y León Felipe/Morir por cerrar los Ojos.Teatro Exilio/ M. de Unamuno Soledad Fedra, El Otro

3D.—ENTRE EL TEATRO EXISTENCIAL Y LA EXPERIMENTACIÓN VANGUARDISTA

               En una línea de teatro innovador, que se opone al teatro realista y popularista ,y recoge algunas innovaciones, tanto de la vanguardia formalista (algunos autores), como principalmente del simbolismo, de la tradición grecolatina y del teatro clásico español principalmente, se hallaría un teatro que muchos críticos catalogan como “TEATRO EXISTENCIAL”.

                   Un teatro que intenta ahondar en las problemáticas del ser humano, que ,en expresión unamuniana, abandona un realismo aparencial o éste pasa a un segundo término, y va hacia un realismo interior, íntimo.

                   En esta línea de teatro hemos situar la producción de Miguel de Unamuno y ,en parte, la renovación teatral de García Lorca, en el cual convergen tanto los experimentos de Vanguardia Expresionista de Valle-Inclán, como la dirección Sociopolítica de una serie de dramaturgos en los años 30, como, de manera muy especial, en los dramas centrales, este teatro de realismo interior, de angustia existencial por el que se encaminó la producción unamuniana

MIGUEL DE UNAMUNO

                    Su producción teatral la hemos de situar en esta modalidad de “Teatro Existencial”,coincidiendo con aquella segunda etapa de su creación novelística, de su crisis personal, que le lleva al “realismo interior”,”íntimo”,”noumenal” de sus personajes, a su intento de armonizar “fe” y “razón”,que conectaba con la “filosofía existencialista cristiana” de Soren Kirkegaard, y con las creaciones de otros renovadores teatrales europeos de raigambre kirkegardiana (Claudel, Giraudoux, Anouilh y Pirandello).

                       Sus obras dramáticas, a pesar de su gran significación cultural, de su carácter complementario con su obra novelística y ensayística, fueron de especial fracaso representativo( aunque como decimos, toda la renovación dramática de este periodo sufrió el mismo problema)

                 Para Unamuno el drama ha de estar construido sobre la palabra y su valor comunicativo. La palabra desnuda...con su carga ideológica-expresión de las vivencias y paradojas de los personajes-,en su auténtico sentido poético...ha de ser el centro de la obra. Por ello sus obras son un continuo diálogo, que da paso a monólogos o monodiálogos, desinteresándose de técnicas de vanguardia, de aspectos externos de la escena-a menudo desnuda. Obras que, en buena medida, conectan también con el teatro grecolatino, del que era un buen conocedor, o de los símbolos bíblicos.

                   “LA VENDA”(Drama simbólico, muy en relación con la crisis personal que él experimentó.)Don Pedro y D. Juan hablan de la verdad que es vida y de la vida que es verdad. Cada uno defiende una vía de acceso distinta a la verdad: la fe o la razón.( En el segundo cuadro-paralelo a éste-María, ciega que ha recuperado la vista, va en busca de su padre, muerto, al que encuentra mejor por el camino de la fe-se venda de nuevo los ojos-que por el de la razón. Y así vemos también a Dios, a un Dios vivo con la oscuridad de la Fe, que se nos hace invisible con la Razón)”FEDRA”(Es una recreación del drama de Eurípides y de Racine con la aportación de que si Fedra se siente culpable del amor hacia su hijastro Hipólito, al que acusa ante su padre, suicidándose posteriormente, ello sólo es posible desde una concepción cristiana de Fedra, pues, de otro modo ,el sentimiento de amor no puede sentirse nunca culpable)”RAQUEL ENCADENADA”(Se inspira en la Raquel bíblica) Aborda el tema de la maternidad frustrada, el del hambre de maternidad, como forma de realización del ser, que se halla en el espíritu de la mujer desde su conformación tradicional o bíblica. Sobre ello incide en “La Tía Tula”,y sobre ello vuelve García Lorca en “Yerma”

                 “LA ESFINGE” y “SOLEDAD” son los dos dramas de la “conciencia escindida”.La lucha de una conciencia que busca realizar con plenitud su propio ser y cuya experiencia radical es la división interior . Unamuno plantea la necesidad de elegir entre dos modos de ser y la trágica imposibilidad de elegir, o ,mejor, la tragedia inherente a toda elección óntica, puesto que en la elección se pierde algo fundamental al ser”yo mismo”.

