LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN SOCIAL-EL CINE

               UNIDAD DIDÁCTICA 3:    LECCIÓN 5

   LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN SOCIAL: EL CINE                                                                              

     1.-EL CINE. RASGOS GENERALES

       2.- EL LENGUAJE   CINEMATOGRÁFICO

       3.-LA IMAGEN

      -LOS PLANOS

      -LA CÁMARA  CINEMATOGRÁFICA

      -LA ESCENOGRAFÍA

      -LA ILUMINACIÓN

       4.-EL SONIDO

       5.-LA REALIZACIÓN  CINEMATOGRÁFICA

         -EL GUION

         -EL RODAJE

         -LOS TRABAJOS DE LABORATORIO

       6.-LOS GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS

          -POR SU TEMÁTICA

         -POR SU ESTILO

       7.-HISTORIA DEL CINE

         -LOS ORÍGENES.EL CINE MUDO

        -LA APARICIÓN DEL CINE SONORO

         -EL CINE EN COLOR

         8.-LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL SIGLO XX

         9.-EL CINE EN EL S.IGLO XXI

        10.- EJERCICIO DE APLICACIÓN

     (VISUALIZACIÓN Y COMENTARIO DE UN “TEXTO CINEMATOGRÁFICO)

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    1.-EL CINE. RASGOS GENERALES

             Esencialmente el cine es un medio de comunicación basado en un conjunto de imágenes que producen la ilusión de movimiento. Este conjunto de imágenes se denomina “película” o “film”

              En su calidad de integrante del conjunto de los medios básicos de comunicación social conocido como “mass media”, el cine -el último en aparecer y desarrollarse, tras la prensa y la radio, aunque simultáneo a la televisión -ejerce una enorme influencia en nuestra sociedad, ya que enseña por sí mismo y, además, lo hace en forma amena. Por ello, se dice que el cine es también espectáculo, modo de expresión plástica y, sobre todo, arte.

       a) El cine es espectáculo, por cuanto las imágenes que, con voz y movimiento, se proyectan en la pantalla comportan fascinación. Su fuerza como tal reside en la condición de recepción pasiva que impone a los espectadores, atrayendo hacia sí la personalidad receptiva de cada ser.

       b)El cine es modo de expresión plástica, por cuanto posee un lenguaje específico que utiliza elementos dramáticos y elementos plásticos, a los que añade movimiento:

       *Los elementos dramáticos--actores, decorados...-constituyen la estructura de la película; son concretos y descriptivos, y el espectador los percibe inmediatamente.

        *Los elementos plásticos constituyen la imagen de la película; son abstractos y simbólicos, y el espectador los percibe inconscientemente.

        *El movimiento resulta de la conexión del espacio y el tiempo de la acción.

       c)El cine es arte, en cuanto que es capaz de expresar contenidos en forma bella. Así, una película adquiere categoría de obra artística cuando la coordinación de los elementos que la constituyen se efectúa con armonía, originalidad y sensibilidad, logrando un alto nivel creativo.

         En 1914,en su “Manifiesto de las siete artes” ,el italiano Riccioto Canudo bautizó al cine como “arte séptimo”, por lo que desde entonces se dice que el cine es el séptimo arte. Pero el cine, además de ser un arte por sí  mismo, sintetiza a las demás artes: literatura, música, danza...en cuanto que el lenguaje cinematográfico participa de muchas de las formas expresivas de los lenguajes genuinos de cada una de ellas.

2.-EL LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO

          Toda película nos ofrece un contenido y un mensaje, expresados esencialmente en imágenes y cuya comprensión no siempre resulta fácil. Por otra parte, con frecuencia nos limitamos a captar los aspectos externos, sin preocuparnos de otros menos manifiestos y que en ocasiones son los más significativos.

             Por ello, la apreciación artística de una película requiere el conocimiento de su lenguaje : el lenguaje cinematográfico, constituido por un sistema de signos contenido en los campos de la imagen y el sonido

3.-LA IMAGEN

        La imagen es la representación concreta de un determinado contenido emocional o intelectual, y resulta de la conjunción armónica entre el guion y el montaje cinematográfico.

         Independientemente de los otros elementos que componen la película, la imagen atesora un gran valor en sí misma; valor que reside en su extraordinaria fuerza expresiva y en su gran capacidad de sugerencia.

        --Por su fuerza expresiva, la imagen nos presenta al ser en su realidad y en su acción; refleja su mundo interior, revelando diversos estados e ánimo y sentimientos; y expresa pensamientos mediante la traducción de ideas abstractas en imágenes concretas.

       -- Por su capacidad de sugerencia la imagen puede evocar toda suerte de vivencias y emociones en nuestro interior.

       De esta manera, la imagen se constituye en el elemento descriptivo, narrativo, poético y documental por excelencia. En consecuencia, el cine es esencialmente el lenguaje de la imagen.

       Por consiguiente, el conocimiento del cine implica el estudio de la imagen, para lo que es preciso analizar, siquiera brevemente, los diferentes elementos que la conforman:

                                                        --los planos

                                                         --la cámara

                                                         --la escenografía

                                                         --la iluminación

     LOS PLANOS

       Se denomina plano a la continuidad de imágenes obtenidas sin interrupción por la cámara cinematográfica. También recibe el nombre de “toma”.

        Los planos se utilizan en virtud de la función dramática; y en relación a lo que la cámara pretende abarcar. Los primeros cineastas tomaron como referente el cuerpo humano, y, en función de la forma de su filmación, se diferencian los siguientes planos:

      -- Gran plano general o Plano de Conjunto: Comprende un conjunto natural--una muchedumbre, una playa--en el que las personas y los objetos aparecen como simples detalles del decorado. Suele emplearse preferentemente en las acciones épicas. También se llama “plano -panorámica”

      ---Plano General : Aísla a un grupo de personajes, tomados de cuerpo entero; o resalta un elemento del decorado. Con este tipo de planos se pretende conseguir la ambientación del espectador.

     ---Plano Entero:  Resalta o aisla a un personaje( a veces, más de uno) que lo toma de cuerpo entero, dándole así significación especial en la acción

      ---Plano tres cuartos o Plano Americano: Recorta a uno o varios personajes a la altura de la rodilla, dando así especial relieve a sus movimientos

      ---Plano Medio Largo: Recorta a uno o varios personajes por los muslos, dando especial relieve gestos y acciones superiores de su cuerpo

      ---Plano Medio: Recorta a un personaje por la cintura, con lo que sus acciones o gestos superiores toman todo el protagonismo

      ---Plano Medio o Corto: Contempla el busto de un personaje, al que se recorta por el pecho, acentuando efectos del anterior

      ---Primer Plano: Destaca un rostro o un objeto, que ocupa toda la pantalla y adquiere enorme fuerza dramática

      ---Gran Primer Plano o Plano de Detalle: Presenta solamente un detalle, bien de un rostro, bien de un objeto...,en el que se centra la atención del espectador. Cuando se destaca cualquier objeto siempre es un plano de detalle

             Los planos de agrupan en ESCENAS y las escenas en SECUENCIAS, según sea la unidad de acción, de lugar y de tiempo de la película. Así, constituye una escena la serie de planos que desarrollan una acción continuada en un mismo ambiente; y una secuencia, la serie de escenas enlazadas por un mismo hecho unitario de la acción en el espacio y en el tiempo.

          Por otra parte, y ateniéndonos al aspecto narrativo, la sucesión de planos, escenas y secuencias puede incidir de dos formas diferentes en el desarrollo de la película, según se establezca la relación entre el tiempo y el espacio. De este modo, decimos que el DESARROLLO es LINEAL O PROGRESIVO cuando la acción progresa hacia el futuro, como sucede en el tiempo real, y como sucede en el desarrollo habitual de muchas novelas; en tanto que si alternan fragmentos narrativos, con rupturas temporales, se da un DESARROLLO NO LINEAL O INTERMITENTE, bien hacia el pasado -“flash back” o bien hacia el futuro -“flash forward”. Por otra parte, ateniéndonos al espacio, puede ocurrir que la película nos ofrezca dos acciones que se suceden “en paralelo”)

     (Lo habitual es el “Desarrollo Progresivo”, pero en muchas películas surrealistas o de ciencia-ficción en las que los tiempos cronológicos se difuminan, es habitual el “flash back” o el “flash forward”)

 

 

                       Puede suceder que no ya escenas o secuencias enteras se ofrezcan en paralelo, sino  simples planos o imágenes; o que el paralelo de éstas se ofrezca en imágenes de distintos tiempos, de “flash back” o “flash forward”.

 LA CÁMARA CINEMATOGRÁFICA

       La cámara cinematográfica es el instrumento que contiene la película virgen -sin impresionar-, en cuya superficie se fija la imagen que posteriormente se revela en el laboratorio.

       La cámara, en el registro de las imágenes que se precisan para la filmación, puede adoptar diferentes posiciones y realizar distintos movimientos.

       Según la angulación que se desee, se diferencian las siguientes posiciones:

     --Posición Normal:  La cámara se sitúa frente a los personajes y a su misma altura.

     --Posición Oblicua: La cámara se emplaza ligeramente ladeada en relación al objeto que se trata de filmar.

     --Posición “en picado”: La cámara se acomoda de arriba hacia abajo ,con el fin de obtener un plano descendente en el que el objeto aparezca empequeñecido.

     --Posición “en contrapicado”: La cámara se dispone de abajo hacia arriba, con la finalidad de lograr un efecto contrario al anterior, esto es, un plano ascendente que engrandezca al objeto.

     Estos dos últimos recursos el “picado” y el “contrapicado”, son muy utilizados cuando se pretende impresionar fuertemente al espectador.     

          ((La obtención de planos con distinta angulación se realiza colocando la cámara cinematográfica en diferentes posiciones con respecto al objeto que se filma: 1)Posición Normal 2)Posición Oblicua.3)Posición “en Picado”4)Posición en “Contrapicado”))

       Por otra parte, la cámara opera mediante diversos movimientos, orientados a salvar las distancias y posibles obstáculos que la separen del objeto, para abarcar así el plano requerido en el guión. Los movimientos más característicos son:

   --La “Panorámica”: La cámara gira en torno a un eje inmóvil, a la manera de un espectador sentado que moviera la cabeza de izquierda a derecha o de derecha a izquierda--“panorámica horizontal”-, o de arriba hacia abajo--“panorámica vertical”.

   --Travelling : Desplazamiento de la cámara que permite el cambio de planos en forma continuada. La cámara es transportada por un vehículo o sobre raíles.

    --El Zoom: Viene a ser un travelling óptico , en el que la cámara -permaneciendo fija-cambia la distancia focal de la lente

     --El Dolly: La cámara es transportada por una grúa, lo que le permite la realización

     LA ESCENOGRAFIA

 

           La escenografía es el elemento de la imagen que se propone recrear el lugar y el tiempo en la película, reflejando un ambiente acorde a las características de la acción.

            Los principales componentes son: “el maquillaje”, “el vestuario” y “el decorado”, pudiendo ser este último natural o artificial, según se componga en el ex

    LA ILUMINACIÓN

         La iluminación envuelve a la imagen y tiene por finalidad otorgar al ambiente su significado preciso.

         Este elemento resulta de la combinación de luces, sombras, claroscuros...,efectos que deben adecuarse convenientemente a la dirección, la intensidad y el grado de difusión que exijan los diferentes plano                                          

  4.-EL SONIDO

         El sonido establece una relación dinámica entre los elementos visuales y los elementos auditivos de la película.

         El cine sonoro nació en 1927.Su llegada hizo posible el planteamiento de situaciones más complejas, así como el dotar a las películas de una mayor riqueza y variedad en los personajes; además, con la incorporación del sonido, el silencio cobraba un nuevo valor cinematográfico.

          El sonido cinematográfico se halla constituido por tres elementos básicos: “La Palabra”, “La Música” y “Los Ruidos”  que a continuación estudiamos independientemente:

    LA PALABRA

        Es el elemento más rico, puesto que las modulaciones de la voz humana proporcionan los matices que precisan los diversos efectos dramáticos.

        Cuando la palabra no provienen directamente de los labios de los personajes, se denomina “VOZ EN OFF”, si comenta el conjunto o parte de la película, envolviendo las imágenes(habitual en los prólogos de algunas películas, y, de manera especial, en los documentales); y “MONÓLOGO INTERIOR” ,si expresa el pensamiento íntimo de un personaje, que no es comunicado directamente por él mismo.

   LA MÚSICA

    Es el recurso mediante el cual el director anticipa, prolonga, intensifica o precipita determinadas situaciones.

       Para ser eficaz y colabore en el logro de los fines que con ella se pretendan conseguir, la música debe introducirse en el momento preciso y ser acorde a la naturaleza del momento dramático.

  LOS RUIDOS 

    Aunque suelen recibir el tratamiento de “parientes pobres”, su cuidado es sumamente importante por aportar múltiples significaciones.

    En general, los ruidos son registrados después de la filmación de las imágenes, con la que posteriormente se sincronizan al incorporarlos a la banda magnética de la película.

            El término “banda sonora”( “banda sonora original”) de una película incluye música, diálogos, ruidos y silencios. Traduce el término inglés “Original Motion Picture Soundtrack”.  Lo más comercializado independientemente es la “Música de la Banda Sonora, o Partitura Musical Cinematográfica”, que sería la traducción de “Original Motion Picture Store”. Destacan compositores famosos como John Towner Williams en las películas de aventuras, o Ennio Morricone 

5.-LA REALIZACIÓN CINEMATOGRÁFICA

      Se denomina realización cinematográfica al proceso consistente en coordinar los diversos elementos dramáticos y plásticos propios del cine, y cuyo resultado final es la creación de una película.

        La realización cinematográfica exige un profundo estudio de los objetivos de la película, así como de los medios y estructuras elegidas. Este cometido requiere el trabajo conjunto de numerosas personas que -según la naturaleza de su trabajo- se agrupan en diferentes especialidades, dando lugar a los distintos equipos cinematográficos:

     --El Equipo de Producción

          Su finalidad consiste en equilibrar el coste económico de la película y velar por la calidad de la misma -materiales, equipos.. Su máximo responsable es el “Productor”, que puede actuar en nombre propio o como representante de una entidad, y tiene a su cargo la financiación de la película.

         Desde el mismo inicio de la creación cinematográfica fueron numerosas las “empresas productoras”, tanto en Europa como en los EEUU. El cine era un medio de comunicación de transformación social muy importante. Desde los inicios destacan productores independientes, pero lo habitual finalmente es la Empresa Productora Particular de EEUU y las Empresas Estatales Europeas, que actuaron protegiendo o subvencionando la producción de sus distintos países.

               Antes de la aparición de Hollywood(1907) y del  “cine sonoro”(1927), podemos señalar William Selig, Siegmund Lubin, American Vitagraph, Kalem Company, Essanay, etc, en EEUU, mientras en FRANCIA Pathé Fréres, León Gaumont, Eclair y Film d’Art,  en ITALIA Ambrosio, Itala y Milano se muestran muy activas; en DINAMARCA, la gran promotora del cine escandinavo la Nordisk Films se consolida como referente de la primera década del siglo XX. Ellas constituyen básicamente el Mundo de la Producción de la Prehistoria del Cine.