                     Otras obras importantes de su creación son “Sombras de sueño”,”El Hermano Juan o el mundo es teatro”.

FEDERICO GARCÍA LORCA

                 Es, junto con Valle-Inclán, el gran renovador de nuestra dramática antes del 39. Federico García Lorca, granadino, es un gran escritor de nuestra lírica, que pertenece a la llamada Generación o Grupo Poético del 27, a lo que une su polifacetismo de músico y pintor. Lo estudiaremos en la Generación del 27, centrándonos aquí en su significación como dramaturgo, como hombre de teatro, que posiblemente es la más importante, aunque no extensa

                  Desde muy pronto sintió G. Lorca inclinación por el fenómeno cultural dramático, como señalan los críticos y sus familiares. Desde joven disponía en casa de un pequeño teatro de marionetas.

Aparte de su conocimiento del teatro clásico español-el de Cervantes, Lope de Vega, Gil Vicente, Tirso de Molina y Calderón- conocía buena parte del teatro simbolista y clasicista francés-principalmente el de J. Giraudoux...,el teatro trágico griego, así como las evoluciones del teatro español de Marquina, Villaespesa, Valle-Inclán y Unamuno ,y de la vanguardia expresionista.

                   La importancia que G. Lorca le dio al teatro la podemos apreciar desde su iniciación como escritor. Publica muy pronto una de sus obras, "El maleficio de la mariposa"( que fue un pequeño fracaso y que posiblemente le detuvo en su creación)

(G. Lorca en La Barraca)                  (Familia G. Lorca)                (Actriz M. Xirgú)                     (García Lorca y M Xirgú)

                    No obstante, sus comentarios críticos al mal teatro que triunfaba en España nos muestran su coherencia y grado de atención a lo que estaba sucediendo en el teatro tanto en España como en Europa. También era consciente, como lo fue Valle-Inclán, de las dificultades para estrenar y cambiar la sensibilidad dramática en su tiempo. Será con la llegada de la República y el programa de animación cultural, así como sus compromisos liberales y progresistas, cuando García Lorca encuentre el momento propicio para dar sus aportaciones.( Con todo, no podemos hoy decir que el teatro de Lorca tenga una tendencia política determinada. Hay una evidente preocupación social y liberal, que en su momento pudo tener cierta utilización radical por algunos sectores, pero no hay tal radicalidad con respecto a su momento y menos aún con respecto a hoy día(Podríamos, incluso, hablar de una parte del teatro de Lorca que es bien utilizable por el conservadurismo).

                    En declaraciones que hizo en su momento nos indica la importancia de que en un país exista un público que tenga sensibilidad dramática, el valor que éste tiene para transformar costumbres y formas de vida(lo que nos recuerda a los "neoclásicos" e "ilustrados").También nos señalará su rechazo al teatro de la comedia benaventina, así como al teatro popular costumbrista que triunfaba en los años 20(y que dominará en buena parte de nuestra posguerra)

                   La experiencia teatral del Grupo Universitario de la Barraca pondrá a Lorca en contacto con las técnicas y procedimientos de nuestro teatro clásico y popular, del que hace una importante asimilación.

(El primer gran problema de su producción teatral es la fijación textual de algunas obras y el conocimiento de otras , de cuyos títulos había hablado, y que, en parte, están aún apareciendo. La dedicación de García Lorca al teatro en los últimos años fue casi completa, dedicación que se truncó con su muerte y que ha ocasionado este problema de la fijación)

                    Se trata de un teatro que había tenido principalmente éxito en el extranjero y que en los últimos años la crítica española ha tenido que hacer una especial tarea de puesta al día.

                  Si hemos de catalogar, de dar un nombre a este teatro dentro de las estéticas que hemos señalado para la dramática española anterior al 36,tendríamos que hacer la siguiente designación “del Teatro Existencial al Teatro Social” .Se trataría de un teatro que se halla entre “el teatro existencial” de Miguel de Unamuno y el “teatro social” de Ramón María del Valle-Inclán, como modelos más próximos..., pero incorporador también de técnicas de vanguardia

                 En cuanto a su finalidad hemos de considerar sus propias palabras, que nos informan de la “intencionalidad didáctica”,enseñar, sensibilizar:

                  “El teatro es uno de los más expresivos y útiles procedimientos para la edificación de un país y el barómetro que marca su grandeza o su descenso. Un teatro sensible y bien orientado(...)puede cambiar en pocos años la sensibilidad de un pueblo; y un teatro destrozado, donde las pezuñas sustituyen a las alas, puede achabacanar y adormecer a una nación entera...El teatro es una escuela de llanto y de risa y una tribuna libre donde los hombres pueden poner en evidencia morales viejas o equívocas y explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre”

                   Es un teatro de una gran riqueza experimental, de búsqueda y tanteos renovadores, en el que G. Lorca recoge influencias diversas y las funde con gran acierto, destacando el aunar los procedimientos técnicos de nuestra tradición clásica y las innovaciones tanto del modernismo como de la vanguardia .Les dará más importancia a unos que a otros según el momento, pero es habitual la fusión de tradición y modernidad

a)Del teatro “modernista”,el de Eduardo Marquina (al que imitó en un tiempo hasta en la indumentaria de su “chalina”)aquel teatro en verso que le daba mucha importancia al colorido de los escenarios, al verso-muy declamatorio-y a la recreación nostálgica y romántica de temas--una vía de escape modernista más--G.Lorca le extrae la “estructura básica de sus dramas” en las famosas “estampas”...,que dan color de época o momento y a las que el G.Lorca polifacético, pintor...era muy sensible. Así mismo extrae la detención del curso argumental mediante el desarrollo anómalo de lo “lírico”...que en el verso narrativo que sirve al diálogo o a la descripción, se nos introduce en la obra con una importante funcionalidad dramática Por último, extrae también de este teatro modernista el gusto por la elección del mundo rural como escenario.(Y en él se hallan las mejores obras de G. Lorca)

b)Del teatro” clásico español”,culto, popular o religioso, extrae el modelo para su idea de lograr la fusión de teatro, música, danza y artes plásticas en un espectáculo total.

(Tirso de Molina le abre el camino de la dramatización de los problemas morales que hay de trasfondo en el momento--recordemos al T. de Molina preocupado por los temas escolásticos de la predestinación y condena cristianas, que las convenciones sociales recomendaban silenciar .Calderón le enseña la forma de visualizar el diálogo de las fuerzas de la naturaleza, esos diálogos llenos de dramatismo-del Alcalde de Zalamea, de la Vida es Sueño...tienen su eco en diálogos de Yerma, de la Casa de B.Alba. De Lope de Vega y de Gil Vicente aprende el uso estratégico de la canción con el fin de crear una ilustración plástica y orquestal o con la de crear un determinado clima(Recordemos la cancioncilla de “El Caballero de Olmedo”,que actúa como ambientación de época o como punto de partida para la creación dramática que se desarrolla...encontrando su eco en ese Romance de Mariana Pineda con el que se inicia la obra, o la misma canción actuando como eco de un coro que presagia su muerte cuando D. Alonso regresa con su caballo de Medina a Olmedo...recordando las canciones de las lavanderas que Yerma, angustiada, oye de lejos. Del Auto Sacramental G.Lorca aprende a servirse de esos prólogos, a manera de “loas”,como exposición teórico-abstracta de lo que enseguida, subido el telón, se va a concretar o representar...,como podemos apreciar en el Prólogo de “La Zapatera Prodigiosa” o de otras de sus obras. De Cervantes, entre otras muchas cosas, esa utilización del teatro dentro del teatro...que hallamos en el “Retablo de las Maravillas”...y que hallamos cuando el zapatero regresa con su circo-teatro para contar su misma vida en la taberna de la zapatera, su esposa...))

c)Del Teatro de Títeres , como también hallamos en algunas producciones de Valle-Inclán, una ruptura más con el teatro como gran negocio comercial y consumista, y un enlace con una estructura dramática primigenia y plenamente popular(Recordemos que este teatro tiene sus antecedentes en la misma cultura grecolatina, recorriendo la Edad Media y Moderna, principalmente en Cuaresma, cuando se prohibía la representación con figuras humanas y se recurría a las marionetas, que fueron perfeccionándose).Teatro que fue dejando en distintos lugares arquetipos característicos--el Polichinela napolitano, el Arlequín de Bérgamo, el Guiñol francés de Lyon--que ha dado nombre genérico-el Punch inglés, El Bululú gallego, la Tía Norica de Cádiz...hasta el desarrollo educativo que adquirieron en el Sistema Educativo norteamericano de los Años 20 y en las Misiones Pedagógicas de nuestra República, destacando el Teatro de Títeres de Cachiporra-después llamado Tarumba-que G.Lorca adolescente lleva de Granada a Madrid con una fijación o perfil mejor del Currito o Cristobita-Cristobica andaluz .