          Cuando en 1907 se descubre Hollywood como lugar de rodaje, son muchas las empresas que comienzan a levantar allí sus Estudios.Se abre el periodo de la Historia del Cine. Es el punto de partida de las pequeñas empresas que van a dar origen unos años después a las grandes empresas:UNIVERSAL(1912), PARAMOUNT (1913), WARNER BROS (1913), FOX(1914), METRO GOLDWIN MEYER (1924), COLUMBIA(1924) y RKO (1928), y otras muchas firmas entre las que destacaría DISNEY.

             Simultáneamente, y en todo el mundo, surgen muchas empresas de producción que consolidan la industria de cada país. Desde la década de los diez del siglo XX y hasta finales del período mudo, en el REINO UNIDO (Ealing, 1910; The London Film Company, 1913), en DINAMARCA (Svenska, 1916), en ALEMANIA (UFA, 1917; Tobis Klangfilm, 1929) o en JAPON (Taikatsu y Shochiku, 1920.

      Con la llegada del Cine Sonoro muchos países o Agrupaciones de Empresarios recurrieron a la creación de Estudios Cinematográficos. Se pueden mencionar los ESTUDIOS BARRANDOV en Praga (1932); PINEWOOD en Londres (1936); CINECITTÀ en Roma (1937); AZTECA(1936) y CHURUBUSCO (1944) en México; TOHO (1935), TOEI (1950) y NIKKATSU (1955) en Japón; VERACRUZ en Brasil (1949); et

   El ocaso de los grandes Estudios a partir de los finales de la década de los cincuenta del siglo XX dio origen a las iniciativas más personales en las que se implicaron por igual directores y actores a través de sus propias empresas. Fue la revolución, el inicio de obras más personales que removieron algunos planteamientos estéticos y temáticos del cine que se hacía desde Hollywood. No obstante, entre esta generación y la siguiente se producirá un salto notable a nivel industrial por cuanto la nueva generación —encabezada por Francis Ford Coppola (AMERICAM ZOETROPE), Steven Spielberg (AMBLIN) y George Lucas (LUCASFILM. ILM)- van a remover los métodos de trabajo y provocarán, ineludiblemente, que el gran magnate dé paso a un grupo de accionistas, a las Agencias de Representación y, consecuentemente, a la búsqueda de historias más comerciales que cambiaron el perfil económico de la taquilla cinematográfica.

             El sector de producción ha ido evolucionando con los años hacia su integración en Conglomerados Mediáticos (TIME WARNER ENTERTAINMENT, THE WALT DISNEY COMPANY, NEWS CORPORATION, UNIVERSAL STUDIOS; etc.) desde los que se controlan, además, otros medios como la televisión, y mercados como el videográfico, el de la música, editorial, la mercadotecnia (merchandising) y parques temáticos

     --El Equipo de Dirección

          Es el encargado de establecer el presupuesto económico y el plan de trabajo, y que asume la dirección tanto técnica como artística de la película. Su máximo responsable es el “Director”, que es también el máximo responsable de la realización.

         Los primeros directores eran fotógrafos importantes, pero sin gran significación en los films, que acaparaban los actores; con el tiempo, la figura del Director ha adquirido un relieve extraordinario. Los grandes directores iniciales fueron los Hnos Lumière,T. A. Edison,  G.Méliès, Edwin S. Porter…

       En el periodo mudo son directores admirables  David Wark Griffith, Thomas H. Ince, Fred Niblo o Louis Feuillade además, entre otros, de Charles Chaplin que marcó una impronta destacada, Sergei M. Eisenstein o Erich von Stroheim… Directores que abrieron caminos creativos y consolidaron técnicas y procedimientos, de los que se han beneficiado los directores pos

     Posteriormente Orson Welles, ya en los cuarenta creó toda una revolución en las formas de dirección, y tras él continuaron ya maestros de dirección de géneros característicos, como John Ford o Sam Pekinpah en el “western”,en el “cine de terror”  James Whale o Ridley Scott,  en “el de espectáculo” Cecil B. De Mille o Steven Spielberg, en  “la comedia” los admirables Billy Wilder o Woody Allen,  en el “documental”  Robert Flaherty, en el “cine de suspense” el inolvidable Alfred Hitchcock,  en “el musical”  Busby Berkeley y Stanley Donen y  en el” cine de acción”  John Woo, por citar algunos.          

     Especialmente considerados en los Certámenes Cinematográficos de la posguerra han sido en EEUU Franz Borzage, Frank Capra, Michael Curtiz, George Cukor, Robert Aldrich, Francis Ford Coppola…, en Japón Akira Kurosawa, y en Europa, Ingmar Bergman, Federico Fellini, Vittorio De Sica, Stephen Frears, David Lean, Michael Powell, Carol Reed, Román Polanski, Louis Malle, François Truffaut, Luis Buñuel, Peter Weir…, por hablar de nombres históricos, a los que se han de añadir nuevos grandes directores en plena actividad.

 

 --El Equipo Técnico

          A su cargo se encuentra la calidad técnica y fotográfica de cada plano, y que trabaja bajo las órdenes del director. Inicialmente los Equipos Técnicos estaban constituidos por el Director, un técnico más, y algunos cámaras que realizaban los rodajes y los posteriores montajes de la película, pero con el tiempo, la aparición del sonido, la calidad de la imagen, el color y las grandes realizaciones, la producción cinematográfica requiere del acompañamiento de una gran equipo de técnicos en la imagen, las cámaras, el sonido, la música, maquillajes, vestuarios, laboratorios, etc.  

             

      Los Directores de Fotografía, que establecen las intensidades de la iluminación natural y artificial, se han hecho determinantes en la realización de muchas películas. Sus conocimientos y magisterio han sido determinantes en la perfección de las creaciones cinematográficas. Podemos señalar en la iniciación del cine a Billy Bitzer, que trabajó con el Director David W. Griffith, o Joseph  H. August, colaborador de T.H.Ince .Howard Hawks, Franz Borzage, William Dieterle, que colaboraron con varios directores. A William H Clothier, el admirable director de fotografía de John Ford, Gregg Toland, el gran colaborador de Orson Welles. Robert Burks, el gran fotógrafo de Hitchcock, la de Janusz Kaminski con Spielberg. En Europa la de Kart Freund en el inicial cine expresionista alemán, la del español Néstor Almendros con varios directores franceses,  la del francés Raoul Cotard , la del italiano Pascualino de Santis, la del húngaro Laszlo Kovacs  y la más actual de los españoles Luis Cuadrado o Fernando Arribas.

   Los Técnicos Montadores de postproducción, Técnicos de Trucaje y Doblaje- Sonido de Laboratorio, así como Compositores constituyen parte muy importante de todo este Equipo Técnico, que evoluciona con los avances de la digitalización tanto del sonido como de la imagen

 --El Equipo de Intérpretes

          Constituido por aquellos actores y actrices, principales y secundarios, extras o figurantes que dan vida a los personajes bajo las sugerencias e indicaciones del director.

     En definitiva, la realización de una película supone un largo proceso que engloba no sólo elementos artísticos, sino también complicados aspectos técnicos y administrativos. Así, desde la concepción de la idea hasta su exposición a través del filme proyectado en la pantalla de una sala de cine, la película de argumento atraviesa un proceso muy complejo que se desarrolla en fases sucesivas, entre las que destacaremos: el guion, el rodaje y los trabajos de laboratorio  

    Si inicialmente los intérpretes tenían un papel secundario, a medida que se perfeccionan las creaciones, el Equipo de Actores acabará siendo decisivo en el éxito de las películas. El campo de experimentación del teatro era decisivo para el cine. Los grandes actores y actrices se han hecho en el teatro, una profesión difícil, de gran formación, que requiere una especial vocación. Los actores y actrices dan vida a los personajes, reflejan la vida humana y sus problemas, y los espectadores asisten a menudo al cine para ver a sus actores favoritos, quienes consiguen  fervores y, a menudo, una extraordinaria influencia en todos los aspectos de la vida social. Muchos directores han llegado al éxito gracias a la colaboración y simbiosis que con sus creaciones alcanzan sus actores, aunque también sucede lo contrario. Por ello, muchos actores y directores están especialmente asociados.

              A lo largo del periodo mudo sobresalen muchos actores de la talla de Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Ramon Novarro, Buster Keaton o Lon Chaney… Del cine sonoro  podemos señalar a los norteamericanos Errol Flynn, Fred Astaire, Humphrey Bogart, John Wayne, Gary Cooper, Frank Sinatra o Jack Lemmon, hasta los trabajos de Marlon Brando, Robert de Niro, Clint Eastwood, Arnold Schwarzenegger, Kevin Costner, Tom Cruise… Clark Gable, Robin Williams…

      Y ,entre los europeos, a los británicos Charles Laugthon, Laurence Olivier, Sean Connery…, a los italianos Vittorio de Sicca, Alberto Sordi, Vittorio Gassman, Marcello Mastroinani…,a los españoles Fernando Rey , Francisco Rabal, … a los franceses Jean Gabin, Alain Delon, Jean Paul Belmondo, Gerard Depardieu,…, a los mexicanos Mario Moreno(Cantinflas), Pedro Armendáriz…al japonés Toshiro Mifune…, por hablar de nombres que forman ya parte de la historia, y sin incluir actores actuales muy importantes en plena creatividad.   

 

         Entre las grandes y más inolvidables actrices como Florence Lawrence,Mary Pickford(la novia de América), Edna Purviance , Lillian y Dorothy Gish, Paulette Goddard, Greta Garbo, Marlene Dietrich…, algunas de ellas también importantes en el cine sonoro. Con el tiempo su significación en las modas, en las costumbres, tanto las de sus realizaciones como incluso las de su propia vida privada, difundidas por numerosas revistas, ha sido extraordinaria. Recordemos la prenda “rebeca”de Joan Fontaine en su película de Hitchcock del mismo nombre, o el peinado de Verónica Lake tapándole un ojo;…las figuras de Judy Garland, Maureen O´Hara,Rita Hayword, Bette Davis, Katherine Hepburn, Elizabeth Taylor, Marylin Monroe, Grace Kelly, Faye Dunaway, Susan Sarandon, Sharon Stone, Michelle Pfeiffer,Winona Ryder… , entre las norteamericanas o europeas americanas

        En Europa destacan las italianas Anna Magnani, Sofia Loren, Gina Lollobrigida y Silvana Mangano, las británicas Vivien Leight y Emma Thompson, las francesas Jeanne Moreau o Brigitte Bardot, las españolas Amparo Rivelles, Sara Montiel, Carmen Maura o Victoria Abril, las mexicanas María Félix y Dolores del Río, y así hasta completar la larga nómina de actrices protagonistas y secundarias, sin mencionar otras actrices actuales en plena creatividad

    EL GUION

      Toda película surge del propósito de expresar una idea, de comunicar algo. Pues bien, la idea se desarrolla por el guionista en una “SINOPSIS”, en la que detalla ordenadamente los diferentes episodios que conforman la acción de la película.

       A continuación, una vez examinada y asumida esta sinopsis, el mismo guionista redacta el “GUION LITERARIO”, para lo cual:

      --Consigna el lugar de la acción y sus características con respecto al tiempo en que transcurre, y concreta los escenarios y decorados.

   --Ajusta los diálogos y los movimientos de los personajes, a los que define dramáticamente, dotándoles de una determinada naturaleza física y sicológica.

      --Señala algunas referencias sobre los aspectos técnicos de la filmación y el modo en que se van a emplear los elementos que intervienen en el lenguaje cinematográfico

      --Precisa el tratamiento que deberá darse a la película según el género que se utilice.  

        Posteriormente, el director transforma el guión literario en “GUION TÉCNICO”, a cuyo efecto:

      --Divide el guion en planos, escenas y secuencias

      --Resalta los momentos esenciales

     -- Concreta la sicología de los personajes

     --Añade toda suerte de detalles, y las indicaciones precisas para una correcta realización.

       En ocasiones, el Guionista y el Director son una misma persona; y, de no ser así, es muy frecuente que trabajen en íntima colaboración.

       Finalmente, conviene establecer la diferencia existente entre un “Guion Original” y un “Guion Adaptado”: guion original es el concebido por un guionista expresamente para el cine; y guion adaptado, el que resulta de la adaptación cinematográfica de un texto literario--una novela, una obra dramática...

   EL RODAJE

      Se denomina rodaje a la filmación de los planos que componen la película. En él intervienen el director, el equipo técnico y el equipo artístico.

      Previamente al comienzo del rodaje se fija el tiempo de duración del mismo, así como su presupuesto económico.

     En esta fase se desglosa el guion, fijando un orden de filmación y detallando el trabajo de cada día. En el rodaje no se sigue el orden cronológico establecido para la acción en el guion literario, sino otro distinto establecido en función de razones económicas y de organización. Por consiguiente ,los planos son señalizados visualmente por medio de una “Claqueta”-pizarra de madera con un listón suelto ,en la que se señala el número de plano  la toma--,con objeto de que sean rápidamente identificados en el laboratorio, a donde se envían para su revelado a medida que va

  LOS TRABAJOS DE LABORATORIO

        Finalizado el rodaje de la película, el trabajo se continúa en los laboratorios cinematográficos, donde se realizan las operaciones de “montaje”, “trucaje” y “ doblaje”.    

      El Montaje

         Consiste en estructurar los planos de una película con vistas a su proyección en la pantalla.

         El material filmado se clasifica según los criterios de orden, duración y continuidad de cada plano, previamente establecidos por el director .para ello, se seleccionan las tomas buenas de entre las varias realizadas por cada plano, tomas que el montador empalma en un “Copión” o prueba de trabajo, que se revisa seguidamente en una “moviola”.  De este modo, los planos quedan encadenados con el ritmo requerido, lo que permite obtener continuidad y armonía en el conjunto de la película. Esta técnica del copión-moviola se está sustituyendo  con los avances de la digitalización por el llamado “Telecinado”, que obvia el positivado de las imágenes y lo recoge todo en un “Montaje Bruto”, cuidando bien el orden de numeración de las “Claquetas”, de las cuales se hace después la eliminación de las innecesarias.

        Los Montajes se van realizando habitualmente al compás del Rodaje de la película, pues puede suceder que tomas, escenas o partes de una secuencia no ofrezcan la suficiente calidad para el montaje, siendo necesario proceder a repetir partes del rodaje. Debe haber en el Montaje buen “Raccord” o “Continuidad”, que un buen cinéfilo sabe captar. Y para su publicación es necesario un Permiso Oficial de la Sociedad General de Autores, que implica la entrega de una Copia del Producto en la Filmoteca Estatal correspondiente

       Los montajes han variado a lo largo del tiempo, destacando la forma de proceder del cine americano y europeo, aunque se producen influencias recíprocas.