                   ( Este tipo de teatro es una forma más de enlace de su dramaturgia con una tradición popular, en este caso “europea”.Teatro que incide bien en su intencionalidad “didáctica” señalada y en el procedimiento de la “hipérbole”,con lo cual aúna por este camino una “tradición” que converge en la “vanguardia expresionista”, en la que también se encontraba Valle-Inclán.)

(Prim Edic”Yerma”) (Repres.”LA Casa de B. Alba” (M. Xirgú-Dña Rosita la S.”) ( “B. De Sangre”)

Todos estas formas y procedimientos técnicos constituyen un “gran banco de recursos”,de los que se sirve para dar expresión teatral a sus temas o asuntos. Ahora bien, Lorca siempre parte de la realidad, de una realidad próxima que requiere la atención del escritor. Recoge documentación de un suceso real oído o leído, que anota con precisión. El producto dramático que elabora-que tiene un esquema esencialmente realista-no nos lo traza en una fábula teatral realista; al contrario, lo elabora des-realizándolo con intercalación de fragmentos líricos, de acompañamientos musicales, de acotaciones escénicas más sugestivas que descriptivas, recurriendo a una selección simbólica del color para los decorados y de una selección simbólica de los objetos...propiciando un efecto de alucinación, de atracción del espectador por vía irracional. El argumento se “estiliza”,eliminando dispersiones. Los personajes, sin perder su carácter individual en la obra...tienden también a la esencialización, a ser arquetipos de la sociedad que representan ( Recordemos a Adela, a Bernarda, a Yerma, la Zapatera...). Muchas palabras adquieren también un sentido “connotativo” “esencializador”, ”simbólico”...apareciendo relacionadas con el tema (“rosa”,”tierra”,”cuchillo”,”agua”,”río”,”caballo”,”sangre”,”luna”....)Los mismos nombres propios elegidos tienen a menudo un sentido “simbólico”,están sometidos a ese mismo proceso de “esencialización” (“Yerma”...”Angustias”,”Martirio”...).Elementos todos que inciden en el proceso de des-realización...en el cual el lector o espectador se ve zambullido.

En su creación hemos de considerar varias etapas, las cuales guardan relaciones de influencias y procedimientos con las evoluciones de su producción lírica(Evoluciones desde el arte puro y la vanguardia al compromiso social y a la importancia del “surrealismo” que, avanzados los años 30, se dio también en otros escritores del Grupo del 27).

Dos grandes momentos...acordes con esa catalogación: De lo existencial a lo social:

1.- PRIMER MOMENTO : Desde sus inicios dramáticos hasta la creación de “El Público”(1932-33).

Creaciones teatrales en las que se enfrentan “valores individuales”.Se dramatiza un conflicto realidad/fantasía...y G.Lorca reflexiona sobre la naturaleza de lo literario o imaginativo.

2.--SEGUNDO MOMENTO: Desde la creación de “El Público” con sus obras centrales y tragedias hasta el final(1932-36).Periodo en el que se vuelca más decisivamente en la creación teatral.

Obras donde la reflexión del escritor gira en torno a la naturaleza humana y lo que se dramatiza es el conflicto instinto/norma social. Hay más enfrentamiento de valores sociales.

                   Tanto en un momento como en otro, domina esa “intencionalidad didáctica”,(ese poner en evidencia morales viejas o equívocas y explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón. Para ello intenta en todas las situaciones presentar la realidad de la naturaleza humana desnuda de las máscaras que adopta la vida.)

                 Considerados, pues, esos dos momentos de su teatro, el del enfrentamiento de los valores individuales y el del enfrentamiento de los valores sociales(la evolución de lo existencial a lo social) señalaríamos estos ciclos de su teatro:

1.A.- PRIMEROS DRAMAS:

                     Sus primeras creaciones fueron “El MALEFICIO DE LA MARIPOSA”(1919-20) y “MARIANA PINEDA”(1923-27). (La primera es un drama de insectos, familiar, en torno a varias composiciones de su primera obra “Libro de Poemas”-“Los Encuentros de un Caracol Aventurero”,”Balada Triste”...).El poeta plasmaba con ambas obras una crisis de crecimiento, la experiencia dolorosa y vivificante a un tiempo de la ruptura con la inocencia, la paz y armonías antiguas por la irrupción de una fuerza nueva-el amor- que perturba el orden de los sentidos y del espíritu haciendo surgir un ansia nueva.( En el prólogo la obra conecta con el Shakespeare del “Sueño de una Noche de Verano” .Se dramatiza el trastorno producido en el orden y la paz cotidianos de una comunidad de insectos por el Amor...un amor “más allá del amor”,idéntico en esencia a la” muerte”(Y “es que la Muerte se disfraza de Amor”--prólogo)El héroe de esta tragedia en “miniatura” es Curianito el Poeta, quien, prendado de una visión que estaba muy lejos de su vida”,visión encarnada en la Mariposa agonizante, rompe con el mundo que hasta entonces había sido el suyo, mundo regido por las conveniencias, los intereses, la opinión pública, la lógica, el mundo de lo aceptado y lo establecido.....Su condición de poeta(y de personaje a-típico)le impulsa a la unión con la Mariposa, símbolo del misterio, mensajera de un mundo más allá de esas “ramas”.La Mariposa y el Insecto Poeta son, a la vez, dobles del Ideal y de la aspiración al Ideal, y esa relación entre la aspiración y su meta es lo que G .Lorca dramatiza mostrando su imposibilidad.)

             Se satiriza el ensueño romántico, la concepción romántica del amor y de la religión. En definitiva, el enfrentamiento, conflicto existencial de la realidad y la fantasía.

                  (( La segunda obra también parte del fondo emotivo de la infancia del poeta. La obra enlaza con el drama modernista y romántico...recreando el romance infantil de esta heroína granadina, Mariana Pineda, que murió en el cadalso por bordar una bandera liberal. Enfrentamiento de los valores ideales del amor y la libertad, vividos en la más pura y romántica idealidad-como cancioncilla infantil-con la realidad, la norma..)

               El tratamiento que le da es precisamente el de choque de valores individuales, y el de un conflicto metafísico, existencial, realidad/ fantasía (Aunque ese hecho podía admitir otra interpretación).


1B.-ETAPA DE LAS FARSAS

                  Sus obras pueden reunirse en dos grupos: FARSAS PARA GUIÑOL O MARIONETAS y FARSAS PARA PERSONAS(Recordemos que la Farsa es la representación breve y popular, hiperbólica, de costumbres o personajes característicos con sentido crítico).

                   Son piezas escritas entre 1923 y 1931.Hay una influencia del expresionismo y del esperpento de Valle-Inclán. Por otra parte, se muestra un interés por la tradición popular, bien del guiñol o marioneta ,o bien de temas y asuntos populares que G.Lorca manifiesta líricamente en “El Poema del Cante Jondo” ,“El Romancero Gitano”...,(Y que seguirán influyendo también en otras etapas dramáticas posteriores, como veremos)

                    Las Farsas para Guiñol son las tres variaciones que se conocen...de D. Cristóbal, arquetipo guiñolesco (“LOS TITERES DE CACHIPORRA””,TRAGICOMEDIA DE D. CRISTÓBAL Y LA SEÑÁ ROSITA”,”RETABLILLO DE D. CRISTÓBAL”... y una perdida, “LA NIÑA QUE RIEGA LA ALBAHACA Y EL PRÍNCIPE PREGUNTÓN”)

                   (En la primera D. Cristóbal es un viejo médico con mucho dinero que, cachiporra en mano, compra a Doña Rosita que su madre le vende, y se casa. Pero Doña Rosita, que ya no encarna la verdad del amor, sino la fuerza del instinto sexual, le pone los cuernos. D. Cristóbal mata a la madre a porrazos y entra a buscar a Doña Rosita, pero se interrumpe la farsa. El tema nos recuerda “Los Cuernos de D. Friolera” de Valle-Inclán, pero también a L.Fdez de Moratín, a Juan Valera, etc, siendo un tema popular y tópico.)Por debajo late el tema de la “autenticidad y la máscara”...ese enfrentamiento existencial de realidad/fantasía de este primer momento dramático

                   Las farsas para personas son dos “ LA ZAPATERA PRODIGIOSA”,”AMOR DE D. PERLIMPLIN CON BELISA EN SU JARDÍN” .La primera, llamada por G.Lorca “farsa violenta”,y “apólogo del alma humana”.La zapatera es un arquetipo popular de mujer, una criatura primaria y un mito de nuestra pura ilusión insatisfecha..(.No ha vivido nunca ni ha tenido novios más que en la otra orilla, la de la fantasía, donde no puede ni podrá nunca llegar .Se casa con un zapatero mucho mayor que ella, que solucionan su pobreza y la soledad de él. Su violencia va más allá, sin embargo, de la mala fe de las vecinas o del carácter del marido y su falta de amor ).Es la pura ilusión insatisfecha, su enfrentamiento realidad/ fantasía, su falta de resignación.