      Los Laboratorios de Montaje son costosos, existiendo en pocas ciudades(En España, en Madrid y Barcelona), aunque muchas productoras trasladan Pequeños Laboratorios Móviles, o se recurre a Laboratorios Personales más deficientes, que intentan compensar las pericias de los buenos técnicos.

         Entre los diferentes sistemas de montaje, destacaremos dos:

     *El Montaje Analítico, que fragmenta la realidad en planos próximos--primeros planos, planos medios...-y de duración breve. Se obtiene así un reiterado cambio de los encuadres, lo que propicia un ritmo rápido y mantiene al espectador en una tensión emocional constante.

      *El Montaje Sintético, que fragmenta la realidad en planos más distantes -planos generales- y de duración prolongada .Este tipo de montaje permite al espectador una mayor libertad para fijar su atención en aquellos elementos del encuadre que considere más interesantes.

                                                             

     El Trucaje

       Consiste en modificar la imagen filmada por medio de efectos especiales, tales como sobreimpresiones, trasparencias, filtros, fundidos...  El Trucaje es la tarea posterior al Montaje, aunque normalmente son tareas que se suelen dar simultáneamente.

       El trucaje ofrece a la fantasía un amplio abanico de posibilidades y constituye un recurso muy utilizado para sugerir sensaciones de ensueño, alucinación, misterio, terror, comicidad....  .Las técnicas digitales facilitan toda una gama de recursos de fotomontajes y trucajes. Una labor característica del trucaje es el Etalonaje, que realiza el Director de Fotografía, consistente en calibrar e igualar las densidades cromáticas y lumínicas de la fotografía de la película

      El Doblaje

            Tiene por finalidad incorporar a la imagen el sonido de la película o “la banda sonora de la película”

     Generalmente, durante el rodaje las voces de los actores quedan registradas en un sonido impuro, percibido con dificultad debido a la intromisión frecuente de ruidos ajenos.. Por ello, los mismos actores -o sus dobladores- graban las voces “en limpio” posteriormente en el laboratorio, momento este en el que también se incluyen en la grabación la música de la película y los ruidos que convengan. Estas tres bandas de sonido: “voz”, “música” y “ruidos” -se acoplan y modulan adecuadamente en la correspondiente fase de mezclas.

        Se obtiene así el montaje definitivo del “copión” y, efectuadas las correcciones oportunas, se procede a montar el negativo de la “Copia Definitiva o Estándar”, de la que saldrán las copias de la película destinadas a la distribución.

        ( El proceso de creación de una película considerando el rodaje y los trabajos de laboratorio como promedio  puede oscilar entre uno y dos años. El Equipo de Realización es bastante numeroso y las copias posteriores para la distribución son caras, por lo que el riesgo de una Productora y una Dirección Cinematográfica son altas. Los Certámenes Cinematográficos, como la SEMINCI de Valladolid, y las Subvenciones Estatales y de Medios de Comunicación son un apoyo imprescindible para muchos Directores y Productoras.  Este problema lo ha sufrido el Cine Español de Posguerra, protegido escasamente en una dirección ideológica característica y muy controlado por la censura, problema que también han vivido otros países en distintos momentos. A pesar de este gran problema económico o de censura, en España se han hecho ,sin muchos  recursos, grandes creaciones cinematográficas  y sus directores se han sabido mantener al día de las evoluciones cinematográficas en el exterior. No obstante, la colonización y el imperio cinematográfico norteamericano han sido en España y en toda Europa extraordinariamente poderoso en toda la posguerra. A ello se ha unido el hecho de que muchos de los grandes creadores-directores de cine europeos, por problemas de persecución nazi, la situación de la devastación bélica europea o por condiciones económicas se instalaron en EEUU potenciando sobremanera su cine. La Transición Democrática y nuestra etapa posterior han facilitado la subvención y apoyo que necesitaba nuestro cine para salir del subdesarrollo. En la Unión Europea se ha corregido igualmente esta situación, potenciando mediante la legislación y la economía la producción audiovisual y cinematográfica europea )

6.-LOS GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS

       Según sea la temática de la película y el estilo que se le quiera conferir, el cine ofrece diversas modalidades que dan lugar a su clasificación en los llamados géneros cinematográficos. Estos géneros ofrecen denominaciones que deben mucho al Arte Literario con el que el Cine tiene gran asociación.

     POR SU TEMÁTICA

          En función de su temática, esto es, del tipo de acción elegido , el cine puede ser:

      HISTÓRICO

        Si narra momentos de la historia que reproduce con mayor o menor exactitud y veracidad. Muchos de estos films participan del rasgo del “colosalismo”(Duración desmesurada,, uso del plano de conjunto, carácter épico...),siendo inicialmente característico del cine italiano y en la última posguerra y en la actualidad del cine americano más comercial).Los periodos más representativos del cine histórico han sido la Antigüedad Grecolatina y Bíblica,llamado “peplum”-por la indumentaria característica de las túnicas- y la Edad Media y la Segunda G.Mundial

              Ejs:  “Los últimos días de Pompeya”(1908)Luigi Maggi.”Quo vadis? (1913)Guazzoni.”, “Los Diez Mandamientos“(1923-1956) de Cecil B. de Mille, “Ben Hur”,(1959)de Willian Wyler “Espartaco” (1960) de Stanley Kubrick…“The Birth of a Nation”(”El Nacimiento de una Nación” )(1915),de David Wark Griffith, es una historia del proceso de Independencia, triunfo Unionista en la Guerra de Secesión y consolidación de EEUU como gran país. Del periodo medieval cabe destacar “Braveheart”(1995) de Mel Gibson, que recrea una revuelta escocesa contra el poder inglés en la G,Bretaña del XIII,…Situados en la Segunda Guerra Mundial, podemos señalar “La Batalla de Midway” (1976) de Jack Smigth , “Saving Private Ryan” I(“Salvar al soldado Ryan”)1998 de Steven Spielberg

                           

    DOCUMENTAL

       Si presentan unos hechos con afán de dejar testimonio y de ser fiel a los mismos, aunque los enfoques pueden ser muy diversos

        Ejs. Películas de Programas como “Informe Semanal” o “Documentos TV”, las de “National Geographic”, “Discovery Channel”, “Planeta Azul” de Rodríguez de la Fuente, “Redes” de E,Punset, etc.

       El documental ha pasado de ser la “cenicienta del cine” a la adquisición de un protagonismo creciente en interés e importancia. Sus creadores más importantes en los inicios fueron el norteamericano Robert Joseph Flaherty-creador de Documentales sobre los esquimales y las gentes aborígenes de Samoa(“Nanuk, el Esquimal”, “Moana”) y el soviético ucraniano  Dziga Vertov, quien realiza importantes documentales de la Revolución Sovética,l os llamados “Noticieros”(Destacan “Aniversario de la Revolución” y “Tres Cantos a Lenín”).Más tarde destacan los documentales de ciudades y de ámbitos sociales y laborales ,tales como “Berlin, sinfonía de una gran ciudad” de W.Ruttman, el inglés J.Grierson “Los Pescadores en Alta Mar”...”La Marcha del Tiempo” es una serie de documentales americanos sobre la 2ª Guerra Mundial realizados por F.Capra;”Bautismo de Fuego” constituyó un conjunto de documentales de la Alemania nazi, realizados por L.Riefensthal. Posteriormente los documentales proliferaron recogiendo las más variadas informaciones para las cadenas televisivas de los distintos países. Recordemos el “NO-DO” español del periodo franquista. Se han de destacar las realizaciones independientes, tales como la que en España inició Luis Buñuel con “Las Hurdes, Tierra sin Pan”...los relacionados con la exploración submarina del austriaco Hans Hass y del francés J.Yves Cousteau...

                                                                                    

   BÉLICO

      Presentan o desarrollan acciones de guerra. Este género se hallaría próximo al histórico y, en muchas películas, al ideológico.Con la denominación de bélico nos referimos principalmente a películas relacionadas con la guerra en el siglo XX, o que son consecuencia de ella, pero películas en las que domina habitualmente una visión un tanto maniquea de la realidad, de buenos y malos, en función de la perspectiva adoptada, y que  se distinguirían de las que hemos podido señalar en el “histórico”.Algunas de ellas pueden ofrecer partes en forma de documental.

     Ej. Destaquemos al norteamericano F.Capra con obras como “Preludio de Guerra”(1942),”La Batalla de Rusia”(1943),”Conoce tu aliado:Britania”(1943) de A.Veiller,”Guerra en el Aire” de la B.B.C...Otras son “La Gran Guerra” de CBC-Columbia Broadcasting Corporation.”Iván el Terrible”(1947)de Eisenstein,”Los Cañones de Navarone”(1961) de J.Lee Thompson...etc.,”Apocalipsis Now” (1979)de F.Ford Coppola.

 

   WESTERN

      Películas del “Oeste Americano”, que tratan episodios reales o ficticios relacionados con la conquista y ocupación del legendario Oeste Americano

      Ejs.  “La Diligencia”(1939)”Fort Apache”(1950),”Río Grande” ...de J.Ford, el gran creador del western clásico.“Sólo ante el peligro”(1952) de Fred Zinnemann;”Bufallo Bill”(1937),Cecil B. De Mille.”Río Bravo” (1959)”Howard  Hawks“...A ello se han de unir numerosas series televisivas,que aparecieron también en la programación televisiva de la posguerra europea, como “Bonanza”, “El Virginiano”…..,periodo de especial impacto de la cultura norteamericana en Europa;posteriormente se realizaron numerosas películas que significaron la desmitificación o artificiosidad del “western”,realizadas en gran parte en los Estudios Ciematográficos Italianos de Cineccità y denominados Western-Spaghetti”,como los de Sergio Leone ”Por un Puñado de Dólares”81964),”El Bueno, el Feo y el Malo” (1966)etc.,también en otros países europeos.                      

    POLICIACO

        Su contenido encierra la resolución lógica de crímenes, secuestros, robos...Se trataría, en realidad, de un “supergénero”,en el que se podría incluir también lo que conocemos, tanto para el cine como para la novela, como “género negro”(que ofrece peculiaridades propias y que explicaremos a continuación),aunque entre el “cine policiaco de “gánsters” y el “cine negro” hay concomitancias, siendo difícil su deslinde. El género policiaco en sentido amplio es especialmente propio de una misma sociedad estadounidense en el siglo XX, y de manera particular,de la sociedad que se inicia en la época de “entreguerras” con rasgos y notas distintivas de vida, tales como “el individualismo”,”la lucha agresiva por el éxito”,la importancia del dinero”...Los rasgos cinematográficos son “el realismo en los decorados, atmósfera, situaciones y lenguaje...que dan un efecto de relato objetivo”,así como “la violencia física, verbal o moral, acompañada de sadismo más o menos explícito” , “una proliferación de la muerte” y “crítica social expresada por medio de un humor corrosivo, donde el pesimismo impregna la atmósfera y los personajes”.

    La película que inicia el género es “Corazón de Apache”,del  americano Griffith, quien en 1912 nos presenta a gánsters en el ámbito norteamericano de los suburbios de emigrantes de N.York. Esta y otras similares eran melodramas edificantes que acababan con la “conversión” del malvado.”La Ley del Hampa” del alemán J.Sternberg en los treinta le dio una configuración nueva en tipos-jefe de banda con físico brutal y animal, el intelectual decepcionado que pone su talento a disposición de la banda y la llamativa amiga del gánster. Persistía lo melodramático.

      Pero en los treinta se perfila en películas-ciclo de personajes-mito, con el esquema de ascensión y caída de un gánster que establece un imperio en el seno del hampa, eliminando a sus rivales antes de sucumbir víctima de su megalomanía. Se precisa el ambiente urbano de la emigración católica irlandesa e italiana. El protagonista era un “paradigma del que quiere encarnar el sueño americano-espíritu de empresa, voluntad de llegar a la cima como fuera-pero que irónicamente fracasa”. Así se aprecia en el ciclo en torno al personaje real e histórico Al Capone con las películas “Hampa Dorada”,”Scarface, el terror del hampa”,etc.

       Posteriormente se atacó la idealización del gánster, que había en un ambiente sociológico, pasando  entonces la figura del policía al primer plano. Así “El mejor de la ciudad”  glorifica al sherif que limpia la ciudad y amenaza, imponiéndose finalmente a las intervenciones de oscuros abogados con un tiroteo final “a lo leal”,al estilo del oeste;habitualmente lo hacía la policía federal, pues la local se presentaba como “corrupta”

 (Había derivaciones hacia el “cine negro”,cuando algún policía simulaba formar parte de la banda para desarmarla).

    Más tarde aparece la formulación del gánster y de la delincuencia como fruto de circunstancias y condiciones sociales( “Soy un fugitivo” )

((La formulación de que el gánster y la delincuencia no sólo lo creaba el ambiente social, sino un determinismo, una fatalidad más metafísica que sociológica...fue el origen del cine policíaco “negro”,que veremos después).

     Durante la expansión del “cine negro”(años 40-50) el cine policiaco de “gansters” persiste en la presentación de personajes que ascienden por el deporte, pero el ambiente social les hace caer (“Cuerpo y alma”).

        Surge por entonces también la visión del “gánster” por motivaciones “psicóticas”--que lo acercaban al “cine negro”-y donde el crimen se convirtió en un asunto de organización, donde los “gansters anteriores de la prohibición del alcohol de La Ley Seca” son sustituidos por hombres de negocios que dirigían “el sindicato”,como en “El beso de la muerte” o en las más contemporáneas de “El Padrino”, de  Coppola, donde la violencia está al servicio de una organización capitalista y el jefe de la banda tiene aspecto de un notable que reina en la ciudad y controla a los responsables de la policía gracias a la corrupción, siendo protegido por la misma como uno de sus respetables. El policía que investiga se convierte en vengador y descubre o mata a los principales responsables. Otra modalidad en los años 40  en concomitancia y similitudes con el “negro” fue el del renacimiento de las figuras históricas del gansterismo. Obras como “Dillinger”.

   En los años 60 y posteriores aparecieron los “detectives privados” en un mundo de complejas intrigas en el que las apariencias engañaban; los exotismos y extravangancias cobraron relieve y el color reemplazó las viejas técnicas expresionistas de los claroscuros de los prototipos ("Adiós, muñeca", "Chinatatown" de Polanski)

    Una variedad muy peculiar del cine de “gánsters” fue el cine “policiaco semidocumental”,con gran tendencia a lo político(,”Harry el Sucio” de Don Siegel ,”Contra el Imperio de la Droga” de William Friedkin).