                     En la segunda, del mismo modo, D. Perlimplín y Belisa son empujados al matrimonio por los demás, por razones de interés y conveniencia, ajenas al amor, y entre el marido y la mujer hay una gran diferencia de edad. Ambos son casados por una criada de él, que quiere evitarle la soledad, y por la madre de Belisa, que la vende después de pregonar la excelencia de la mercancía. D.Perlimplín revela su amor a Belisa, quien le revela su sed de amor que no se apaga nunca.( Esa noche de bodas le pone los cuernos con los cinco representantes de las cinco razas de la tierra. Enterado del engaño, parece haber aceptado el papel de marido complaciente y de cómplice del nuevo amor de Belisa por un misterioso joven envuelto en larga capa roja, cuyo rostro pertenece oculto...y que en el último acto resulta ser un doble de D. Perlimplín.) En ese doble, símbolo del amor, que no es sólo alma ni sólo cuerpo, se realiza la esencia misma del amor humano.

“El M.Mariposa”/ ”M. Pineda” “T.de Cachiporra”/”R.Don Crist.””/”Z. Prodigiosa”/”P. con Belisa”/”Cinco Farsas”/”Así que..””Com. sin tit.”

1C-ETAPA DE LOS MISTERIOS

                       Etapa que cierra el primer momento de la dramática lorquiana, el del enfrentamiento existencial individual realidad /fantasía. Obras escritas en torno a 1930-31 y que recogen influencias del surrealismo y de la tradición dramática clásica y simbolista de los Autos Sacramentales( que también hallamos en el Teatro de R. Alberti y de M.Hernández. Se hallan relacionadas con su poemario “Poeta en N.York”)

                      En ella hemos de considerar tres breves Diálogos llamados TRILOGÍA DEL TEATRO BREVE,”El Paseo de Buster Keaton”,”La Doncella, El Marinero y El Estudiante” y “Quimera”...,unos diálogos en los que los personajes no dialogan entre ellos, sino consigo mismos, con las voces de su más caprichosa subconsciencia. Hay una influencia surrealista y dentro de estos diálogos hay ya las bases o raíces de temas-asuntos, que serán desarrollados en sus grandes obras de este momento: “ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS”(1931) y “El PÚBLICO”(30-36).

                    Estas piezas teatrales consideradas como “irrepresentables”,debido a su dificultad, se han de situar en un momento muy característico de la cultura española, el del nacimiento de la República, con sus angustias y esperanzas, y por el estallido de la crisis económica mundial. Surge una etapa espiritual, mezcla de preocupación social y de amplia reflexión--con cierto matiz metafísico y religioso--sobre los destinos individuales y colectivos .(Hay un meditar sobre la “propia aventura vital”...que hallamos en la crisis de Alberti en “Sobre los Angeles” y en su obra de teatro “El Hombre Deshabitado”, o en su reflexión sobre el hombre moderno y alienado en la sociedad industrial de “Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos"--con las referencias al cine de Buster Keaton y de Ch. Chaplin--o en Miguel Hernández en “Quien te ha visto y quien te ve y sombra de lo que eras”....De ella surge en muchos de estos escritores un periodo posterior de mayor compromiso social.) Para García Lorca se trata también de una meditación...de un teatro que se inscribe dentro de este primer momento de enfrentamiento metafísico o existencial “realidad/fantasía” .

En “ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS”, que lleva el subtítulo de “Leyenda del tiempo en tres actos y cinco cuadros”, la obra se desarrolla sobre tres planos, escenarios o niveles distintos:

--Plano de la realidad corriente y vulgar, con sus contradicciones y paradojas, con sus máscaras y disfraces.( Un Joven lleva esperando cinco años para casarse, desoyendo entre tanto el amor que la mecanógrafa le profesa, y, cuando llega el momento de que se cumplan sus ilusiones, la Novia prefiere al Jugador de rugby. El hijo anhelado queda como una sombra que busca su encarnación. Tras él y tras el tiempo que se va, el Joven busca entonces a su antigua mecanógrafa, pero ésta se halla templada de ausencias y repite el plazo de cinco años. El hijo queda en fantasma y la vida se va como un eco)

--Plano del subconsciente, donde desaparecen las máscaras y nos encontramos con la verdadera realidad de los instintos, mitos, sueños y pesadillas, constitutivos de la profunda esencia del ser. (En este acto dialogan entre sueños la Novia, el Joven...El hombre, buscando imposibles y derrochado lo que se le ofrece, dramatiza, mediante fugas sucesivas, la huida del tiempo)

---Plano de la “nueva realidad”,después del descenso a los infiernos...donde aparece la idea esencial de que el tiempo es cómplice de la muerte y arruina las ocasiones del placer, de la posesión, de la vida. Que la posesión vale siempre más que la renuncia, el placer más que la espera, el mundo real más que las perspectivas cambiantes y mentirosas de la esperanza y del sueño.

(En definitiva, trasfondo de una etapa histórica de expectativas...que tiene su traducción en autoanálisis de los escritores sobre anécdotas que quieren ilustrar la búsqueda de la verdad en la que se halla sumido el ser humano, verdad que tiene múltiples significaciones, lecturas...y se halla en enfrentamientos existenciales de la realidad y el sueño.)

               “EL PÚBLICO” es una obra de la que sólo se conoce un acto(posiblemente una obra que no había acabado , pues la había anunciado en cinco actos. Una pieza de difícil representación, porque el público, su protagonista, no la aceptaría.)En ella se harían desfilar los dramas propios de cada uno de los espectadores, pero como el drama de cada uno es a veces muy punzante y generalmente nada honroso, pues los espectadores se levantarían indignados e impedirían que continuara la representación

                 Otra pieza incompleta de este Ciclo de los Misterios y de la influencia del surrealismo es “LA COMEDIA SIN TÍTULO cuyo acto conocido y de las palabras de G. Lorca se extrae que es otra comedia de la verdad, planteada como en “El Público”, en el contraste entre las verdades íntimas y las colectivas ahogadas o escondidas...,de cuyo autoanálisis surgirían importantes aportaciones para las necesidades históricas que estaba viviendo la Humanidad.

El SEGUNDO MOMENTO de la Dramática de García Lorca se halla representado por un teatro de mayor preocupación social; hay una evolución en la dirección de Valle-Inclán, aunque se mantienen aspectos característicos de su teatro, de sus procedimientos (la intencionalidad didáctica, el partir de una realidad que somete a un proceso de desrealización en su puesta en escena, donde estiliza, esencializa, buscando nombres de personajes, denominación de objetos y realidades llenos de carácter simbólico... + todo el”banco de recursos formales y técnico” del teatro modernista a lo Marquina con sus estampas, su colorido, su ambientación muy precisa ahora en lo rural...del teatro clásico en el empleo de los prólogos, del diálogo de las fuerzas de la naturaleza.,del uso estratégico de la canción que intensifica un momento dramático...del expresionismo-hipérbole.)

                  La reflexión de sus obras ahora gira en torno a la naturaleza humana, dramatizándose el conflicto “instinto, pasión del individuo / norma social”.(Es un momento teatral que se inicia en torno a 1932,cuando adopta compromisos con el Grupo Teatral de la Barraca, con las preocupaciones sociales y culturales de la República. En el campo de la lírica G. Lorca ya había publicado su importante poemario “Poeta en N. York”,donde, aparte del influjo surrealista, que no lo vamos a ver ya en su teatro, nos muestra su preocupación social, su lucha con las morales viejas y su reflexión sobre las normas eternas del corazón. )

                    Primeramente hemos de considerar su “TRILOGÍA DRAMÁTICA DE LA TIERRA ESPAÑOLA” .Este ciclo trágico está constituido por ,”BODAS DE SANGRE”(1933) “YERMA” (1934) ( y una tercera obra que no llegó a escribir, pero a la que hizo mención, denominándola unas veces como “La Destrucción de Sodoma”,y otras como “Las Hijas de Lot”). Las tres obras girarían posiblemente en torno al poderío de los instintos frente a los decretos del orden establecido, y es lo que marcaría la unidad de la trilogía.