    -Otra sería “el cine de bandidos”,situado en un entorno rural, que se explica por un determinismo social más que individual. A menudo una joven pareja fugitiva, en principio inocente, aparece inmersa en el engranaje de la violencia(“Bonnie y Clyde”de Arthur Penn).Una derivación es  la película “de golpe”,donde la banda, constituida para la ocasión y dispersada posteriormente incluye personajes -tipo--ejecutores, técnicos, coordinadores...(“Atraco  Perfecto” de Stanley Kubrick

      NEGRO

         No es fácil deslindarlo del anterior. Surge especialmente en los años 40-50.Inicialmente con la conciencia de que el delincuente o gánster nace principalmente más de un determinismo individual ,subjetivo, metafísico, que sociológico. Lo precisaron en esta denominación una serie de cineastas franceses, tomando como antecedente la obra del francés Marcel Carné ( “Muelle de las Brumas”...) y la del americano J Houston “El Halcón Maltés”...Una serie de obras de “detectives privados”...que tienen como origen principal las novelas  o guiones de Raymond Chandler, Dashiell Hammett...,  donde “el detective privado”(ni “ganster”, ni “policía”)goza de un estatuto ambiguo .Con un código moral exigente se acomoda a actos de violencia y a tretas que no desaprobarían los criminales, todo ello acompañado de un aparente cinismo, a menudo burlón. Su individualismo está impregnado de libertad. Frente a criminales y policías no se integra en ninguna organización. Es pobre, pero no tiene familia ni necesidades, y está a salvo de la corrupción. Los criminales a los que persigue pertenecen, a menudo, a los medios más acomodados, un tanto decadentes. Aquí el bien y el mal parecen colocados de modo aleatorio, sin relación al origen social o a la riqueza. El detective privado tiene siempre un enigma que descifrar; la amenaza está omnipresente, la violencia es insidiosa(“Forajidos” de Robert Siodmak,”El reloj asesino”...de John Farrow )

    

    Es frecuente la aparición de la “mujer fatal”,a cuya tentación puede sucumbir o ser sometido el héroe del cine negro. Sensual e hipócrita, la mujer fatal es “una mujer sin corazón”,frente a la salud, el amoralismo y la franqueza de “la chica del gánster” (La dama de Shangai” de Orson Welles,”Gilda”--con Rita Hayworth...o “Forajidos”,”Perdición”,con Ava Gardner.

      Fotografía habitualmente oscura y con contrastes que acentúa el carácter nocturno de la atmósfera, proyecta surcos sobre los rostros...en un acento del expresionismo.

      Posteriormente el cine negro se presta a exotismos, situando las obras en ciudades fronterizas “Sed de Mal”,frontera de Méjico,de Orson Welles ”Noche en la ciudad”, de Jules Dassin, situada en Londres con atletas de físico monstruoso).

     Se ha de destacar la importancia de las técnicas germanas de Fritz Lang y de las inglesas de Alfred Hitchcock, “Extraños en un tren”..

   

   TERROR

      Su objetivo consiste en mantener al espectador en una tensión de pánico.

    Este cine tiene dos grandes películas como antecedentes,”Frankenstein”   (1931)de James Whale, y “Drácula” (1958) de Terence Fisher. Estos dos personajes, el de Frankenstein, creado por la escritora romántica Mary Shelley a principios del XIX, sobre el monstruo creado por el mismo doctor sobre trozos de cadáveres, y el del vampiro Conde Drácula, que había creado el crítico teatral Bram Stoker a fines del XIX, han surtido las diversas creaciones del más clásico cine de terror( “Nosferatu, el vampiro” de Murnau...)

                 El conde Drácula es el lado lunar de las cosas de los seres, en lucha abierta con el sol. Aparece como el vampiro con una serie de características, como su transformación en murciélago, el ataúd donde se esconde por el día, su larga capa negra, el castillo inaccesible donde habita, el crucifijo que le detiene y su poder de propagar su propia condición mediante el rito de morder la yugular de sus víctimas .(Es el símbolo del Mal, las fuerzas oscuras que sólo Satanás domina. El auge del vampirismo viene de la concepción de que el Bien existe porque existe el Mal, necesitándose ambos conceptos. El Conde, oriundo de Transilvania, es la posibilidad de escoger otra cosa; las jovencitas mordidas por el vampiro lo encuentran a menudo más elegante que el Obispo que las persigue y mucho más astuto que el jovenzuelo que trata de rescatar a la novia de sus garras)

      Frankenstein, por el contrario, es un pobre muñeco hecho de trozos de cadáveres y cuyo cerebro, por equivocación, perteneció a un criminal anónimo. Es la soledad, el lado salvaje de los hombres, de la calle.

     Tanto estos dos personajes como la mujer en “La Novia de Frankenstein”  de James Whaley, la mujer-vampiro en “La Máscara del Demonio”  de Mario Bava ,con todas sus diversas creaciones y continuaciones + las películas de “momias” que surgen de tumbas faraónicas para tomar cumplida venganza de algún egiptólogo osado + las de “insectos” que aumentan su volumen constituyendo una amenaza para la humanidad + las películas del “Doctor Jekyll and Sister Hyde” ,que inicia Roy W.Baker, (donde el terror nace de la conversión sexual del Doctor Jekyll en la bellísima hermana Hyde(una mezcla de terror, humor y sexo) constituyen el “Terror Clásico Siglo XIX”,  el cual se articula en torno a la “máscara”,el “rostro”, y la “fantasía”.

      El llamado “Terror Siglo XX”  nace de la cotidianeidad y de la identificación espectador-protagonista. Lo que vemos no es insólito, sino inesperado, rechazable, al mismo que posible por el espectador. Risa y miedo son los gestos que nos producen. Dentro de él hemos de señalar algunas obras de Hitchcock, el maestro del “suspense”,que es un estilo narrativo, un laberinto donde el espectador y film pueden perderse fácilmente .Asi“Psicosis” , (donde nos hace cómplices de un horrible asesinato, cuando no se hunde el coche de la víctima de nuestro protagonista), o “Frenesí” ,(donde las mujeres asesinadas por el maníaco tiene un carácter insoportable o son singularmente feas). Dentro de él podemos señalar el “cine de aventuras”,que apreciamos en “Lord Jim”(viaje al Africa negra, donde la aventura es un riesgo, es la evidencia y la constancia de un riesgo en una sociedad que prohíbe a sus miembros correr riesgos, con toda la seducción del papel cultural del “exotismo” de civilizaciones desconocidas.) Podemos añadir el cine terror-aventura de “criaturas fantásticas” ,como la de la película “King-Kong” , (el gorila aficionado a las chicas rubias, un ser fantástico más que patético que también lucha por defender a la chica rubia, defendiendo al espectador, o solemne en los rascacielos dando manotazos a los aviones)

  CIENCIA-FICCIÓN

     Aglutina elementos de la ciencia y de la fantasía. Este género fascinó a los cineastas desde los primeros días del cine. la mayoría eran adaptaciones de novelas o cómics .Los novelistas clásicos del XIX-XX habían sido el francés Jules Verne (“De la tierra a la luna”,”Veinte mil leguas de viaje submarino”,..) y el inglés H.G Wells, más interesado por la biología y la evolución de las especies que por las ciencias físicas, así como preocupado por las consecuencias sociales de la tecnología(“La Máquina del Tiempo”,”La Guerra de los Mundos”.Más tarde y próximos a nuestros días, hemos de señalar las películas que tienen relación con el “género de terror”,como algunas de las señaladas anteriormente y “El Gabinete del Doctor Caligari” 1919 de Robert Wiene, donde “ciencia-ficción” y “cine de terror” se identifican.

     Estos elementos iniciales configuran el género, que se enriquece con especulaciones y fantasías sobre nuevos descubrimientos, porque el cine de ciencia-ficción ofrece, en líneas generales, una visión negativa del futuro, lo cual ha hecho entender a los especialistas que, a través de este tipo de producciones, el espectador intenta conciliar los temores que le asaltan ante hallazgos científicos que le resultan de difícil comprensión. Simbolizando ese miedo a través de un estereotipo, cabe señalar que una de las figuras más tópicas de la ficción especulativa es el sabio loco: un investigador muy competente, que descubre algún mecanismo o fenómeno de enorme poder, aunque asimismo capaz de enturbiar la moral del científico, que entonces se convierte en un peligro para la humanidad. Desde el doctor Frankenstein hasta el genetista que diseña los dinosaurios de Parque Jurásico, este modelo de personaje marca la evolución del género.

        En buena medida, el cine sigue el rastro de la literatura. Así, Georges Méliès se inspiró en la obra de Julio Verne para rodar su “Viaje a la luna” (Voyage dans la lune, 1902). De igual modo, los nuevos descubrimientos tecnológicos promueven argumentos de ficción. Tal fue el caso del español Segundo de Chomón, cuyo filme más conocido,” El hotel eléctrico” (1908), profundiza en las posibilidades de la energía eléctrica, cuyo uso se generalizaba por aquellas fechas.

           La película rusa “Aelita “(1924), de Iakov Protazanov, es considerada una de las primeras obras maestras de un género que gustó particularmente a un seguidor del expresionismo alemán, Fritz Lang, quien trazó en “Metrópolis” (1926) un porvenir que guardaba no pocos paralelismos con el ascenso del nazismo. Menos trascendente, “El mundo perdido” (The Lost World, 1925), de Harry Hoyt, se inspiraba en la obra homónima de Arthur Conan Doyle, y proveía al género de otra de sus convenciones: los monstruos prehistóricos que sobreviven a la extinción.

            En buena medida, los géneros del terror y la ciencia-ficción se cruzan en producciones como “El doctor Frankenstein” (Frankenstein, 1931) y “El hombre invisible” (The Invisible Man, 1933), de James Whale, donde los protagonistas alcanzan un desenlace terrible por haber hallado dos secretos científicos: en el primer caso la clave de la vida artificial, y en el segundo, la pócima de la invisibilidad. Por la misma época, la generalización de historietas de ciencia-ficción como "Flash Gordon" favoreció su adaptación cinematográfica. Ejemplos de esa tendencia son “Flash Gordon” (Flash Gordon/Rocket Ship, 1936), de Frederick Stephani, y “Las aventuras del Capitán Maravillas” (“The Adeventures of Captain Marvel”, 1941), de William Witney y John English.

         Paralelamente, el enfrentamiento entre los bloques capitalista y comunista impulsó la llamada guerra fría, también en lo relativo a la carrera espacial. En esa clave socio-política deben entenderse títulos como “El enigma de otro mundo” (The Thing, 1951), de Christian Nyby, “Ultimátum a la Tierra” (“The Day the Earth Stood Still”, 1951), de Robert Wise,” La guerra de los mundos” (The War of the Worlds, 1953), de Byron Haskin, y “La invasión de los ladrones de cuerpos” (“Invasión of the Body Snatchers, 1956), de Don Siegel. En un grado más o menos matizable, los alienígenas de esos filmes, aun careciendo de imagen antropomórfica, venían a simbolizar los horrores potenciales de una amenaza exterior.

               Las investigaciones en torno a los materiales radiactivos dieron lugar a títulos como “El monstruo de tiempos remotos” (The Beast from 20.000 Fathoms, 1953), de Eugene Lourie, y “El increíble hombre menguante” (The Incredible Shinking Man, 1957), de Jack Arnold, que eran reflejo del peligro atómico. Frente a la inocencia lúdica de producciones como “20.000 leguas de viaje submarino” (20.000 Leagues Under the Sea, 1954), de Richard Fleischer, y “De la Tierra a la luna” (From the Earth to the Moon, 1958), de Byron Haskin, el cine de ciencia-ficción insistía en los temibles misterios del futuro en películas como “Planeta prohibido” (Forbidden Planet, 1956), de Fred McLeod Wilcox, “La mosca” (The Fly, 1958), de Kurt Neumann. H.G. Wells, y” El tiempo en sus manos” (The Time Machine, 1960), de George Pal

            En la década de los sesenta, se alternó una imagen amenazante del extraterrestre, fijada en obras como “El pueblo de los malditos” (The Village of the Damned, 1960), de Wolf Rilla, con otra mucho más ligera, emparentada con el cómic, al estilo de “Barbarella" (1968), de Roger Vadim. Con una reflexión más adulta, “2001: Odisea del espacio” (2001: A Space Odyssey, 1968), de Stanley Kubrick, ofrecía una perspectiva realista del porvenir científico, deslizando una meditación en torno al origen de la inteligencia humana y a las posibilidades de la inteligencia artificial

               La fascinación por una idea mesiánica de los extraterrestres queda de manifiesto en “Encuentros en la tercera fase” (Close Encounters of the Tirad Kind, 1977) y en” E.T., el extraterrestre” (E.T. The Exttra-Terrestial, 1982), de Steven Spielberg. Enfrentándose a esa perspectiva benéfica, “Alien, el octavo pasajero” (Alien, 1979), de Ridley Scott, insiste en la imagen amenazante de los alienígenas. Por otro lado, surgen a partir de la década de los setenta constantes adaptaciones de teleseries y cómics populares. En esta dirección, destacan “Star Trek, la película” (Star Trek, the Motion Picture, 1979), de Robert Wise, y “Superman” (1978), de Richard Donner. Con el renacer del temor atómico, se dieron creaciones como “Mad Max, salvajes de la autopista” (Mad Max, 1978), de George Miller, donde se dibujaba un terrible futuro post-apocalíptico. Insistiendo en la faceta menos deseable de ese futuro, ofrecían sus argumentos la magistral “Blade Runner” (1982), de Ridley Scott, y otras películas como “Terminador” (The Terminator, 1984), de James Cameron,” Robocop” (1987) y” Desafío total” (Total Recall, 1992), ambas de Paul Verhoeven

       A partir de la década de los noventa, el apogeo de los trucajes digitales en el campo de los efectos especiales dio nuevos bríos al puro entretenimiento visual, competente pero exento de otras connotaciones. Películas como “Parque Jurásico” (Jurasic Park, 1993), de Steven Spielberg, e “Independence Day” (1996), de Roland Emmerich, sirven de ejemplo a esa tendencia, que aún continúa siendo la dominante en el género

  

HUMOR

     Atiende a lo disparatado, a lo ridículo y absurdo de ciertos momentos de la vida.

      Se le denomina también “género cómico”.En este cine suele tener especial importancia el “gag”,o idea cómica desarrollada a lo largo de un número y que sorprende al espectador por lo inesperada. A veces la historia no es más que un pretexto para ensartar una serie de “gags”.

 Este cine de humor se inicia ya antes de la primera Guerra Mundial, constituyendo ya su “época mítica”,aunque la comicidad fue un poco anárquica. Juntamente con el Documental fueron los dos primeros géneros en aparecer, pues el artilugio del cine se encontraba en las “barracas de feria”, como un espectáculo más.Su referencia teatral era el Teatro de Variedades, y dentro de él El Vodevil. Inicialmente no hay importantes diferencias entre la “comedia” y el “cine cómico o de humor”,mezclando el humor nacido del simple diálogo o acción dramática de la comedia con la acrobacia y la convención visual del cómico. Señalemos en esta línea “El regador regado”(The biter bit” 1897,), humor que hoy sigue practicando Rowan Atkinson, con el popular personaje británico” Mr Been”

     En los años 20 surge su “etapa clásica” con un humor más racionalizado,  Es la época del gran cómico HAROLD LLOYD, la época de los “años locos” del cine mudo. Creó el personaje de un optimista y despistado individuo con gafas en largas secuencias de persecuciones con espeluznantes peligros que exigían proezas circenses, que mostraban el enfrentamiento entre el hombre y la realidad(“El Mimado de la Abuelita”,”El hombre mosca”..).Otro gran importante actor fue BUSTER KEATON que representaba el tipo con pajarita siempre caída y notable sentido del ritmo, caracterizado por su máscara de inmutabilidad, que nunca llora ni ríe , y que se llamó “Pamplinas” o “Cara de Palo”(“El maquinista de la general”,”El cameraman”...mudas,).CHARLES CHAPLIN personificando a un vagabundo de anchísimos pantalones, enormes zapatos, bombín y bastón de bambú, pasando del payaso travieso a la figurara humana y compasiva(“Charlot vagabundo”,”La quimera del oro”,”El Circo”..mudas ,y las  sonoras “Tiempos Modernos” ,“El Gran Dictador”,”Candilejas”...).