                        (En la primera aparecen dos hombres y una mujer caminando hacia el desastre sin posibilidades de vuelta. Nadie es culpable y, sin embargo, todos están atados por una cadena invisible, todos están al servicio del destino.(La novia, coronada de flores el día de su boda, va hacia Leonardo, el amor prohibido, de una forma irreprimible, del mismo modo que Leonardo hacia ella.)Es la pasión de un hombre-una mujer, en la que funciona un determinismo biológico trágico que desencadena otro determinismo social trágico (el de las fuerzas del honor, del código moral social al estilo calderoniano) con la muerte final del novio y Leonardo)

                  En la segunda, como nos dice G.Lorca, no hay realmente argumento...es la tragedia de la mujer estéril. Yerma al final de su historia lleva cinco años casada y aún sigue estéril, pues Juan quiere mujer y no hijos, quiere tierras y ganados, pero no herederos.)Yerma ha cifrado su vida en la maternidad. Yerma vive para ser madre y no entiende el mundo si no llega a tener ese hijo.

                 (Por otra parte el personaje se halla atrapado en un ambiente determinado que la ha configurado como mujer .Lorca sabe crear la atmósfera , comentarios de las lavanderas, con la preocupación y costumbres de las romerías. A medida que va transcurriendo la obra , Yerma se va llenando de odio y de silencio ,se niega, buscando una causa y un culpable, a reconocer su esterilidad ,hasta que, finalmente, después de tan largo combate con su destino de mujer estéril, se enfrenta cara a cara con la verdad.)Verdad que no sólo reconoce, sino que intensifica ,afirma, encontrando en ella descanso y consolación y acepta la responsabilidad de ella.-Nos recuerda la tragedia de Edipo...,su evolución hasta que destino y verdad se imponen y son consumados en el héroe y por el héroe).

                  (En la tragedia que anunció y no escribió...G.Lorca abordaría posiblemente el tema del incesto, donde Jehová destruye la ciudad a causa del pecado de Sodoma y el resultado es el pecado del incesto de la familia de Lot, mostrando una lección contra los decretos del orden establecido y contra la justicia de los hombres y una manifestación del poderío del sexo)

Fdco García Lorca y la Barraca / Amistad de M.Xirgú/Compañía / “Bodas de Sangre”” Yerma” “Doña Rosita la Soltera” “La C. Bernarda Alba”

                         Aparte de esa trilogía inacabada, completan el momento dos grandes dramas: “DOÑA ROSITA LA SOLTERA”(1935) recrea la vida de una doncella granadina, que poco a poco se va convirtiendo en una cosa grotesca, una solterona en la España de fines del XIX y principios del XX.(Cada jornada de la obra se desarrolla en una época distinta-El primer acto en los años almidonados de la Restauración del XIX...en los que ella es una joven llena de esperanza; el segundo acto transcurre en 1900,época de las modas parisienses, del modernismo, en el que la protagonista alcanza la madurez y la marchitez; el último acto se sitúa diez años más tarde, en los que la protagonista se ha convertido en un ejemplo de cursilería, de mojigatería, en el que se hallan retratadas muchas mujeres de España.)

                      La obra es, en definitiva, el drama de la solterona española, pero no desde y para sí misma. Son los demás quienes constituyen una perpetua agresión contra el individuo.(En el universo lorquiano los demás están ahí como una negación y una amenaza constante, cercándonos )

                      La cima y testamento dramático de G.Lorca está constituido por la gran obra,”LA CASA DE BERNARDA ALBA” (Escrita precisamente en 1936 y no vería representada-. La acción de la obra transcurre en un espacio cerrado, hermético,,y está enmarcada por la primera y la última palabra que Bernarda pronuncia:”silencio.) Del primero al último “silencio” se desarrolla el conflicto entre dos fuerzas mayores: el principio de autoridad encarnado en Bernarda y el principio de libertad representado por las hijas. El principio de autoridad responde en Bernarda a unas convenciones sociales, a un código del honor que le han inculcado de pequeña sus mayores y que ella mantiene inflexible-y ese mismo entorno social nos hace comprender a Bernarda. Frente a ello se opone la libertad de sus hijas, la posibilidad de realizarse como mujeres, saliendo del infantilismo en el que viven encerradas bajo el despotismo de su madre. De este enfrentamiento surge la tragedia .Obra que también fue llamada “Tragedia de las mujeres en los pueblos de España”.

                   ( Se trata, sin duda, de la mejor obra de García Lorca, reflejando una realidad de España que llega a nuestros días, que se ha vivido de manera especial en toda nuestra posguerra)

                 Otras obras no publicadas o no halladas de García Lorca son las de la “TRILOGÍA BÍBLICA, de las que habló y de las que algunos críticos señalan que formaría parte “La Tragedia de Ammón y Thamar”(Asunto que trata como romance oído en el Albaicín y que recoge como última composición de su “Romancero Gitano”)

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