            Entre las estrellas que triunfaron durante ese periodo figuran también  MAX LINDER(“Siete Días de mala suerte”,…) HARRY LANGDON( “El Olvidadizo Payaso”…, )y LAUREL Y HARDY(apodados en los países hispanohablantes "el Gordo y el Flaco", “The British Tour”…)

    Humor característico de los años 30 fue el de los HNOS MARX, con un amor incisivo, absurdo, conectado con las situaciones surrealistas .Cada hermano asumía un tipo. Groucho lucía un llamativo bigote ,fumaba puros y hablaba sin parar, con un ingenio cáustico. Harpo hacía de mudo ,tocaba el arpa, perseguía a las mujeres e iba desastrosamente vestido. Chico, el más descarado, hablaba con acento italiano y tocaba el piano.(“”Sopa de Ganso” , “Los Hnos Marx en el Oeste”, “Un día en las carreras”...)Influyen mucho en Woody Allen.

      Durante los años cincuenta destacó JERRY LEWIS, quien crea un humor que reposaba en su trabajo de actor,de una flexibilidad delirante. El conformismo se aliaba con el infantilismo de la sociedad consumista (“El Botones”...).  

       Dentro del mundo latinoamericano destacó MARIO MORENO “CANTINFLAS”” ,quien encarna un personaje desmañado y malhablado ,pero entrañable, caracterizador del “pelao mejicano”,humilde ,tierno, ingenuo y pícaro, que asumía las desgracias que venían para salir airoso al final(“Ahí está el detalle”,”Los tres mosqueteros”,”El bolero de Raquel”,”Romeo y Julieta.).

        En los años 70-80 destacó el humor de algunas películas de WOODY ALLEN. Todo giraba sobre sí mismo y sus películas desembocaban a menudo en una simple broma,tan laboriosa como cerebral (“Annie Hall”.”Todos dicen te quiero”, “Bananas”…

      MUSICAL

   Al referirnos al género musical, aludimos a todas aquellas producciones cinematográficas que incluyen canciones o temas bailables en una parte fundamental de su desarrollo dramático. En su totalidad, las variantes del cine musical tienen una raigambre teatral, como sucede con las operetas alemanas, los musicales de Broadway, las zarzuelas, las óperas e incluso los conciertos de rock, cuya adaptación al cine ha contribuido a popularizar entre el público todas esas fórmulas escenográficas. Por otro lado, en la gran pantalla se han consolidado espectáculos de carácter localista, como el cinéma musette que en Francia desarrolló Maurice Chevalier; el musical rioplatense, centrado en figuras como C. Gardel y Libertad Lamarque; y la comedia ranchera mexicana, iniciada por el largometraje “Allá en el Rancho Grande “(1936), de F.de Fuentes.

   Obviamente, el cine musical fue uno de los grandes lanzamientos de la industria hollywoodense cuando surgió el cine sonoro. De hecho, en 1928, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood concedió un galardón especial a la compañía Warner Bros. por su película “El cantor de jazz” (The Jazz Singer, 1927), de Alan Crosland, primer filme sonoro y primer musical de la historia, que incluía canciones de autores tan famosos en aquel tiempo como Irving Berling y Jimmy Monaco. A este filme siguieron otros del mismo tono, al estilo de “La melodía de Broadway” (The Broadway Melody, 1929), de Harry Beaumont, “¡Música, maestro!” (On With the Show, 1929), de Alan Crosland; y “El desfile del amor” ( The Love Parade, 1929), de Ernst Lubitsch. Progresivamente sofisticado, cada vez más eficaz en su puesta en escena, el musical cinematográfico dio lugar a obras tan notables como “Rose Marie” (1935), de W. S. Van Dyke, que además hizo de sus protagonistas, Jeannette MacDonald y N. Eddy, dos estrellas de gran renombre.

                   A partir de su definitiva tipificación en el seno de la industria, el musical se convirtió en sinónimo de elegancia y fastuosidad escénica. Ejemplos de esa tendencia son” La viuda alegre” (The Merry Widow, 1934), de Ernst Lubitsch, “La alegre divorciada” (The Gay Divorcee, 1934) y “Sombrero de copa” (Top Hat, 1935, ambas de Mark Sandrich. Estas dos últimas cintas consolidaron asimismo a una de las parejas más conocidas del género, Fred Astaire y Ginger Rogers.

               Con el paso del tiempo, el público llenó las salas de cine para asistir a la proyección de títulos como “La melodía de Broadway” 1938 (Broadway Melody of 1938, 1937), de Roy del Ruth, “El Mago de Oz” (The Wizard of Oz, 1939), de Victor Fleming, “Cita en San Luis” (Meet Me in Saint Louis, 1944), de Vincente Minnelli, “El desfile de Pascua” (Easter Parade, 1948), de Charles Walters, y “Un día en Nueva Cork” (On the Town, 1949), de Stanley Donen. Las distintas compañías, atentas a esa demanda popular, crearon equipos dedicados exclusivamente a la elaboración de musicales. Así, aparte de contar con estrellas como Gene Kelly, Rita Hayworth, Judy Garland y Betty Grable, la industria dio a conocer a creadores dedicados al diseño de este tipo de producciones. Por ejemplo, la unidad que Arthur Freed dirigió en la Metro Goldwyn Mayer, diseñó películas como “Cantando bajo la lluvia” (Singin’in the Rain, 1952), de Gene Kelly y Stanley Donen, cuyo reparto encabezaron Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds y Cyd Charisse; “Un americano en París” (An American in Paris, 1951), “MELODÍAS DE BROADWAY  (The Bad Wagon, 1953), Gigi (1958), y Brigadoon (1954), todas ellas dirigidas por Vincente Minnelli. Al mismo periodo de esplendor corresponden largometrajes como “Siete novias para siete hermanos” (Seven Brides for Seven Brothers, 1954) de Stanley Donen, “Alta sociedad” (Hight Society, 1956), de Charles Walters, y “El rey y yo “(The King and I, 1956), de Walter Lang.

             

                 Durante la década de los sesenta, se alternaron producciones influidas por estilos como el pop y el rock, en la línea mostrada por “¡Qué noche la de aquel día!” (A Hard Day’s Night, 1964), de Richard Lester, y otras que siguieron la fórmula clásica, como la ambiciosa “West Side Store” (1961), de Robert Wise y Jerome Robbins, “My fair lady” (1964), de George Cukor, “Sonrisas y lágrimas” (“The Sound of Music”, 1965), de Robert Wise, y “Mary Poppins” (1964), de Robert Stevenson.

   Ya en los años setenta, prosiguieron las adaptaciones de obras ya estrenadas en Broadway o en los teatros londinenses, como “Cabaret” (1972), de Bob Fosse, “El violinista en el tejado” (The Fiddler on the Roff, 1971), de Norman Jewison; y “El hombre de La Mancha” (Man of La Mancha, 1972), de Arthur Hiller. Planteadas como parodia en cierto modo experimental, “El fantasma del Paraíso” (Phantom of the Paradise, 1974), de Brian de Palma, y “The rocky horror picture show” (1975), de Jim Sharman, atrajeron a un público juvenil, que luego mostró su fascinación con producciones de gran impacto en la industria discográfica, como “Fiebre del sábado noche” (Saturday Night Fever, 1977), de John Badham, y “Grease” (1978), de Randal Kleiser.

           No obstante, pese al éxito de esas películas, el musical entró en un periodo de decadencia, limitándose a medios como el dibujo animado, donde surgieron títulos como” La sirenita” (The Little Mermaid, 1989), de John Musker y Ron Clements. Ni la originalidad de “Corazonada” (One From the Heart, 1982), de Francis Ford Coppola, ni la intensidad musical de “Fama” (1980), de Alan Parker, lograron contrarrestar esa tendencia a la baja, que ha convertido el estreno de musicales en un fenómeno cada vez menos habitual. En todo caso, un formato televisivo, el vídeo-clip, ha heredado buena parte de sus atributos, dirigidos esta vez a la promoción de canciones ( “Scream” Michel Jackson, “Miami”, Will Smith…) Hay Canales Televisivos que promocionan especialmente los Videoclips como MTV, C4TV, VIVA…

COMEDIA

                 Al tratarse de un género teatral con una larguísima tradición, la comedia se adaptó rápidamente al abanico de preferencias de los espectadores cinematográficos. Al igual que sucede con su vertiente escénica, la comedia acredita en el cine una cualidad satírica, bromista, burlesca, con una propensión más o menos marcada hacia el reflejo grotesco de las costumbres sociales.. La separación con el género de cine de humor es muy relativa. Os encontraremos con películas que se hallan entre ambos géneros.

              Pese a recurrir con frecuencia a los estereotipos, la comedia cinematográfica incide en la singularidad psicológica de sus personajes, con frecuencia derrotados por un cúmulo de situaciones que, por azar, logran superar. A imagen de su contrapartida teatral, también el cine de comedia asume diversas tendencias, como la farsa, el vodevil, el sainete y la comedia sentimental, que adapta a las convenciones del lenguaje fílmico.

             La comedia cinematográfica opta, desde sus inicios, por el diálogo ágil y el juego de los equívocos. En los años treinta, Mae West en “No soy ningún ángel” (I’m No Angel, 1933) y W.C. Fields personificaron la comedia pícara tanto en los escenarios como ante la cámara. El absurdo surrealista fue plasmado en el celuloide por los Hermanos Marx en películas como “Una noche en la ópera” (A Night at the Opera, 1935), mientras que Cary Grant en “Luna nueva” (His Girl Friday, 1940) se presentaba como el galán idóneo de filmes vodevilescos, impregnados de un cierto romanticismo en sus tramas. En cierto modo, tales son las tres líneas fundamentales seguidas por la comedia posterior. De hecho, la tradición de Mae West se ha mantenido en la actualidad, cada vez menos matizada y elegante, en producciones con un claro matiz erótico. La comedia alocada y verbal de los Marx fue incluso intelectualizada por humoristas como Woody Allen en obras como “El dormilón” (Sleeper, 1973) y “Annie Hall” (1977). Y la comedia romántica y festiva que en otro tiempo dirigieron cineastas como Howard Hawks –“La fiera de mi niña” (Bringing Up Baby, 1938), “La novia era él” (I Was a Male War Bride, 1949)-, Leo McCarey –“Sopa de ganso” (Duck Soup, 1933),” Tú y yo “(An Affair to Remember, 1957)- y Preston Sturges –“Las tres noches de Eva” (The Lady Eve, 1941) y “Los viajes de Sullivan “(Sullivan’s Travels, 1941)- se mantiene en la actualidad, si bien con una dosis inferior de talento en los diálogos

                   En el desarrollo de la comedia cinematográfica desempeñaron una función destacada el alemán Ernst Lubitsch, especialmente con “La viuda alegre” (The Merry Widow, 1934) y “Ser o no ser” (To Be or not To Be, 1942), y el austríaco Billy Wilder, director entre los más grandes, con excelentes títulos como “Sabrina “(1954), “Con faldas y a lo loco” (Some Like It Hot, 1959) o” El apartamento” (The apartement, 1960), que llevaron al cine estadounidense el ritmo incansable del vodevil centroeuropeo. Progresivamente trivializado y cada vez más pueril, el cine de comedia de las últimas décadas ha recogido su principal inspiración de la pequeña pantalla. De ahí que, por ejemplo, el cine de los ochenta se caracterizase por la presencia de cómicos procedentes de la televisión, como Steve Martin, Richard Pryor, Chevy Chase, Dan Aykroyd, Eddie Murphy, John Belushi, John Candy y Bill Murray.

                Como sucede con otros géneros cinematográficos, la comedia se ha entremezclado con otras tendencias temáticas y hoy está ligada a producciones de género aventurero donde no escasean las situaciones cómicas.

MELODRAMA 

                 Si existe una categoría temática difícil de establecer en el cine, ésa es la del melodrama. La razón es bien simple: sus estrategias estilísticas y sus cualidades argumentales (sentimientos desaforados, golpes de efecto en la línea dramática, redención de los personajes a través del afecto, preeminencia del estereotipo folletinesco) son aplicables a la inmensa mayoría de las películas existentes. Por un reduccionismo ciertamente inexacto, tendemos a relacionar la palabra melodrama con filmes como “Tiempo de amar, tiempo de morir” (A time to Love and a Time to Die, 1957) o “Imitación a la vida “(Imitation of Life, 1959), de Douglas Sirk; “Lola Montes” (1955), de Max Ophuls,” Doctor Zhivago” (1965), de David Lean, o “Love Story” (1970), de Arthur Hiller.

             Dicho reduccionismo conduce a pensar que un melodrama cinematográfico es, simplemente, una película romántica, de efecto lacrimógeno, en la que los personajes ven contrariados sus sentimientos. Pero, como veremos, la estirpe melodramática es mucho más amplia, e identifica toda una rama de lo que suele llamarse metaliteratura o literatura popular, y que engloba desde el folletín de aventuras hasta la novela rosa. Aplicado al cine, el término vendría a describir, más que un género, una forma de narrar, basada en los giros súbitos de la acción, el juego simplificado de connotaciones morales y el resorte sentimental y apasionado que mueve a los personajes. Dicho de otro modo, un uso preciso del término melodrama afectaría a la práctica totalidad de la producción de Hollywood.
              En su origen teatral, el melodrama era un espectáculo en el cual los pasajes musicales y los dialogados se alternaban. A partir de ese criterio, surgieron modelos como la opereta y el vodevil. Fue Jean-Jacques Rousseau quien elaboró el primer melodrama, "Pygmalion", estrenado en 1770. Pero el término acabó desbordando el lenguaje musicológico, hasta abarcar otro tipo de funciones muy efectistas, como las obras de teatro decididamente románticas o las terroríficas piezas teatrales que escenificaban los autores del Teatro del Grand Guignol, especializado en el horror y el misterio más subyugantes. En la cultura de masas del siglo XX, este género llegó al cine y a la televisión, fijando entre sus argumentos más eficaces aquellos que narran la fatalidad, los amores contrariados, la entrega familiar, y en suma, todo lo sentimental.

           Su forma más dulcificada sería el llamado cine romántico. Por otro lado, el género ha ido tomando formas nacionales que ya son clasificables como subgéneros. Por ejemplo, el masala film, propio de la India, combina el melodrama con otros géneros como el musical. El melodrama mexicano, al estilo de “En tiempos de don Porfirio” (1940),”Amapola del Camino”… de Juan Bustillo Oro, “María Candelaria” (1944), de Emilio Fernández, y “Aventurera” (1949), de Alberto Gout, anticipa lo que luego serían las telenovelas latinoamericanas, por lo común centradas en heroínas en busca del cariño verdadero. En buena medida, esa faceta televisiva ha sido la que mejor y más ampliamente ha cultivado la vertiente amorosa del género melodramático.

  AVENTURAS

                   El género de aventuras tiene como cualidad fundamental el sentido épico de su relato. Dicho de otro modo, toda película de estas características se fundamenta en una peripecia protagonizada por un héroe o conjunto de héroes. Dado que se trata de un modelo dramático sin una ambientación específica, conviene aclarar que el género de aventuras puede generar argumentos de inspiración policíaca, histórica o bélica. De hecho, esta variedad cinematográfica engloba subgéneros como el cine de espías, el cine de aventuras selváticas, el cine de artes marciales y el cine de capa y espada. En cualquier caso, las tramas suelen reproducir un modelo de orden legendario, nacido en las antiguas sagas mitológicas, reforzado por la novela de caballerías y, finalmente, actualizado a través de la literatura folletinesca.

              En lo que concierne a sus estrategias narrativas, el cine de aventuras suele buscar la máxima atención por parte de los espectadores, y para ello prolonga situaciones peligrosas, poniendo en vilo su resolución. Con ese fin, recurre a una fórmula ya empleada en los antiguos seriales cinematográficos, donde cada episodio concluía con el mayor de los riesgos para el protagonista, resolviéndolo en la siguiente entrega. Por otro lado, los personajes arquetípicos de la aventura en el cine (los pioneros y descubridores, los soldados heroicos, figuras sobrehumanas al estilo de Tarzán, forajidos y piratas, etc.), fueron antes frecuentados en la novela, y en este medio es donde realzaron sus cualidades. De ahí que, a la hora de medirse con lo extraordinario, los personajes de este tipo de cine reiteren las mismas pautas que antes popularizó la literatura. Es decir, el juego romántico, el compromiso con los valores morales y la lucha por reinstaurar la justicia perdida.

               En cierto modo, un filme como “La guerra de las galaxias” (Star Wars, 1977), de George Lucas, acredita el modo en que el género de aventuras sirve una mezcla de temas e incluso de géneros. No en vano, la historia de ciencia-ficción diseñada por Lucas reúne ingredientes del cine bélico, la comedia, el cine de samurais, el western y el cine de capa y espada.

                En numerosas ocasiones, el género aventurero busca sus argumentos en el pasado. Así, mientras “El halcón del mar” (The Sea Hawk, 1940), de Michael Curtiz, reiteraba una piratería de matiz caballeresco, filmes como “Sansón y Dalila” (Samson and Delilah, 1949), de Cecil B. De Mille, o “Tierra de faraones “(Land of the Pharaohs, 1955), de Howard Hawks, rastreaban el pasado más remoto para moldear sus invenciones. No pocos filmes de carácter histórico, al estilo de “Aventuras de Quintin Durward” (The Adventures of Quentin Durward, 1955), de Richard Thorpe, pueden ser englobados asimismo en el género histórico.

                  El ya mencionado modelo literario del folletín de aventuras halló un territorio muy propicio en los Estados Unidos, donde fue cultivado ampliamente en numerosas publicaciones durante el primer tercio del siglo XX. En homenaje a ese tipo de obras literarias, Stephen Sommers rodó “La momia” (The Mummy, 1999), y Steven Spielberg dirigió la saga compuesta por “En busca del Arca Perdida” (Raiders of the Lost Ark, 1981), “Indiana Jones y el Templo Maldito” (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984) e “Indiana Jones y la última cruzada” (Indiana Jones and the Last Crusade, 1989). Sin duda, uno de los maestros del folletín estadounidense fue Edgar Rice Burroughs, creador de las novelas de Tarzán. Dicho personaje, convertido en mito moderno, dio origen a producciones de tanto éxito como “Tarzán de los monos “(Tarzan of the apes, 1918), de Scott Sidney, “The romance of Tarzan” (1918), de Wilfred Lucas, “The return of Tarzan” (1920), de Harry Revier, “The adventures of Tarzan” (1922), de Robert F. Hill, “Tarzan and the golden lion” (1927), de J. P. MacGowan, y “Tarzán de los monos” (Tarzan the Ape Man, 1932), de W. S. Van Dyke, entre otras muchas.

                     El paradigma de la novela de aventuras en Europa vendría señalado por el italiano Emilio Salgari y por el francés Julio Verne. En el caso de este último, cabe mencionar, entre otras tempranas adaptaciones de sus obras al cinematógrafo, “Miguel Strogoff” (1910), de J. Searle Dawley, “Les enfants du Capitain Grant “(1912), de Henri Rusell, “Miguel Strogoff” (1914), de John Ince, y “Twenty thousand leagues under the sea “(1916), de Stuart Paton, entre otras.

                   Entre las adaptaciones literarias, cabe citar el subgénero llamado de espada y brujería, ambientado en un pasado remoto donde la magia y la guerra configuran la acción. A él corresponden títulos como “Conan el bárbaro” (Conan the Barbarian, 1982), de John Milius, inspirada en relatos escritos por Robert E. Howard, y “El Señor de los Anillos:La Comunidad del Anillo” (The Lord of the Rings: The Fellowship of the Rings, 2001), de Peter Jackson, basada en la novela homónima de J.R.R. Tolkien., o las últimas películas del libro “Harry Poter” de la novelista Joane K. Rowling

ANIMACIÓN

              Más que una tendencia temática asimilable a determinado tipo de argumentos, el cine de dibujos animados define una técnica que sustituye la filmación de actores y escenarios por el uso de ilustraciones, muñecos articulados o planos infográficos o computerizados, animados, toma a toma, hasta lograr la sensación de movimiento. De ese modo, el elemento estático es combinado con otros, ordenados en una sucesión coherente, de manera que, en virtud de una manifestación de la óptica —la llamada persistencia de la visión o persistencia retiniana-, nuestro cerebro asume ese proceso cual si de un movimiento auténtico se tratase. En cierto modo, ese mismo fenómeno es el que explica que podamos disfrutar de cualquier filme, pues éste no es otra cosa que una sucesión de fotogramas en el celuloide.

                  Artilugios precursores del cinematógrafo, como el zoótropo, son citados como antecedentes del cine de animación, pues en no pocos casos empleaban dibujos que, por ese efecto óptico que señalábamos, se animaban ante la mirada del espectador. Ya usando el cinematógrafo, Georges Méliès descubrió el trucaje logrado al rodar ciertas escenas fotograma a fotograma. Si un objeto o dibujo era cambiado de posición, filmándolo a intervalos regulares, se lograba ese efecto de animación. Siguiendo este principio, James Stuart Blackton rodó en 1900 “The enchanted drawing”, una de las primeras producciones de este orden. Asimismo, el dibujante norteamericano Winsor McCay elaboró el filme “Little Nemo” (1911), inspirado en su historieta Little Nemo in Slumberland. Otro personaje del cómic, “Krazy Kat”, creado en 1910 por George Herriman, llegaba al cine por las mismas fechas.

             Pero la verdadera revolución en esta técnica se debe a Walt Disney y Ub Iwerks, creadores del ratoncito “Mickey Mouse”, que fue el protagonista de “Steamboat Willie” (1928), el primer lanzamiento sonoro de la Walt Disney Productions. Con “Blancanieves y los siete enanitos” (Snow White and the Seven Dwarfs, 1937), la compañía de Disney estrenaba el primer largometraje de dibujos animados, y de ese modo inauguraba una pujante industria, impulsada por una creciente mercadotecnia de productos derivados. Siguiendo el mismo criterio, los hermanos Dave y Max Fleischer rodaron numerosos cortometrajes protagonizados por figuras como “Betty Boop” y “Popeye”, así como un largometraje de animación realista, “Los viajes de Gulliver” (1939). Por las mismas fechas, Walter Lantz creó su propia compañía, lanzando al mercado de la animación los cortometrajes del “Pájaro Loco” (Woody Woodpecker). En un terreno más caricaturesco, la compañía Warner Bros. dispuso de artistas como Tex Avery, Chuck Jones, Fritz Freleng, Frank Tashlin y Bob Clampett. De todos ellos, destaca el trabajo de Chuck Jones, diseñador de personajes como el conejo” Bugs Bunny”,” el Coyote”, “el Correcaminos” y “el Pato Lucas”.

                En el dibujo animado europeo sobresalen figuras como el animador ruso Iván Ivanov-Ivano, y los dibujantes belgas de los estudios Belvisión, responsables de los filmes dedicados a personajes como “Tintín” y “Astérix”. También goza de fama la Escuela de Zagreb, representada por artistas como el yugoslavo Dusan Vukotiç. Al checo Jirí Trnka se deben bellísimas producciones realizadas con muñecos articulados, como “El ruiseñor del emperador” (Císaruv Slavik, 1948) y” Viejas leyendas checas” (Stare Povestí Ceské, 1953). En buena medida, su técnica ha sido actualizada por el norteamericano Henry Selick, director de películas como “Pesadilla antes de Navidad” (The Nightmare Before Christmas, 1993) y “James y el melocotón gigante “(James and the Giant Peach, 1996). La alemana Lotte Reiniger buscó su inspiración en el teatro de sombras chinescas para desarrollar largometrajes como “Las aventuras del príncipe Ahmed” (Die Abenteuer des Prinzen Ahmed, 1926).

                 Otro de los polos de la animación internacional es Japón, donde se practica el llamado anime, o cine de dibujos animados japonés, desarrollado gracias al trabajo de dibujantes como Osamu Tezuka, especializados en adaptar sus creaciones tanto al cine como a la pequeña pantalla. Películas niponas como “Akira” (1988), de Katsuhiro Otomo;” Monster City” (1988), de Yoshiaki Kawagiri y Yuji Ikeda; y “Nausicaa del Valle del viento” (1984), de Hayao Miyazaki, han otorgado un merecido prestigio a esta cinematografía.

         En la actualidad, destacan en este panorama las figuras de Jeffrey Katzenberg, antiguo director de animación de Walt Disney Pictures y actual jefe de la unidad de animación de los estudios DreamWorks, y Michael Eisner, actual presidente de Disney. Recientes películas de dicha productora, como “La sirenita” (The Little Mermaid, 1989) y “La bella y la bestia” (Beauty and the Beast, 1991), han conseguido impulsar un mercado de creciente influencia económica y cultural. Uno de los técnicos de dicha compañía, John Lasseter, ha desarrollado con elevado talento la animación digital, ejemplificada en títulos como” Bichos”, una aventura en miniatura (A Bug’s Life, 1999) y “Monstruos S.A.” (2001), que además han logrado un gran rendimiento mercantil en campos como la juguetería, las franquicias alimentarias y el vídeo-juego, cada vez más vinculados al negocio del 

 POR SU ESTILO

        En función de  las corrientes artísticas o de su estilo, es decir, del modo peculiar de tratar el tema, el cine  ofrece también un recorrido histórico en paralelo con otras artes, de manera especial con las Vanguardias Artísticas. Así, podríamos hacer estas clasificaciones:

       NATURALISTA o CINEMA VERITÉ

     Cuando expone el tema en forma objetiva y estimula al espectador a que juzgue por sí mismo.

         Es el cine característico de los “documentales”, en el que se adopta habitualmente un tono o enfoque de objetividad. Aparte del cine que hemos señalado, son grandes representantes del cine naturalista, los italianos Antonioni, Rossi...el brasileño Rocha...

      REALISTA

      Se pretende llegar a lo más profundo de la realidad, reflejándola tal y como es.

     Es el cine característico de las realidades sociales de posguerra, cuando se intenta levantar acta de ellas.

      Es un cine con rodaje principalmente en exteriores y con luz natural. A este cine se le llamó “Neorrealista” en Italia y américa Se había iniciado en Italia y se expande posteriormente por Europa y América.Destaquemos a R.Rosellini,Vittorio de Sica, L.Visconti..En Francia recibe el nombre de “Nouvelle Vague”(Claude Chebrol,F.Truffaut,J.L.Godard, y en G.Bretaña el “Free Cinema” (T Richardson,L.Anderson...).En España se denomina “Cine Realista” de los 50 y primeros sesenta (con J.A.Bardem y L. García Berlanga).

     Muchas películas que adoptan tonos de denuncia de la sociedad suelen adoptar la forma del realismo.Así mismo podríamos calificar de realista la mayoría de las películas policíacas americanas

    Surrealista

       Se pretende penetrar en el subconsciente humano y describir lo que en él acontece,llevando al cine muchas de las teorías de Freud,Jung...

       Este cine surgió en los años 30 inicialmente,junto a la vanguardia literaria y pictórica del surrealismo de A.Breton,Neruda,S.Dalí,V.Aleixandre,etc. Posteriormente reaparece en  muchos films experimentales de Europa y en América tras la superación de la etapa “realista” de los años 50-65...

      Es característicamente “surrealista” el  primer cine de nuestro gran cineasta Luis Buñuel,cuando lleva al campo del cine la vanguardia artística del “surrealismo” allá por los años 30.También se han de señalar algunas películas del sueco Ingmar Bergman ,, de  los italianos F.Fellini y B.BertolucciOtro autor que destaca por el tratamiento surrealista de algunas de sus películas es Carlos Saura

    Ejs. “Un chien andalou”,”L´ Age d´Or”.(Buñuel).. “Cría Cuervos”(Carlos Saura)

Expresionista  

         Cuando todos los elementos de la imagen y del sonido giran en torno a potenciar al máximo la expresión...(rasgos de personajes, efectos de luz y sombra, así como muchas potencialidades de la cámara y su imagen...).Cine que tuvo, aparte de otras películas, un momento característico, el de los primeros años del cine mudo(años 10-40),cuando se desarrolló la vanguardia artística del “expresionismo” en la pintura, la literatura y en todas las artes. El “expresionismo”, con sus deformaciones, estuvo principalmente -no siempre- al servicio de la crítica social y de los valores humanistas.

        Ejs. El cine de Charles Chaplin, Harold Lloyd ,Buster Keaton...con esa visión distorsionada del ser humano, esclavo de la Revolución Industrial...es característicamente expresionista. El cine de terror,así como muchas películas de “cine negro” presentan rasgos expresionistas.

  Ideológico

        Si en la película todo aparece impregnado de una problemática filosófica sobre la existencia.

      Ejs. Algunas películas de Ingmar Bergman,especial seguidor del existencialismo europeo del siglo XX,el cine religioso de Dreyer ...

 (...)

7.-HISTORIA DEL CINE 

 7.A.-LOS INICIOS Y EL CINE MUDO

    Los orígenes del cinematógrafo se remontan al siglo XVII,con la “linterna mágica”,invento del alemán Atanasio Kircher.Pero esta novedad consistía simplemente en un perfeccionamiento de la “cámara oscura”,que ofrecía imágenes inmóviles y venía siendo utilizada como juguete de recreo desde hace tiempo..

   Durante la segunda mitad del XIX se hicieron populares en Salones de Diversión Juegos de Animación como el que descubrió que si 16 imágenes se hacen suceder en un segundo,la persistencia de la visión las une y hace que se vean como una sola imagen en movimiento(Zoótropo y Praxinoscopio).Esto se realizaba con “dibujos”,pero los avances en la fotografía de H.Fox Talbot y L.Daguerre permitieron hacerlo ya  con “fotografías”.

       T.Alva Edison patentó el” kinetoscopio”,un artilugio que perrmitía seguir 15 metros de película,incluso con un rudimentario sonido.Era un artefacto que funcionaba con monedas en los espectáculos de feria.Por fin los Hnos L. y A.Lumière presentaron públicamente “El Cinematógrafo” en 1895,un invento que era “Cámara”,”Copiadora” y “Proyector”,produciendo ellos mismos una serie de “Cortometrajes” documentales((“Obreros saliendo de la Fábrica Lumière”,”Olas rompiendo en la orilla del mar”...).

      Fue el francés Georges Méliès,quien llevó las primeras aplicaciones del Cine más allá del documental,recreando narrativamente la realidad o inventándola(“El Caso Dreyfus”,”Viaje a la Luna”...,donde realiza los primeros experimentos del trucaje,mediante la detención de la cámara en la toma y recolocando o haciendo desaparecer objetos.

    La otra gran película americana que inicia el despegue de las posibilidades del cine es la del americano E.S.Porter,que en los Estudios-Laboratorios Alva Edison  produjo la primera película estadounidense interesante,en ocho minutos,”Asalto y Robo de un Tren”.

    Inicialmente el “trust” norteamericano Motion Pictures Patents Company monopolizó la naciente industria en películas de una o dos bobinas,rechazando los títulos o créditos de actores.El año 1912 la Ley Antitrust  permitió a los Productores crear sus propias compañías,llegando las primeras obras de calidad y de mayor extensión(“Quo Vadis?” de Enrico Guazzoni. De este modo es Italia la que en las fechas anteriores a la Primera Guerra Mundial crea la producción cinematográfica más potente,con el añadido de los créditos de actores y mayor número de bobinas.

    En EE.UU. el cineasta más influyente de los inicios fue D.W Griffith,creador de varias películas,de las primeras estrellas,y de avances en la técnica del cine.Destacan “Judit de Betulia” y  principalmente “EL Nacimiento de una Nación” , en 1915 con 12 bobinas,una duración para entonces asombrosa(Tono reaccionario por su defensa del Ku Klux Klan), e “Intolerancia” ,donde retrata a través de cuatro historias el fanatismo humano.

        Hacia 1920 proliferaron las Salas de Cine por algunas zonas europeas y principalmente por los EstadosUnidos.Entonces la Industria se traslada de N.York a Hollywood,pequeña localidad californiana junto a Los Angeles,donde los Productores  construyen sus propios Estudios.Se determinó el trabajo por unidades-películas,por lo que un Productor Ejecutivo podía estar supervisando la creación simultánea de varias películas.esto suponía realmente la Industria Norteamericana del Cine.Así se producían cientos de películas al año(la mayoría “westerns”,”comedias humorísticas” y “elegantes melodramas”.Entonces destacó también el especializado en la Guerra Civil Estadounidense Thomas Harper Ince

     Max Sennett se convirtió en el rey de la comicidad,mezclando “espectáculos de variedades”,”vodeviles” y la “pantomima teatral”(lanzando las primras películas cómicas de Harold Lloyd y Charlie Chaplin,la primera estrella internacional.

     Dentro del mundo latinoamericano destacó la importante y temprana producción mejicana con espectáculos socio-floklóricos de mariachis y relativos a la Independencia y Revolución de Méjico. ( Creación de la famosa AZTECA FILM)

    En Europa la producción italiana,británica y nórdica decayó tras la Primera Guerra Mundial,pero empezaron a despegar  las Producciones Alemanas,Soviéticas y Francesas

    En Alemania destacaron producciones de “técnica expresionista”,preocupada por la estilización formal y por el tratamiento de temas sobrenaturales(“El Gabinete del Doctor Caligari” de Robert Wienne...”Nosferatu,el Vampiro” de F.W Murnau, y la concepción crítica de una sociedad robótica controlada por un gran poder industrial en la que los obreros están reducidos a la condición de esclavos,como vemos en “Metrópolis”,la gran película de Fritz Lang.  El cine alemán obtuvo un despegue y una producción admirables a finales de los veinte y primeros de los treinta,pero la llegada del nazismo determinará el exilio de los grandes realizadores,como F.Lang, a la industria de Hollywwood.

     Los Soviéticos habían nacionalizado la industria cinematográfica que pusieron al servicio de la Revolución de Octubre.Un cine realista,contrario al espírutu introspectivo del cine alemán.Destaquemos a S.M.Eisenstein (“El Acorazdao Potemkim” 1925,”Octubre” ) y “V.I. Pudovkin,creador de  “El fin de S.Petesburgo”,1927.

   En Francia surge, tras la Primera Guerra, una producción importante,que recibe el nombre de “cine impresionista”,que es una modalidad de “cine realista” + algunos experimentos de cine de vanguardia.Es la época del gran teorizador,director y editor de Revistas de cine Louis Delluc  (creador de “Fiebre”,1921 ,retrato de las vida e las clases populares)René Clair (Un Sombrero de Paja en Italia , una imaginativa comedia,especie de farsa popular del siglo XIX)Abel Gance  desarrolló cine histórico y grandioso,como “Napoleón·”.

     Por entonces el danés C.T. Dreyer realizó en Francia la gran película religiosa -existencial de “La Pasión de Juana de Arco” un gran clásico del cine mudo mundial.

     En España la primera pelícuila es la Eduardo Jimeno “Salida de la Misa de Doce del Pilar de Zaragoza”,un documental de 1897.La primera película con argumento es la del barcelonés Fructuoso Gelabert,”Riña de Café”, a la que siguieron “El Hotel Fantástico”  de Segundo Chomón,recogiendo sapectos fantásticos y trucajes,todo un virtuosismo.

   Surgieron las tres `productoras iniciales HISPANO FILMS, FILMS BARCELONA  e IRIS FILM. Fueron muy famosas las películas de zarzuelas(“La Revoltosa”,”Gigantes y Cabezudos” ,ambas de Florián Rey,quien obtuvo el mayor éxito con “La Aldea Maldita” de 1929.

  Con la llegada del sonoro aparece el importante cineasta Benito Perojo , quien realiza “La Verbena de la Paloma” en 1935,siendo el más afamado director y mejor conocido internacionalmente durante la 2ª República,trabajando también en Berlín,París y Hollywood.

 La película más importante del cine mudo fue la dwe nuestros gran cineasta L.Buñuel..”Las Hurdes,tierra sin pan” (1932).

    Todos estos años ofrecieron,en general,una producción,en la que empezaron a aparecer las primeras estrellas,tales como Rodolfo Valentino,John Barrymore , Greta Garbo, Clara Bow, Harold Lloyd,Buster Keaton,Ch. Chaplin...  las producciones estuvieron reguladas por un “código moral” internacional creado en Hollywood, “El Código Hays”(que en estados Unidos persistieron hasta 1968)

7B.-LA APARICIÓN DEL CINE SONORO

           En  1927 se lanzó la primera película “sonora”,”El Cantor de Jazz” , de Alan Crosland. El sistema utilizado era el Vitaphone , consistente en que los diálogos provenían de grandes discos sincronizados con la acción de la pantalla.En 1931 este sistema apareció superado por el “Movietone”,inventado por Lee de Forest ,que grababa el sonido directamente en una banda lateral de la película.

       El cine sonoro promovió la adaptación cinematográfica de novelas...,siendo moda el llevar a la pantalla novelas de éxito o novelones románticos,muy propio de Hollywood,tales como “Cumbres Borrascosas” 1939) de W.Wyler, o “Lo que el viento se llevó” de Víctor Fleming.Se promovieron mucho las películas de gánsters , musicales y de terror. Surgen así toda una nueva promoción de estrellas,tales como Fred Astaire,Ginger Rogers,Hnos Marx,Clark Gable,Catherine Hepburn,Humphrey Bogart,Marlene Dietrich

             Swstacaron como grandes realizadores los americanos Frank Capra,J.Ford y Orson Welles.. ,el francés  Jean Renoir , los alemanes L.Riefensthal y J.V. Sternberg,el británico Alfred Hitchcock.

7 C.- EL CINE EN COLOR

       Desde 1933 existía un sistema en Technicolor en tres colores, que se empleó principalmente en películas musicales por la MGM.En la década del 50 el color empezó a generalizarse en muchas películas,perfeccionado en los años 60,quedando el blanco y negro para crear efectos especiales en algunas películas como las de Hitchcokc.

     En la posguerra el cine sufrió la competencia de la televisión,decayendo la audiencia.Por entonces el cine ofreció los avances del “cinerama”(grabación desde tres cámaras que del mismo modo proyectaban sobre la pantalla.El “cinemascope” facilitó el avance del cinerama con la disposición de pantallas más amplias y ligeramente curvadas, a lo que añadió el sonido estereofónico ( Avances marcados por las películas “Ha nacido una estrella”(1954) de George Cukor, y “Oklahoma” (1955)  de Fred Zinnemann.

                 (Durante un breve tiempo apareció el cine en tres dimensiones,consistente en superposición de dos imágenes distintas de la misma escena,cada una tomada con un filtro de color distinto y desde un ángulo diferente;esto requería el empleo de unas gafas del color utilizado en los filtros,pero se trató de una moda pasajera(Destaca la realización de “Los Crímenes del Museo de Cera”-1953 de André Toth).

           A finales de los cincuenta la Industria Cinematográfica Norteamericana decreció en favor del éxito de la japonesa y europea.

      La recuperación surge en las últimas décadas con una serie de directores que saben fusionar la tradición americana con las aportaciones europeas.,adoptando las tendencias europeas y trabajando con distintas distribuidoras.

       Destaquemos a Stanley Kubrick,director independiente con interesantes reflexiones morales sobre la sociedad y los avances científicos,”¿Teléfono rojo?Volamos hacia Moscú” ,una interesante reflexión crítica sobre la “guerra fría” ,””2001,una Odisea en el Espacio” ,que llevó a su cima la ciencia ficción,”Barry Lindon”,un relato histórico del XVIII,”La Naranja Mecánica”,fábula moral y reflexión sobre la violencia en el mundo moderno,”Senderos de gloria”,una de las mejores películas antibélicas de la historia.

   Woody Allen,tras una serie de películas de renovación del “género cómico”,con las influencias de los Hnos Marx(“Toma el dinero y coorre”,Bananas”...)ha hecho un cine más regflexivo sobre el sexo,el amor,la muerte y la responsabilidad personal(“Hannah y sus hermanas” ,”Días de Radio” ...)

   F.Ford Coppola  es un director de grandes producciones y arriesgados experimentos.”El Padrino”(I,II,III),es una recreación de la novela de Mario Puzzo sobre el crimen organizado,mostrándonos las virtudes familiares y cómo el poder lleva a la soledad y desvela las estructuras étnicas y económicas,todo lo cual lo observa sin complacencia”American Graffiti”,que es una recreación nostálgica de la juventud,”Apocalypse Now”,sobre la guerra del Vietnam,donde se ve una exaltación y condena grandiosas de la guerra...,

  Otros cineastas son Robert Altman(“El Juego de Hollywood”...)Martín Scorsese,(”Malas calles” ,”Taxi Driver”, “Toro Salvaje”...) Steven Spielberg (con producciones de consumo masivo,de efectismos y grandes presupuestos,como “Tiburón”,”Encuentros en la tercera fase”,(Ciencia ficción)”Indiana Jones y el templo maldito”,”En busca del arca perdida”(Toda una serie de aventuras y fantasía)

     En Italia,tras la Segunda Guerra,surgió un renacimiento del Cine Italiano en la forma del Neorrealismo  con el que se rompía el patrioterismo y esteticismo del fascismo ,y se levantaba acta de la lamentable situación económica y moral  italiana de la posguerra,promoviendo una formación cívica que sustentara la naciente democracia. Esta labor reconstructora la llevan a cabo R.Rosellini(“Roma,città aperta”  sobre la ocupación nazi de Roma y la liberación partisana italiana)V. De Sica ,“El ladrón de bicicletas”, rodada por entero en las calles de Milán,reflejando la dura realidad de posguerra.Pier Paolo Passolini , quien en “El Evangelio según S.Mateo”,dedicada al Papa Juan XXIII,muestra la figura de Cristo como un mito épico-lírico popular y visto a través de los ojos del pueblo creyente...frente al cristianismo anterior al  Concilio Vaticano II. Federico Fellini,superador del neorrealismo,pero ,desde un mayor subjetivismo,igualmente incidente en la crítica social en su grandes obras “La Strada”, “La Dolce Vita”. M.Antonioni,L.Visconti(”EL Gatopardo” ), B.Bertolucci(“Novecento)”E.Scola...(Una jornada `particular”) que se inician en el “neorrealismo”, pero evolucionan hacia fórmulas subjetivas y experimentan con técnicas de vanguardia como el surrealismo,el flash back

    En G.Bretaña se produce también una recuperación cinematográfica,aunque no tan significativa como la italiana,también en una línea realista denominada “Free Cinema” con obras como “Sábado noche,domingo mañana” de Karel Reisz, “Cowboy de media noche” , de J.Schlesinger...+ las películas musicales de gran incidencia crítica en costumbres y en moral de la inmediata posguerra del grupo Musical The Beatles,como “¡Qué noche la de aquel día”,.”Help! “  . En esta época sobresalen los grandes actores Glenda Jackson,Peter O´Toole,Vanessa Redgrave..

    En el cine español,tras un pequeño periodo de crisis con la llegada del sonoro y la emigración de algunos directores,bien por cuestiones políticas o por búsqueda de mejores condiciones de producción,resurge con creaciones de Benito Perojo,E.Jardiel Poncela y Edgar Neville.En 1934 se crea la Compañía Industrial Film Española(C.I.F.E.S.A.) ,distribuidora y más tarde productora.Durante la Dictadura se creó La Junta Superior de Censura Cinematográfica, que limitó las creaciones.

    Unos años más tardes empieza a surgir un puñado de excelentes películas  en la línea del “realismo” ,que van ofreciendo un progresivo aperturismo,tales como “Esa pareja feliz” de J.A. Bardem  y L. G. Berlanga, “Surcos” de Nieves Conde, “Bienvenido Míster Marshall”  y “El Verdugo” de G.Berlanga, “Muerte de un ciclista” de J.A. Bardem...

               Con respecto a Luis Buñuel podemos señalar su significación en la cinematografía española,pero también en la mejicana y francesa.De joven,en los años 30,era un autor de vanguardia surrealista,realizando “Un Perro Andaluz” y “La Edad de Oro”(especie e manifiestos poéticos del surrealismo en imágenes)...Para él los supuestos morales residen en una voluntad purificadora que incita a la demolición sistemática de la moral burguesa,conservadora e hipócrita,y de los andamiajes sociales que la sustentan.Para tal demolición Buñuel utiliza en ocasiones la acusación social,cruel y desgarradora”Los Olvidados”,el lenguaje de la fantasía pura,”El ángel exterminador”,el onirismo “Subida al cielo” , el erotismo,”Belle de Jour”,la blasfemia o el humor “Ensayo de un crimen” .

        En “Abismos de pasión” presenta un despropósito pasional en relación con “Cumbres Borrascosas” .   Otras obras de gran importancia son “Viridiana” y las adapaciones de las novelas de B.Pérez Galdós,”Tristana” y “Angel Nararin” (Crítica al misticismo religioso)

     Buñuel representa lo más vivo e inconformista de la cultura española(Goya,Quevedo,Valle-Inclán,Galdós) + el filtro surrealista francés

  

      8.-LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL SIGLO XX.-

   En los años 60 aparece el “Nuevo Cine Español”,con realizadores como Carlos Saura ,que dirige “La Caza” (1965).Otros directores de esta etapa son Mario Camus, Basilio Martín Patino, Miguel Picazo y el actor y director Fernando Fernán Gómez.

     La década de 1970 se caracterizó por las comedias populares comerciales,todo un subgénero bautizado como “destape”.Luis Buñuel vuelve a España para rodar “Tristana”(1970) y Víctor Erice realiza “El Espíritu de la Colmena”.. Una vez instaurada la monarquía,el cine español ha cosechado importantes galardones internacionales,como los oscars ganados por “Volver a empezar” de José Luis Garci y “Belle Epoque” de Fernando Trueba. Uno de los directores españoles que ha obtenido mayor reconocimiento internacional en la década de 1990 es Pedro Almodóvar.

    Como cine latinoamericano importante hemos de señalar el argentino y el mejicano.

   Entre los mejicanos destaquemos a Fernando de Fuentes,(”El Compadre Mendoza”,””Vámonos con Pancho Villa”),J.Bustillo Oro con algunas películas de Cantinflas,como “Ahí está el detalle”,algunas de Luis Buñuel como “Los Olvidados” , Felipe Cazals con “Emiliano Zapata”.Aparecen una serie de estrellas como Dolores del Río,Jorge Negrete...  y los famosos “Estudios de Producción Churubusco”. En Argentina en la época del sonoro proliferaeron las películas con “temas de tango”,tales “Los Muchachos de antes no usaban gomina” de Manuel Romero. “La Guerra Gaucha”  de Lucas Demare.. Torre Nilsson, “Martín Fierro”,  J.J.Jusid,“La Fidelidad”,Hector Olivera,Adolfo Aristarain,Lautaro Murúa ( “La Raulito”)..Destaca la gran estrella Héctor Alterio. 

   En el cine japonés hemos de señalar a Akira Kurosawa(“Rashomon”...)superador del cine de tradición épica de su país representado por Ozu Yasujiro(“Los siete samurais”). Mizoguchi crea una obra sobre leyendas japonesas del XVI,”Cuentos de la Luna Pálida de Agosto”, Kinugasa sobre cuentos familiares crea “La Puerta del Infierno”... Shoeli Imamura, “La Balada de Narayama” ,Nagisa Oshima, “El Imperio de los Sentidos”...

     Del cine sueco hemos de mencionar a uno de los directores de mayor relieve internacional,Ingmar Bergman ,con un cine de carácter ideológico-filosófico,con especial incidencia en el existencialismo relacionado con temas como la soledad humana,los conflictos religiosos y las obsesiones sexuales.estudio muy minucioso de las relaciones y caracteres humanos.(“El séptimo sello”,”Fresas Salvajes”,”Gritos y susurros”...).

    En el cine de Francia ha dominado inicialmente una modalidad de “realismo” llamado “Nouvelle Vague”,que rompe con el preciosismo cinematográfico y la altas costumbres sociales anteriores.Destacan el grupo de cineastas de la Revista “Cahiers de Cinéma”.Entre ellos , F.Truffaut,gran admirador de Hitchcokc,que realiza películas realistas de carácter autobiográfico como “Los cuatrocientos golpes”,que tiene como protagonista a un niño zarandeado por la vida y unas relaciones familiares ingratas,”Jules y Jim” , “Disparad al pianista”..., Alain Resnais, , con gran interés por la memoria,por Proust,donde el hombre aparece como producto de su pasado(“Noche y Niebla” ,un recorrido por los museos del horror nazi,”Hiroshima,mon amour” con una pareja sobre la que gravitan los recuerdos atormentadores de la guerra) J.Luc Godard ,quien en “Al final de la escapada”expresa la desorientación de algunos sectores jóvenes tras la muerte de Stalin,con seres marginales y amargados “Una mujer casada”. , reflexión de la función de la mujer como objeto de consumo erótico,”Week-End”,una crítica a la sociedad consumista

   En Alemania ,tras una etapa de cine complaciente,surge la producción de Werner Herzog, creaciones de paisajes impresionantes y reflexiones sobre la vida en condiciones difíciles y peligrosas,autor de “Aguirre o la cólera de Dios” ,sobre el conquistador español del XVI que se rebeló contra Felipe II con el deseo de dominar un continente entero.Rainer Werner Fassbinder, cineasta crítico con las secuelas del nazismo en la Alemania de posguerra(“Lili Marlen” , “El Matrimonio de Maria Braun”, “Todos nos llamamos Alí”emotiva reflexión sobre el racismo.

    Mención aparte merece el surgimiento de Bollywood en la India. Ya en 1913 se había fundado un estudio dirigido por Dadahaseb Phalké, que produjo unas treinta películas en diez años. Sin embargo, fue con Alam Ara (1931), la primera película sonora de la India, la que marcó un antes y un después, al crear una de las más características tradiciones de Bollywood: el peso de los números musicales dentro de los filmes

          A partir de entonces se diseminaron por la India varios centros de producción que se especializaron: cine histórico y superproducciones en Bombay, dramas románticos en Poona, fantasía en Calcuta. La barrera idiomática en un subcontinente con centenares de lenguas hizo que el cine occidental apenas llegara a dichas tierras, pero la gran población le permitió a este mercado cinematográfico ser prácticamente autosuficiente, de modo que Bollywood creció de manera paralela y autónoma al cine hollywoodense, europeo o soviético, desarrollando sus propios códigos y cánones, a veces sumamente extraños para el espectador occidental, pero que le confieren un sabor único dentro de la cinematografía mundial.

9.-EL CINE EN EL S.XXI

9.1.-Cine y postmodernidad

                         Para cierto sector de la crítica, el cine ingresó hacia la década de 1980 en el postmodernismo. De ahí que se hablara del agotamiento de las vanguardias, de la imposición del concepto de simultaneidad por sobre el de continuidad, del reciclaje de viejos materiales. Hitos de este cine posmoderno serían filmes como Blade Runner (1982) o Pulp Fiction (1994), filmes armados a partir de la recreación de viejos códigos fílmicos y literarios que han perdido vigencia como tales, como por ejemplo el cine negro o el pulp. Contribuye a esta impresión, la dilución que las películas han ido experimentando debido al fenómeno del blockbuster, en el cual éstas se venden como parte de un gran paquete promocional de otros productos relacionados, como por ejemplo la banda sonora, la novela o el videojuego de la película. Estos ensamblajes multimedia han sido particularmente visibles en fenómenos como The Blair Witch Project o The Matrix, que buscaban ser no solo películas, sino experiencias totales que abarcaran también Internet. Se considera al "cine postmoderno" como una categoría nueva de cine o no, el caso es que la experiencia de ver un filme a finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI, era radicalmente diferente a la de las generaciones anteriores.

9.2.-El Cine e Internet.

 

                     La generalización de las tecnologías relacionadas con el ordenador cambió al cine para siempre. Los antiguos efectos especiales a base de maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante computadoras. La primera película con efectos digitales fue Tron (1982), pero desde ahí el desarrollo fue fulminante, hasta el punto que en 1995 la compañía Pixar pudo realizar el primer largometraje íntegramente realizado por computadora (Toy Story), y en 2004, la película Sky Captain y el mundo del mañana era completamente virtual, siendo reales solo los actores protagonistas, quienes rodaron íntegramente frente a una pantalla azul. Un paso muy simbólico lo dieron los Estudios Disney, cuando después del fracaso de su filme en animación tradicional Home on the Range, cerraron esta división y se concentraron en el mercado de la animación por computadora.

                       Internet supuso también un desafío mayúsculo para los grandes estudios, debido a que el brutal crecimiento de la capacidad de almacenaje en discos duros y portátiles (CD-ROM y DVD entre otros) llevó a que por primera vez se pudiera reproducir de manera virtualmente ilimitada una película íntegra, sin pérdida significativa de calidad. El siguiente paso vino con el surgimiento de las Redes P2P ("peer to peer"), que permiten intercambiar información de todo tipo sin un servidor central, y que muchos usuarios empezaron a emplear para descargar películas gratuitamente desde la red, compartiendolas entre ellos.

                   Todo lo anterior abrió un intenso debate, que aún no termina, en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet. Los grandes estudios se quejan de las pérdidas que este intercambio origina, y los usuarios por su parte contraatacan esgrimiendo el principio de democracia en la red. Esta democratización, por su parte, ha llevado a que muchos realizadores independientes hayan optado por el cine digital, grabando sus películas y editandolas por ordenador, para luego colocarlas en sitios de intercambio de información, como por ejemplo YouTube o Vimeo, este último muy utilizado por cineastas independientes. También se ha simplificado el proceso de convocatoria a festivales de cine, con lo cual el cine independiente, realizado al margen de los grandes estudios, se ha visto fuertemente potenciado. Todo lo anterior ha llevado a una fuerte democratización del cine. Todas estas tendencias son incipientes, y aún es demasiado pronto para determinar cómo será el nuevo mercado del cine que emergerá en un futuro cercano.

                          También Internet ha servido para la difusión del cine clásico. Una colección de películas de dominio público se encuentran en el Internet Archive, una completa base de datos para la preservación de la historia del cine. Prelinger Archives contenía, en 2005, 1.969 películas, todas ellas de libre uso, ya sea personal o comercial.

                        Las modernas técnicas de producción digitales, asociadas a internet, han propiciado lo que se conoce como cine unipersonal o solo filmmaking, es decir, películas hechas casi íntegramente por una sola persona, circunstancia que se puede dar sobre todo en el cine de animación. Ejemplos como Killer Bean Forever, de Jeff Lew, con una producción que emplea a en torno a seis personas, o La ruta de los elefantes, de Pedro Alonso Pablos, hecha íntegramente por él mismo con ayuda de una actriz de doblaje, comienzan a proliferar.

 

9.3.-Cine Digital.-

 

                       París : primera proyección de cine digital público de Europa (2000)

                  El 2 de febrero de 2000, en París, Philippe Binant realizó la primera proyección pública de cine digital de Europa, fundada sobre la aplicación de un MEMS (DLP CINEMA) desarrollado por Texas Instrumentos.

                  Con la rápida difusión del digital y la proliferación de formatos, el Digital Cinema Iniciativas (DCI), trabajando junto con miembros del comité SMPTE de protocolos, publicó un sistema de especificaciones que han adoptado las mayores productoras estadounidenses. Resumiendo, los protocolos indican que las imágenes sean codificadas con el estándar ISO/IEC 15444-1 "JPEG2000" (.jp2) y que se use el espacio de color CIE XYZ a 12 bits por componentes codificado en una gama de 1/2.6; que para el audio se utilice el formato “Broadcast Wave” (.wav) a 24 bits; también hablan del cifrado y otros detalles técnicos.

10.-EJERCICIO DE APLICACIÓN

           En grupos de 2(ó 3) alumnos redáctese un comentario de la película que responda a las siguientes cuestiones.

        1.-IDENTIFICACIÓN DE LA PELÍCULA(créditos)

           a)Título

           b)Nacionalidad

           c)Grupo de Producción(Productor...gerente-productor...coproductor...?)

           d)Grupo de Dirección(Director...Guionista...Codirector....

                                                Guion Original//Guion Adaptado(obra-escritor)?

              (Recójanse en alguna enciclopedia datos del Director y su producción más significa-

               tiva para situarlo en la Historia del Cine)

           e)Grupo Técnico(Director de Fotografía...Cámaras...Efectos Especiales..Música-Son

                                        Vestuario...Decorados....?

           f)Año de realización

           g)Género cinematográfico posible por tema y estilo          

           (...)

 

         2.-LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO

      

             A)LA IMAGEN

   

                 a)Planos

                    ¿Qué tipo de planos predominan en unos u otros momentos.Señalar dos o tres

                      tomas-planos de las distintas clases...sentido que pueden aportar

                     (¿Cómo es el desarrollo narrativo--lineal o no lineal(flash back/flash forward?))

                 b)Cámara Cinematográfica

                      -Posiciones(Señálense dos o tres tomas de cada tipo,si las hay...sentido que pue

                                          den aportar)

                      -Movimientos((Señálense alguna/s toma/s de cada tipo,si las hay...sentido que

                                               pueden aportar)

                  c)Escenografía (Natural...artificial...-lugares principales donde se sitúa la acción,

                                            las distintas escenas)

                  d)Iluminación(Natural,artificial..algunos momentos en los que adquiera significa

                 

                B) EL SONIDO

 

                    a)L a Palabra: Directa,Indirecta(Voz en OFF,Monólogo Interior)...

                    b)La Música...(¿Hay algunos momentos en los que adquiera alguna signif.esp.?)

                    c)Ruidos...(Señálense algunos momentos en los que los ruidos adquieren signif.)

                  

         3.-REALIZACIÓN CINEMATOGRÁFICA

 

                     (...)

                    A)TRABAJOS DE LABORATORIO

                         a)Montaje(predomina el analítico o sintético?)

                        b)Trucaje(Efectos especiales...transparencias,sobreimpresiones,filtros y fun-

                                         didos posibles....¿En qué momentos?

                       c)Doblaje(...Se sincronizan bien la música,palabra y ruidos con la imagen....?)

                     

           4.-CONTENIDO DE LA PELÍCULA

 

                a)Tema o idea importantes que se resaltan

                b)Pequeño resumen...(se podrían señalar bien las partes?)

                c)Personajes más importantes y pequeña caracterización

                d)Valoración del interés del relato

          

             5.-CONCLUSIONES

                   Interés general de la película.¿Qué aspectos llaman más la atención de esta obra...el contenido-tema,la realización cinematogtráfica--interpretación de actores,trabajos de laboratorio...? ¿Se conoce al director de otras películas?.¿Qué cine os resulta más interesante o habeís visto más? ¿Qué experiencia tenéis de la fotografía,actuación,películas super-ocho...?)